martes, 27 de octubre de 2015

"Pacto criminal", un asesino serial


Pacto criminal (Black Mass, Estados Unidos/2015). Dirección: Scott Cooper. Elenco: Johnny Depp, Dakota Johnson, Joel Edgerton, Benedict Cumberbatch, Kevin Bacon, Jesse Plemons,Rory Cochrane, Adam Scott, Corey Stoll y Peter Sarsgaard. Guión: Mark Mallouk y Jez Butterworth.Fotografía: Masanobu Takayanagi. Música: Junkie XL (Tom Holkenborg). Edición: David Rosenbloom. Diseño de producción: Stefania Cella. Distribuidora: Warner Bros. Duración: 122 minutos. califica; 9 butacas.


Pacto criminal relata la increíble historia real de James “Whitey” Bulger, el hermano de un poderoso senador del estado de Massachusetts, y de cómo el FBI permitió el ascenso a la gloria delictiva del crimen y el poder de la Mafia. Johnny Depp (el mafioso) de excelente caracterización y criminal despiadado, Joel Edgerton (el policía) y Benedict Cumberbatch (el político) están obligados a jugar dentro de la márginalidad en el submundo de la corrupta ciudad del sur de Boston en la década de los 70 para convirtirse en informante del FBI, con el objetivo de hacer caer a Angiulo una familia mafiosa que manejan la mafia local italiana en Nueva Inglaterra.
Las traiciones y venganza se desatan entre unos y otros que toma la atención del FBI. El director Scoot Cooper ("La ley del más fuerte", "Loco corazón") eligió el relato de ésta historia mafiosa, donde analiza con rudeza la pertenencia y traición, ambición, gloria, su ascenso y caída de sus personajes. Cooper filma una crónica violenta que va y viene en el tiempo, donde Depp es el hilo conductor con una recreación de actuaciones impecables.

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martes, 20 de octubre de 2015

"MISIÓN RESCATE", un colonizador de Marte


Título original: The Martian
Dirección: Ridley Scott.
Guión: Drew Goddard, según la novela de Andy Weir.
Fotografía: Darius Wolski.
Edición: Pietro Scalia.
Música: Harry Gregson Williams.

País: Estados Unidos (2015)

Intérpretes: Matt Damon, Jessica Chastain, Kate Mara, Chiwetel Ejiofor, Kristen Wilg, Jeff Daniels. Distribuidora: Fox. Duración: 141 min. Calificación: muy buena
De los muchos films de ciencia ficción del espacio extraterreste, todas ellas están ambientadas con referencia al planeta Marte. Así las dos versiones de "La Guerra de los Mundos", John Carter, "Misión a Marte", "Planeta Rojo", ¡Marte Ataca!! y ahora "Misión rescate" de Ridley Scoot.
Con los mayores conocimientos que se tiene sobre el planeta rojo por el envío de información de la sonda Mars Reconnaissance Orbiter, lanzada en 2005, y la constante transmisión de fotografías provenientes del robot Curiosity, demuestra que en la superficie de Marte existe agua que fluye por las laderas marcianas.  "La presencia de agua líquida en Marte tiene implicaciones astrobiológicas, geológicas e hidrológicas y puede afectar beneficiosamente  la exploración humana en el futuro".
 En éste contexto, llega "El Marciano" (The Martian), que fue rebautizada para su estreno en Latinoamérica como Misión Rescate, que trae un reparto multiestelar encabezado por Matt Damon, Jeff Daniels, Jessica Chastain, Sean Bean, Kate Mara, Michael Peña y Chiwetel Ejiofor, entre muchos otros.

Escrita por Andy Weir relata la odisea de un astronauta tener que sobrevivir cuándo la tripulación de la misión espacial que integró a pisar suelo marciano, trás una tormenta marciana desaparece y se lo dá por muerto, teniendo la misión abandonar el planeta ante ésa emergencia. Recuperado del accidente, Watney emprende solo un camino hacia la supervivencia en un planeta desértico y hostil donde no puede cultivar alimentos, ni tiene oxígeno y debe armar sólo con su iniciativa y sus conocimientos de química y física, un cultivo orgánico botánico. 
Con un solo concepto "Puedes resignarte o ponerte a trabajar", dice en algún momento en el filme el protagonista, mientras que la NASA, en conocimiento de la supervivencia de Watney, debe organizar una misión de rescate en tiempo récord.

Scott llegó en Misión rescate y vuelve a poner en vigencia algunos de los valores de esa tradición suya: la inteligencia, la valentía, el profesionalismo, la solidaridad y sobre todo el optimismo, serán necesarios para sobrevivir cuándo todo se vuelve adverso y aún más a varios millones de kilómetros de la Tierra. 
Scott recobra finalmente el sentido de la espectacularidad con el 3D, y escenas ambientadas con densa realidad. El tiempo dirá si será su mejor película y llegará a convertirse en un clásico del género que tiene todo para serlo con algún Oscar, como lo hicieron la pionera 2001,Odisea del espacio de Stanley Kubrick.

sábado, 17 de octubre de 2015

"Liv y Ingmar" una largo amor


"Liv y Ingmar" (Noruega-Reino Unido-India/2012, hablada en inglés) / Dirección y guión: Dheeraj Akolkar /Fotografía: Hallvard Braein / Música: Stefan Nilsson / Edición:Tushar Ghogale / Diseño de producción: Andrew Laws / Film documental con liv ullmann y samuel fröler (voz de ingmar bergman) / Distribuidora: Mirada / Duración: 83 minutos /

Trás varias insistencias de Dheeraj Akolkar, cineasta de origen indio desde hace tiempo residente en el Reino Unido, logró convencer a Liv Ullmann de participar en un documental que relatara su apasionada y tumultuosa relación con Ingmar Bergman.
Fue un fervoroso admirador del cine sueco y de la gran actriz que trabajó en "Escenas de la vida conyugal, Gritos y susurros","Sonata de Otoño",cedió una serie de entrevistas filmadas en la isla de Farö, donde vivieron los primeros tiempos una historia de amor que duró más de cuatro décadas, aportará el material de vivencias de un retrato íntimo y homenaje evocación de los años más felices, y también los tumultuosos de su larga convivencia no intelectual, sino humana y sensible, creativo y contradictorio de un sentimiento profundo.


