sábado, 25 de febrero de 2017

The Beatles; "Anochecer de un día agitado"


Título original: A Hard Day's Night, "Anochecer de un día agitado" ("Yeah, Yeah, Yeah") en Argentina.
Director: Richard Lester, Guión: Alun Owen, Música: The Beatles, Fotografía: Gilbert Taylor.
Año: 1964, Duración: 85 min., País: Reino Unido, Género: Comedia - Documental -


Desde la aparición del tema "Please Please Me" el 22 de marzo de 1963, los Beatles comenzaron la revolución musical en el ámbito de la cultura popular que tuvo consecuencias hasta nuestros días después de haber transcurrido 50 años, donde se proyectó una versión remasterizada de su primer film músicodocumental en una sala de cine en México en ocasión a su aniversario. Ésto es porque los Beatles tuvieron una evolución musical sorprendente con temas simples como "Love Me Do", hasta los maravillosos delirios psicodélicos de "Strawberry Fields Forever". Pero además, en su historia los Beatles no se limitaron al campo de la música sino a su imagen, estética, y al delineamiento de la personalidad de cada uno de sus integrantes, como una nueva forma de rebeldía juvenil generando con ello, un éxito comercial sin precedentes.


Éste furor desatado en catarsis por los fans de Liverpool, originó que productores y empresarios quisieran explotar el fenómeno juvenil antes de que éste se agotara, liderado por su promotor-manager Brian Samuel Epstein desde antes, cuándo los encontró actuando en el abarrotado pub Cavern Club en Liverpool el 9 de noviembre de 1961, y desde allí organizó bien el negocio comercial mencionado por ellos como el quinto Beatle.
Ésta idea del éxito efímero compartida por Bud Ornstein, ejecutivo de Artistas Unidos junto al productor independiente Walter Shenson llevaron adelante el proyecto. El objetivo era realizar un film con poco dinero y hacer fortuna vendiendo la banda de sonido con un rápido rodaje en 14 semanas que comenzó el 2 de marzo en estudios de TV y que el film tenía que estar listo en las salas para el mes de julio de 1964.
Pero los Beatles no querían hacer la clásica película músical a la usanza de los protagonizados por Elvis Presley. “Detesto ésas películas en las que todo el mundo se pone a cantar sin ninguna razón, con la orquesta que surge de ninguna parte”, dijo George Harrison.
Para dirigir su primer largometraje, los propios Beatles eligieron a Richard Lester (propuesto por Shenson), quién había trabajado en reiteradas oportunidades con Peter Sellers y cuyos trabajos eran conocidos por el grupo. El guión estuvo a cargo del dramaturgo Alun Owen, quién viajó junto a Lester y Shenson acompañando al grupo en su gira por París y la película se fue rescribíendo sola con el grupo y frente a nosotros durante su seguimiento”, afirmaba Richard Lester.
El realizador Lester confesó que tenía presente las limitaciones actorales de los Beatles, por lo que junto a su guionista decidieron hacer muchas escenas en movimiento y que los parlamentos de los Beatles sean lo más breves posibles pero apoyados en el humor irreverente. Ésta decisión fue muy importante para el momento de dar al film ese look de primitivo videoclip pero con mucho ritmo puesto por su director, además de su montaje dinámico, citado como precursor del cine que venía años después.


En un principio, se pensaba en el título de "Beatlemania", pero después fue cambiado por el de "A Hard´s Day Night", una frase utilizada por Ringo Starr para definir un día agotador (En la Argentina, A Hard´s Day Night se estrenó comercialmente como "Yeah, Yeah, Yeah". En Italia fue "Tutti Per Uno" (Todos Para Uno) y en Francia "Quatre