Akolkar eligió incorporar en su film documental largos tramos de diferentes films de Bergman (Fresas Salvajes, Después del Ensayo, El Silencio) y cuánto más de la vida de la pareja estaba contenido en sus películas, y que suma a quiénes consideran que suele haber una estrecha relación entre la obra de un artista y su vida personal.
La evocación de su vida comprende varios etapas: el Amor, la Soledad, Furia, Dolor, Anhelo y Amistad, durante un verano de felicidad plena como nunca volverían a vivir, en la isla donde nació la pasión mientras filmaban "Persona" y donde Ingmar pronto haría construir la casa que iba a ser su refugio donde se ocultarían las asperezas y pasiónes entre ellos en su prolongada convivencia, se sumaría además el carácter posesivo del hombre (con sus celos enfermizos y su voluntad de imponerle el aislamiento que deseaba para sí), que contribuiría a un lento y progresivo deterioro del vínculo de relación.


Fueron sus ojos de mirada noble y profunda con palabras sinceras que se (incluyeron en los tramos de "Senderos", su libro de memorias), como también los recuerdos de Liv Ullmann que cuenta a 50 años de una vida marcada por el amor, los celos y finalmente de pura amistad, que la ligó para siempre con uno de los más grandes creadores del cine mundial.
Cuenta que cuándo se encontraron, ella tenía 25 años e Ingmar 46, y de ésa pareja en 1966 nació la única hija Linn, hoy escritora que sólo duró cinco años.


El profundo vínculo que nació entre ellos, tanto profesional como sentimental, y en lo profesional son elocuentes en las escenas de "Sarabanda" (de su precuela Secretos de un Matrimonio) donde sintetiza su propio drama que siente por la sociedad en que vive y poca fé por el ser humano, su película podría ser su verdadero legado, siguió ocho años después, hasta la muerte de Bergman en Farö, que se dió un día después de la última visita de Liv, que hoy tiene setenta y seis años, continúa con el encanto de siempre y algunas arrugas que suman su rostro, que no deja de ofrecer un placer de regocijarse volverla a ver en la pantalla.

domingo, 11 de octubre de 2015

"En la cuerda Floja", desafiar al vacío



En la cuerda floja (The Walk, Estados Unidos/2015). Dirección: Robert Zemeckis. Elenco: Joseph Gordon-Levitt, Ben Kingsley, Charlotte Le Bon, James Badge Dale.
El film narra un intrépido equilibrista de las alturas de un personaje de la vida real que enfrenta al vértigo sobre el libro del francés Pilippe Petit en adaptación de Chrtopher Browne y Zemeckis, que un 6 de agosto de 1974 en la madrugada tuvo la proeza inusual y desconcertante de cruzar las Torres Gemelas sobre una cuerda tensa de acero.


Para conseguir la hazaña es interpretado por Joseph Gordon-Levitt Petit, el protagonista bajo la dirección de Robert Zemeckis con amplitud tecnología 3D logra escenas que impresionan desde la altura de las Torres regodear la visión con los edificios lindantes, con su mística impronta que hace referencia al ataque del 11 de septiembre 2001 como un homenaje al Trade Center,
Todos los hechos son relatados por su protagonista desde lo alto de la Estatua de la Libertad con fondo hacia las Torres sobre el rio Manhattan. Un espectaculo de magnitud obsesivo y vital con el altruismo del personaje que asume junto a un equipo de confianza y por su pareja Annie (Charlotte Le Bon), por Papa Rudy (Ben Kingsley), su maestro y gran equilibrista circense, un amigo fotógrafo y por otro matemático. El film mantiene un clima tenso y angustiante del vértigo que pueda generar y del que nos hace partícipes de la emoción a cada momento que calificamos como muy buena.

 

jueves, 20 de agosto de 2015

"El Principito"


Le petit Prince (The Little Prince) Año 2015 Duración 106 min. País Francia Francia Director Mark Osborne Guión Irena Brignull (Novela: Antoine de Saint-Exupery) Música Richard Harvey, Hans Zimmer. Productora Onyx Films / Orange Studio / M6 Films Género Animación. Fantástico. Drama | Stop Motion. Literatura. 3-D

"El Principito" film animado dirigido por Mark Osborne (Bob Esponja, la película, 2004; Kung Fu Panda, 2008) fue presentado fuera de concurso en Cannes 2015, por ser una versión de una historia bella de la novela del escritor y aviador francés, Antoine de Saint-Exupéry, tan archiconocida no por retratar cómo el libro afecta a quienes lo leen, sino acercarlo a quiénes aún no lo han hecho, sentir la emotividad que tiene una niña cuya madre le ha planificado cada minuto del futuro de su vida y tenerla encaminada para obtener el éxito en los estudios y después en su profesionalidad. Pero la pequeña conocerá en su nuevo vecino, un excéntrico aviador que la introducirá en el mágico mundo donde habita un pequeño hombre que no quería ser mayor "El principito" que la ayudará a mirar a las estrellas de una forma distinta y sentirá motivada por ésta metáfora donde "Lo esencial es invisible a los ojos" y .... "Solo con el corazón se puede ver la verdad"


 La película está rodada con dos técnicas muy diferentes para los dos relatos paralelos: por un lado se utilizó la animación por ordenador para narrar la "realidad" de la niña y el aviador, mientras que para los fragmentos que reconstruyen la historia original del libro se utilizó la animación o "stop motion". Los actores que prestaron su voz son la actriz Mackenzie Foy (en la voz de la Niña), y El Principito en la voz de Jeff Bridges, y también Benicio Del Toro, y Paul Giamatti.
El film se reinventa al cuento original agregando una historia que revive la amistad entre el viajero y ese zorrito misterioso que hace resaltar el asombro de la niñez en conflicto y desiluciona al adulto que cuándo ya anciano, mantiene el espíritu y la mirada de un niño, nos queda solo la nostalgia que nos muestra las pérdida de los valores que sufrimos al volvernos mayores.

Con emotivas imágenes aggiornadas al nuevo tiempo de la técnica 3D chicos y grandes descubrirán en la historia llena de metáforas al pequeño Principito que narra la aventura de un niño que buscaba respuestas y que el encuentro con un piloto pone su atención en “las cosas serias”, que le refleja un mundo de inocencia, sorpresa e imaginación que no puede perderse en el ser humano.

 Se quejaba Exupéry de lo complicadas que hacen los adultos, en muchas ocasiones, las cosas sencillas. Su novela "El Principito" es el perfecto ejemplo de ésta simplicidad metafórica que alberga en su interior tantos significados como lectores pueda tener la obra.


Una fábula en la que el lector empatiza con el Principito si adopta el punto de vista de la imaginación y los sentimientos, o con el Aviador, si lo hace desde la realidad y la razón. Quizá sea por eso que el largometraje homónimo de Mark Osborne define un entrañable relato, realizado con sensibilidad para llegar a una audiencia amplia, acompañado por una banda sonora maravillosa, logra reformular el mensaje de lucha por el respeto, y los genuinos valores de amor y amistad: entre El principito y La rosa, dos seres que se aman y que se enfrentan a la decepción propia del mundo externo que los separa: el jardín de rosas donde se pierde el concepto que será recuperado gracias a la inteligencia del zorro: "tú la haces única".

martes, 7 de julio de 2015

Terminator 5 Genesis


Dirección: Alan Taylor/ Guión: Laeta Kalogridis y Patrick Lussierm / Fotografía: Kramer Morgenthau / Música: Lorne Balfe / Edición: Roger Barton / Diseño de producción: Neil Spisak / Elenco: Arnold Schwarzenegger, Emilia Clarke, Jai Courtney, Jason Clarke, y J.K. Simmons / Distribuidora: UIP / Duración: 126 minutos / Calificación: apta para mayores de 13 años / En salas 2D y 3D (doblada o subtitulada) / Opinión: regular
Paramount Pictures presenta "Terminator Génesis", la quinta entrega de la saga, un film dirigido por Alan Taylor que plantea relanzar la historia desde el principio.
En 'Terminator Génesis', que se estrena el 10 de julio el actor Arnold Schwarzenegger vuelve a meterse en la piel de Terminator más fornido después de su paso testimonial al ausentarse en la cuarta, "Terminator: La salvación" de (2009), producción realizada cuándo era gobernador de California.
La nueva saga retoma la futura guerra entre hombres y máquinas poco antes de una batalla decisiva en el año 2029, momento en el que el líder de la resistencia, John Connor (Jason Clarke), decide enviar a uno de sus soldados en un viaje en el tiempo hasta un momento cronológicamente anterior a los hechos relatados en 'The Terminator' (1984).
El juego temporal permite que ésta película presente a personajes icónicos con otro aspecto más joven, y justifica el cambio de actores obligado por el paso de los años donde un "viejo" Schwarzenegger se mide a la joven versión de sí mismo, que se pudo ver en la primera entrega,
Eso que “Todo ha cambiado” por si sólo significa que la historia va a ser más o menos la misma que la de las dos anteriores historias, las más celebradas, pero variando lo que conocemos de ellas, se pretende que sea el comienzo de una nueva trilogía queriendo “cambiarlo todo, para que en realidad todo siga igual”.
Sarah Connor que conocemos será en ésta ocasión muy guerrera, y por razones que desconocemos, las paradojas temporales habrían hecho que hubiera quedado huérfana a los 9 años y que fuera criada por un Terminator (que sería el mismo Schwarzie). Éste la cuidó y la inició en las artes del combate letal, y su relación paternofilial es tan palpable que ella le llama cariñosamente “Pops”, y la piel que recubre el cuerpo de “Pops” tiene la particularidad que también envejece con el tiempo, a diferencia de los ciborg que se regenera de toda destrucción.
Del incombustible Schwarzenegger y la joven Emilia Clarke (más conocida como Daenerys en Juego de tronos), quién encarna a su hijo John Connor es Jason Clarke (El amanecer del planeta de los simios), mientras que Jay Courtney (Spartacus: Sangre y arena) es Kyle Reese, el hombre de confianza de Connor, con la misión de proteger (y enamorar) a Sarah del pasado.
En cuánto al temible robot del mal T-1000, en ésta ocasión será un cyborg (interpretado por Aaron V. Williamson) y presentado por sus creadores como una especie de “híbrido” aún más poderoso y letal.
El androide interpretado por Arnold Schwarzenegger durante éste regreso quiere sostener la vigencia del héroe de acciónes ultraviolentas de las que sale inmune como en las anteriores ya con los ¡68 años!!, diciendo que se siete viejo y en éste contexto el film se parece más a una meditación para sostener su autoestima.


A 31 años del inicio de la franquicia, Terminator Génesis intenta recuperar el espíritu de los dos primeros films de James Cameron y revitalizar una carrera de Schwarzenegger que en los últimos años no ha podido trascender.
Los guionistas Laeta Kalogridis y Patrick Lussier elaboran con la tecno de la máquina que permite viajar en el tiempo para que los protagonistas vayan por la transportación a distintas épocas (1984, 1997, 2017, 2029) intentando incidir en el pasado para cambiar el futuro.
Kyle Reese (el galán australiano de la saga Divergente Jai Courtney), Sarah Connor (Emilia Game of Thrones Clarke, aquí en reemplazo de la mítica Linda Hamilton), John Connor (Jason Clarke) y el guardián de Schwarzenegger son los cuatro protagonistas de ésta suerte de Volver al futuro con bastante más solemnidad que humor con una irónica sonrisa del personaje poco cautivante.
En Terminator Génesis pasa de todo y mucho de nada en una superproducción de 155 millones de dólares de presupuesto a propulsión de efectos visuales 3D (gentileza de Industrial Light & Magic) donde se combina la ciencia ficción, mucha secuencias de acción con una destrucción apocalíptica, y un atizbo de romance y el resto dedicado al humor poco sutil y fútil.
Es poco lo que ofrece Alan Taylor más allá de la superproducción no pasa de un film para un momento de entretenimiento pochoclero.
Si la saga consigue recaudar buena taquilla, le seguirán 2 secuelas más, una en 2017 y la otra en 2018.
Los estudios Paramount deben aprovechar éste filón antes del 2019 en que los derechos sobre la saga vuelvan a manos de James Cameron.


"MINIONS"


"MINIONS" es la película de animación de criaturas que tienen un comienzo maravilloso con bastante gracia y buen tono ameno al intentar con un dinosaurio, un cavernícola, Napoleón y Drácula salir de su refugio para buscar una nueva figura aterradora. Es así que los Minions van de la Prehistoria pasando brevemente por diferentes etapas históricas: Egipto, la Edad Media, un encuentro Napoleónico, la Antártida y el hombre del Yeti o incluso "la Luna", y su único sentido existencial es intentar conseguir encontrarse con alguien que ejerza de villano sin tener suerte.
Kevin, Stuart y Bob son los tres personajes que se pone foco en la historia, aunque pertenecen a una tribu muchísimo mayor de seres casi idénticos, todos pequeños y amarillos, llevan anteojos, a pesar de sus diferencias en detalles como algunos tienen un ojo, otros dos, ó alguno es más alto y alargado mientras que la mayoría son bajitos y rechonchos, pero su esencia es la misma.

Pero son los tres protagonistas, cada uno con una personalidad acentuada y desarrollada que el film en ése aspecto define sus virtudes. En todo su periplo, los años van pasando y nunca logran éxito en su objetivo de hallar un villano al que seguir, así terminan por casualidad desembarcando en Nueva York en el año 1968, fecha especial como cuna del movimiento hippie y moderno de una época bien determinada por su ajetreo.
De repente los protagonistas terminan en Orlando para asistir a un concurso de villanos famosos y cruzan su destino con la terrible Scarlet Overkill (voz de Alexandra Jiménez en castellano) y su marido Herb Overkill (Quim Gutiérrez en la versión española).
Con guiños a la cultura de la época (Andy Warhol...), y una banda sonora excelentemente cuidada (The Rolling Stones, The Doors...) la película deriva en una segunda parte desarrollada en Londres con el robo de la corona de la Reina de Inglaterra que tiene originalidad.
Es entonces cuándo el film dirigido por Kyle Balda y Pierre Coffin, con un guión de Brian Lynch, hace importante a los personajes y más humanos como protagonistas a los pequeños Minions como simples creadores de gags.


En ésta parte, Kevin, el líder más cerebral, ni Stuart el eterno adolescente, ni Bob el bonachón y alegre consiguen con sus chistes sus mejores momentos por falta de su personalidad por la acumulación de situaciones y dispersión que resienten el interés del relato.
Sobre el final, al ver el casual encuentro de los personajes con Gru, la película baja algunos peldaños como elemento infantil entretenido, que no está mal, pero le falta algo más de cohesión. Para aquellos mayores más exigentes pedirán que haya más "Minions" en el futuro, ya preparando una tercera que estrenará en dos años con la participación del villano Gru, a pesar de ello la actual saga completa la satisfacción de hora y media de duración con simpatía y un suceso exitoso de los "amarillos spinoff" para rendir buena taquilla.

sábado, 30 de mayo de 2015

"El Incendio"

El "Incendio" opera prima de Juan Schnitman sobre un guión de Agustina Liendo cuenta el hecho autobiográfico de que dos personas la están pasando muy mal en un total desconcierto al intentar comenzar una vida en pareja que los lleva a comprar un departamento con 100.000 dólares, donde Lucía y Marcelo treintañeros tiene una cita con el vendedor que no llega al encuentro y la escritura se posterga, ellos deben volver a su departamento en alquiler a esperar y esconder el dinero retirado del banco.
Ante ésta situación la impronta en la pareja es muy fuerte en un contexto real de un thriller psicológico, con problemas que enfrentan a los protagonistas pelearse por tema del dinero y la aparente desconfianza va minando la lealtad y los lleva abordar una crisis profunda de pareja que los somete al maltrato verbal para vivir una desorientación que se derrumba como un castillo de naipes. Pilar Gamboa y Juan Barberini abordan ésto con tono crudo y emociónes fuertes, y el profundo drama que se vislumbra en la pareja en vías de disolución para llegar a una situación de insostenibe desgaste y la ilusión se torna un infierno.
El dinero está presente como tema de discusión permanente como una paranoia que es motivo de tensión durante todo el film. Hay mucha intensidad y mucha entrega de los actores en cada escena al generar ésto en una puesta que se resuelve con escenas con diálogo de "plano secuencia" que mantiene el clima hostil como recurso más apropiado en lugar de plano y contraplano.
Schnitman es un excelente narrador con ajustada puesta en escena, dúctil para dirigir los personajes dentro del psicodrama emocional con cierta dosis de crueldad con la escena de sexo violenta, ellos encuentran algo que habían perdido en su relación de manera extraña y reaccionan de manera opuesta a ése encuentro que genera un nuevo desencuentro que tendrá un desenlace indefinido pero que el subconciente dará por sobrentendido.
Un excelente film que no debe pasar desapercibido por lo significativo en una sociedad de actualidad conflictiva.

viernes, 1 de mayo de 2015

"La Ninfomanía" al límite del orgasmo y el placer depresivo


¿La ninfomanía es un mito ...?
En el libro "Una historia de la ninfomanía" de Carol Groneman, catedrática de Historia del John Jay College of Criminal Justice de la Universidad de Nueva York, la autora explora cómo ha ido cambiando el significado de palabra ninfomanía a lo largo de los últimos 200 años. Su investigación, nos descubre cómo la sexualidad femenina ha sido motivo de confusión o represión continua.
¿Por qué se cuestiona el interés excesivo de la mujer en el sexo? ¿Qué fundamentos existieron para clasificarla como una conducta inmoral y desdeñable?
Groneman nos conduce de la mano por la historia de las distintas concepciones que se han tenido de la ninfomanía como una enfermedad, o un trastorno mental.
La fuerte inclinación de una mujer hacia el sexo fue clasificada según los criterios masculinos de cada época, y ésos criterios han sido poco benevolentes hasta la actualidad, a pesar de que la palabra ninfomanía ha quedado en desuso. En el mundo contemporáneo se la sigue viendo como una enferma a cualquier mujer cuyo deseo sexual sea prioritario, hipersexual o adicta al sexo.
Una reflexión sobre el papel sexual de la mujer y lo incongruentes que resultan hasta ahora los razonamientos que condenan al disfrute sexual femenino, tan sólo porque se cree que debe ser mesurado para que no agreda la virilidad del hombre o vaya en contra de la tierna imagen maternal.

El director Thierry Fremaux, del festival de Cannes habló de Von Trier después de alguna disidencias que no quiso comentar al respecto del film del cineasta danés que había mostrado Nymphomaniac "La Ninfómana", no participará en el festival de Cannes del 15 al 25 de mayo de 2014, dado que el estreno mundial será en Dinamarca para el próximo 25 de diciembre de 2013 y la segunda parte se podrá ver en cines a partir del 24 de marzo de 2014.
El film erótico de Lars Von Trier con Charlotte Gainsbour, Stellan Skarsgard, Shia LaBeouf, Christian Slater, Jamie Bell, Uma Thurman y Willem Dafoe, Mia Goth, Connie Nielsen, Sophie Kennedy Clark entre otros de los protagonistas, es una película sexual al punto de alcanzar diferentes climax finales en sus 2 partes de largometraje de 2hs cada una con sexo explícito, sobre las distintas etapas en la vida sexual de una mujer en medio de dos hombres negros, donde el cineasta danés se divierte con sutiles metáforas eróticas donde cada miembro del reparto nos muestra el placer según sus diferentes caras con goces de expresivo orgasmo personal.

En el film "La Ninfómanía" relata la historia de Joe una mujer diagnosticada como auto-ninfómana, que repasa sus experiencias eróticas ante el hombre (Seligman) que le salvó la vida en una noche invernal después de ser golpeada y abandonada en la calle, tiene escenas cargadas de sexo explícito como saborear un aperitivo de turbias experiencias sexuales que supone un desafío interpretativo extremo.
El filme comienza a verse como pecaminoso con alguna misoginia, pero luego sentimos que se lleva hacia otra explicación más literaria con la presencia del viejo, quién contagia el tema del sexo con otras habilidades artísticas para expresar la incesante búsqueda del erotismo y del orgasmo en diversas formas.
Así comienza hasta sentirnos llevados hacia otra explicación más filosófica, con la presencia del viejo solterón, quién contagia el tema del sexo con otros elementos metafóricos como la mosca de la pesca y el fresno con hojas de corazón en la primera infancia para alegar que el erotismo aún es misterioso por sobre el concepto del amor inexistente y solo cuándo el amor es sólo lujuria con adición de celos.
En una escena kirst ambientada con sutil marco de una pintura erótica expresionista se desenvuelve el drama existencial de sus protagonistas en la liberación sexual que abunda en referencias artísticas, a la música, la religión y a la literatura.  
Sobre la ninfomanía recaen los planteamientos del film al abordar ciertos paradigmas encaminados a redefinir conceptos puramente sociales sobre cuándo se impone como bueno o lo malo, al proponer una aceptación del aberrante concepto de cierta maldad desde la infancia con pensamientos más profundos que a posteriori, se rebaten por los convencionalismos sociales, y que ofrecen una oportunidad al menos de reflexionar con planteos de una mente liberada más abierta.
El film incluye diversas escenas de sexo explícito, masturbaciones, sexo oral, sadomasoquismo, tríos, todo entre los personajes que siguen en diversos hechos en escenas dispersas, y que para las tomas más osadas se utilizaron dobles y genitales artificiales”, declaró el actor Stellan Skarsgärd.


Nymphomaniac es un film provocador, difícil de apreciar fácil a pleno, al ser la historia de una mujer, que de su primera satisfacción sexual desde niña ha vivido toda su vida atrapada por sus deseos carnales que la llevó a convertirse en una ninfómana con deseo compulsivo de tener relaciones sexuales sin lograr la satisfacción absoluta, una afección que cuánto más actividad sexual se tenga, menos sensación de satisfacción se obtiene, y para conseguir sentir satisfacción se lleva el sexo a límites depravados a un ámbito insospechado de un padecimiento de adicción, controlado por la mente poniendo en evidencia trastornos psicológicos emocionales y de sometimiento masoquista con estado depresivos.



"Ninfomanía"se desglosa en ambas partes en 8 capítulos.En el comienzo "El pescador experto" cuenta la competencia entre Joe y su amiga B, por lograr la mayor cantidad de encuentros sexuales en el trayecto de un tren. por el premio de una bolsa de chocolates..., ¡hay que pescar! en el capítulo 2, Jerôme es el hombre que hace flaquear el relajado mundo de Joe, cuándo parece sentir estarse enamorando. "El amor es sólo lujuria con adición de celos".  En el capítulo 3, una angustiada Joe comienza a enfrentar las consecuencias de su eterna juerga sexual. Un duelo familiar en el capítulo 4 y el preludio coral de Bach en órgano a tres voces en el 5.
En el 6:La iglesia oriental se refiere a la iglesia de la alegría, y la occidental a la del sufrimiento. Destruida, Joe se mira al espejo en el capítulo 7, y encuentra una arma en el 8 y cierra un final sorpresivo.
El recorrido textual a lo largo del film es una radiografía de la liberación sexual a través de referencias artísticas, musicales, literarias y la opresión de la iglesia. El tratamiento del film tiene aspectos de escenas con pureza fascinantes, pese a su tendencia hacia el lado caótico de sublecturas ocultas y algunas provocaciones exprofesas que Von Trier deja caer sobre su conocido antisemitismo, sin embargo Nymphomaniac es prueba de tener su realización un virtuosismo artístico de un cineasta que se mueve entre la carne y el espíritu, un artista perturbado que trabaja sobre el borde caótico de los sentimientos, entre las nociones de bien y mal, y un cineasta con valor poético que fluctúa entre el sonido que susurran las hojas al viento.
El film fue exhibido en el Festival Bafici del gobierno de la Ciudad de Buenos Aires en 2015

Parte 1a de versión completa en portugués

 

Parte 2a de versión completa en portugués

sábado, 25 de abril de 2015

Los premios del Bafici 2015


"Court", del joven realizador indio Chaitanya Tamhane, fue elegida « Mejor película » de la Selección Oficial Internacional de la edición 2015 de BAFICI  y "La princesa de Francia", de Matías Piñeiro, mereció el mismo premio en la Competencia Argentina, cuándo con su cierre se dió a conocer la lista completa de ganadores de todas las secciones del Festival.

En la Competencia Internacional, el israelí Nadav Lapid mereció el premio « Mejor director » por su película "The Kindergarten Teacher"; el indio Vivek Gomber resultó elegido « mejor actor » por su trabajo en "Court" y la argentina Verónica Llinás obtuvo el título de « mejor actriz » por "La mujer de los perros".
Los premios especiales del jurado en ésta sección fueron para "Songs from the North", de Soon-Mi Yoo, y "Ela volta na quinta" de André Novais Olivera.
En la Competencia Argentina, José Celestino Campusano fue considerado « mejor director » por su película "Placer y martirio", e "Idilio" de Nicolás Aponte Aragón Gutter mereció una Mención Especial.
El resto de los premiados son : "Paseo" de Renzo Cozza, primer premio de la Selección Oficial de Cortometrajes ("Enfrentar animales salvajes" de Jerónimo Quevedo mereció el segundo premio, y "Atardecer" de Violeta Uman, el tercero) ; "Over the Years" de Nikolaus Geyrhalter (Austria) en la Competencia de Derechos Humanos ; "Léone, mère &  fils", de Lucile Chaufour (Francia) Gran Premio en « Vanguardia y Género » (allí también fueron elegidos "Letters to Max" de Eric Baudelaire (Francia) como « mejor largometraje » y "World of Tomorrow", de Don Hertzfeldt (EE UU) como « mejor corto »).

jueves, 19 de marzo de 2015

"Mommy" epítome de un adolescente incontrolable



Elenco; Anne Dorval (Diane (Die) Després), Antoine-Olivier Pilon (Steve Després)
Suzanne Clément (Kyla) y Patrick Huard (Paul Béliveau)                                                 Dir  Director: Xavier Dolan, Guionista: Xavier Dolan
Productor: Xavier Dolan y Nancy Grant
Música: Noia, Fotografía: André Turpin, Montaje: Xavier Dolan
Drama 2013, Canadá, duración 134 minutos

Mommy respecto a Steve encierra un tumultuoso complejo edípico porque para él, la madre es el deseo y el duelo como fuerzas motrices centradas en la reconquista: la recuperación del amor materno  filial y la adquisición de un espacio de libertad. Hay un encerramiento del complejo familiar con la permanencia de imagen cuadrada que lo ejemplifica el Director en permanencia que implica esa sensación de aprisionamiento en la que vive y siente Steve.

La madre habla por sus gestos de actuación, a través de su conflicto desesperado de una madre viuda que no consiguió enseñar y marcar los límites a Steve, su hijo adolescente al convivir en rebeldía de sus actos violentos en busca de libertad para la ruptura de barreras sociales preestablecidas, y la búsqueda de un aire que permita mayor amplitud a su patología compulsiva enfermiza se lo requiere, al concentrar un exceso de energía que rompe transgrediendo los límites de lo ordinario, en su comportamiento social.
Ese excedente incontrolable, que el propio director jóven Xavier Dolan de 26 años aplica en su filmografía con su quinta película de forma alterna como en (Yo maté a mi madre, Laurence Anyways y aquí), es la propia constitución psicológica al construir su propio personaje en propia raíz narrativa, incorpora el gesto autoconsciente en la figura materna para pedirle perdón, dado que él es el foco de conflicto y arrastra a su madre y su entorno, provoca resistencias en la actitud que no puede eludir de su conflicto psíquico.

Ante ésta situación de opresión y aislamiento de la adolescencia en erupción, en éste clima al sentirse aprisionado hay siempre una pulsión por el contacto con el mundo, encarnado en el tercer microcosmos cerrado en tres personajes, la madre, el hijo y una sensual Suzanne Clement, (la vecina Kyla) que ella misma con aparente timidez y tartamudez simboliza la disfunción de lo reprimido, que como ya lo anunciaba Freud, "es aquello necesario para el funcionamiento social".
Con ése defecto en el habla, tiene un agudo contraste con una subterránea ironía que denuncia Dolan respecto aquello que regula el orden social, porque ella alegoriza la fricción de Steve con el exterior. Un mundo que ya se encuentra defectuoso desde su propia existencia y Mommy tiene unas secuencias abrasivas en el comportamiento social  magistralmente ejecutadas cuándo trabaja los clímax emocionales que uno acaba desgarrado por el contexto del drama social al hacer un uso de los clichés, exacerbando las evidencias al límite de la parodia y ahí se posicionan las fracturas que ya emergen sustancialmente.
Un buen trabajo actoral y excelente dirección justifica satisfactoriamente para los más exigentes.

"Insurgente"


Insurgente (Insurgent, EE.UU./2015) / Dirección: Robert Schwentke / Guión: Brian Duffield, Akiva Goldsman y Mark Bomback, basado en la novela de Veronica Roth / Fotografía:Florian Ballhaus / Edición: Stuart Levy, Nancy Richardson /Música: Joseph Trapanese / Elenco: Shailene Woodley, Theo James, Miles Teller, Kate Winslet, Naomi Watts, Jai Courtney, Alsel Elgort, Zoë Kravitz / Distribuidora: Alfa Films / Duración: 123 minutos /

Insurgente, segundo de los tres libros de la saga Divergente, sufre por momentos del Capítulo del medio que falta terminar. Ya fueron presentados los personajes, y aquí hay que desarrollar los conflictos.
A su favor cuenta con que hay dos vueltas de tuerca tal vez inimaginables para quiénes se metieron de cabeza en la historia futurista, una de ellas al mejor estilo de "Los juegos del hambre".
Es una película de una saga intermedia y a Tris le costaba y mucho pasar las pruebas en el entrenamiento feroz con sus compañeritos -todos jóvenes y/o adolescentes-. Se tuvo que hacer valiente y practicar tirar un cross de derecha temible para luchar en ésta Chicago futurística, la única ciudad amurallada que quedó semidestruída y más o menos en pie después de una guerra, con una sociedad dividida en facciones: Abnegación, Osadía, Erudición, Verdad y Cordialidad, y Tris es la divergente porque encaja más o menos en cada una de ellas.

Con respecto a la primera película "Divergente" estrenada hace once meses, Insurgente tiene mejor desarrollo y efectos especiales en 3 D emocionantes, más persecuciones y está más volcada a la acción algo forzada.
La trama es más lineal -exceptuando las sorpresas- y mantiene ése costado pérfido y culpógeno de Tris, que siente que por su culpa asesinaron a sus padres.
Kate Winslet, como Jeanine, es la pérfida líder de Erudición, estaba desaprovechada en Divergente, y aquí, aunque se la pasa de pie y habla más que lo que actúa, y su personaje tiene más dramaticidad.

Hay otros personajes nuevos, y tanto Theo James (Cuatro) como invencible tiene el rol de héroe salvador de los opositores atacantes.
La linda Shaileen Woodley, luce más como la aguerrida Ripley en alguna de las películas de Alien. Conflictuada y tironeada como una Divergente se enfrenta a dos grupos entre explicaciones y más explicaciones, donde se busca a un sujeto "divergente" que pueda ser capaz de abrir una caja cifrada con un mensaje.
Puesto frente al desafío de la acción futurista de Insurgente, su director Schwentke apenas consigue imágenes trepidantes y no logra que funcionen las secuencias, caso en el escape inicial no resuelve lo verosímil de las velocidades de malos y buenos en la persecución alocada, y durante todo el relato la puntería de los tiradores es demasiado arbitraria. No obstante ello a los que gustan de propuestas tecno de futuro tendrán opción de sentirse entretenidos con satisfacción.  

domingo, 15 de febrero de 2015

50 sombras de Grey, a la sumisión



Una vez que la publicidad consigue el run-rum, comienza la fiebre por lo erótico que se va expandiendo por una base millonaria de venta del libro, se puede predecir y dar por descontado que mucha gente quiere ver lo más pronto posible para comentarla antes que nadie, y revelar los momentos eróticos a quiénes todavía no la vieron, es obvio que estamos hablando de 50 sombras de Grey: La pasión entre Anastasia Steele (Dakota Johnson), cuyas intenciones parecen ser morderse el labio y suspirar, es una estudiante avanzada de literatura inglesa todavía virgen, y Christian Grey (Jamie Dornan), un magnate galán de 27 años con un oscuro pasado y un presente dominado por traumas que lo lleva a obsesionarse con las prácticas masoquistas perversas de dominación, es narrada con canciones cuyos títulos resultan obvios ("I Put a Spell On You"; "I'm on Fire") en una banda sonora de Danny Elfman apelando a clichés del género erótico.
Así solo madres e hijas hablan de sexo fuera de la angustiosa y obligada charla educativa de la pubertad y además ayudadas con un muestrario de distintos juegos eróticos de gustos sexuales aparecen ritualizados para los mayores de forma fehaciente.
El maltrato machista adquiere la forma del sofisticadísimo y muy turbador 'bondage', como búsqueda de experiencias nuevas, que tanto gusta ser convertido en el puente snob que une a la adolescencia.


Hay esposas, palos y látigos y acumulación de azotes, flagelaciones y sometimientos entre el amo y la esclava en condición de sometida bajo contrato de acuerdo, que no son suficientes para convencer un erotismo donde no hay amor sino un tenor de setimientos fríos y fantasiosos sólo para ávidas jovénes iniciantes.
El realizador Sam Taylor-Johnson apela a la estética fotográfica de lujo irritante sobre yuppies narrando una historia que resulta involuntaria a lo ético, salvo en la escena de una "cena de negocios" entre los protagonistas en la que discuten los detalles y los alcances del contrato sadomasoquista que están por firmar al sometimiento de designio sexual al lograr un nivel de delirio y absurdo.


Recordemos algunas de las películas eróticas anteriores que fueron hitos allá lejos hace casi 30 años, una película quemó la cabeza de los adolescentes nacidos en los setenta: se llamó 9 semanas y media, dirigida por el hitero Adrian Lyne a los protagonistas Mickey Rourke, Kim Basinger con una canción de Randy Newman interpretada por Joe Cocker.
Otra película erótica más perversa y perturbadora de 1976 fue la japonesa de Nagisa Ôshima que se llamó El imperio de los sentidos (Ai no korîda) mucho más explícita con la famosa escena del huevo.
Ambientada en París una película de director italiano Bernardo Bertolucci con actor estrella estadounidense Marlon Brando y un músico argentino el Gato Barbieri fue el Último tango en París que se la identificó por la manteca.

  

Algunos cinéfilos se acuerdan de Betty Blue, "Emmanuelle", "La carne" de Ferreri, y "Crash" de Cronenberg que hicieron taquilla, pero es imposible no rendirse ante la película de Roman Polanski: "Perversa luna de miel", uno de los grandes títulos de 1992, cargada de juegos de seducción y erotismo sádomasoquista protagonizada por (Emmanuelle Seigner y Hugh Grant) quieren con su marido disfrutar su séptimo aniversario de bodas en un crucero, donde conoce a Mimi y su marido (Peter Coyote) en silla de ruedas, y éste le permite que la seduzca ante la escucha en su presencia, que aquí recordamos algunas escenas:

 

sábado, 7 de febrero de 2015

"La teoría del todo", y el precipicio del tiempo


"La teoría del todo" Título original: The theory of everything. Dirección: James Marsh. Género: Biopic, drama, romance. Interpretación: Eddie Redmayne (Stephen Hawking), Felicity Jones (Jane Hawking), Emily Watson (nurse), Charlie Cox, Simon McBurney, David Thewlis. Guión: Anthony McCarten, Producción: Tim Bevan, Eric Fellner, Lisa Bruce y Anthony McCarten. Música: Jóhann Jóhannsson. Fotografía: Benoît Delhomme. Montaje: Jinx Godfrey. Diseño de producción: John Paul Kelly. Vestuario: Steven Noble. Distribuidora: Universal Pictures, duración 123 minutos, Reino Unido 2014. Calif. MB.

La Teoría del Todo es una biopic de la vida del físico Stephen Hawking una de las mentes más brillantes de nuestro tiempo donde explora el conocimiento que sentó su teoria del universo en contradicción con la creación del universo por la creencia en Dios, y como telón de fondo acompaña el romance entre Stephen Hawking y su matrimonio con Jane Wilde.
Basada en la novela "Hacia el Infinito" según las memorias de Jane Wilde que fuera su primera esposa, éste melodrama narra de forma íntima desde su boda, y poco después el diagnóstico de la enfermedad motora, haciendo hincapié en el deterioro progresivo de sus facultades neurológicas y físicas de Hawking, que erosionan de forma gradual e irremediable a la pareja. De ésta forma, Jane tiene que tomar fortaleza ante su debilidad para crear empatía por su abnegación y sus deseos de buscar una vida distinta cuándo todo había claudicado, gana protagonismo a medida que aumenta el deterioro físico de Stephen y lucha por sacarlo adelante (la secuencia en la que le enseña a hablar pestañeando, puede que sea lo más emotiva del film) para que él pueda continuar trabajando a pesar de sentirse agotada y dispone la companía de una nurse que motivará sus sentimientos.


La parte más meritoria de la película se sustenta en las interpretaciones de Eddie Redmayne y Felicity Jones, ganó el premio como mejor actriz por su nivel interpretativo, sumado a los mínimos detalles que identifican la realidad de Stephen Hawking en su dolor y lucha interna entre el aguante y la claudicación.
La historia pone énfasis en el amor y el desamor, y deja de profundizar en los logros de toda una vida dedicada a la ciencia y en la superación a sí mismo como hombre cuyo diagnóstico inicial de su enfermedad le tenía asignado dos años de vida, a pesar de ello tuvo que desafiar a su parálisis de esclerosis lateral amiotrófica en una silla de ruedas, desde allí contribuye de forma brillante con sus teorías a nuestro conocimiento del universo frente a Dios.
El film opta a 5 premios Oscar, entre ellos los de mejor película, mejor guión adaptado, mejor actor para Eddie Redmayne -que ya consiguió el Globo de Oro- y si no se lleva el premio máximo de la Academia, difícilmente lo haga en los próximos años, porque su trabajo actoral lo merece.
La película de James Marsh tiene excelencia al centrarse en acercarnos a la vida privada angustiante de Stephen Hawking, teórico y divulgador científico británico que cambió la historia de la ciencia con la tecnología moderna desde su sofisticada silla de ruedas signado por la esperanza.

jueves, 29 de enero de 2015

"Inquebrantable"



"Inquebrantable" (Unbreakable, Estados Unidos/2014) / Dirección: Angelina Jolie / Guión:Joel Coen, Ethan Coen, Richard LaGravenese y William Nicholson, basado en el libro de Laura Hillenbrand / Fotografía: Roger Deakins / Música: Alexandre Desplat / Edición: Tim Squyres y William Goldenberg / Diseño de producción: Jon Hutman / Elenco: Jack O'Connell, Domhnall Gleeson, Miyavi, Garrett Hedlund, Finn Wittrock y Jai Courtney / Distribuidora: UIP / Duración: 137 minutos / Calificación:apta para mayores de 13 años / opinión Buena.

El título lo dice todo y la pelicula lo justifica al contar la vida de Louis Zamperini (Jack O'Connell) un atleta olímpico que tuvo que ser soldado durante la segunda guerra mundial. Junto a otros dos soldados, sobrevivió en una balsa durante 47 días después de un accidente de su avión que tuvieron en batalla cayendo al mar. Mientras flotaban a la deriva con su gomón fueron capturados por la Marina japonesa y enviados a un campo de prisioneros de guerra narra una historia de forma bastante lineal pero de momentos angustiantes con la intención de subrayar el heroísmo y la férrea nobleza "inquebrantable" por el agobio del rigor, y el sadismo de los militares japoneses, y que Angelina Jolie en su segunda incursión detrás de la cámara (la primera fue "In the Land of Blood and Honey") resuelve con dureza y solvencia atrapante.
"Inquebrantable" es la adaptación cinematográfica de la novela “Invencible”, escrita por la periodista Laura Hillendbrand, y que el film recrea la increíble y tortuosa vida de Zamperini, una historia real sobre la resistencia del espíritu humano donde la sed y el hambre nublan al náufrago ese dolor que aqueja la sobrevivencia al torturado de manera extenuante.
El largometraje cuenta con la fotografía de Roger Deakins y la música de Alexandre Desplat, y ofrece también “flashbacks” sobre la infancia de Louis y su llegada a los Olímpicos de Berlín y antes de morir a los 97 años en 2014 participa como revancha de aquellos momentos autobiográficos en Japón de una maratón portando la antorcha olímpica.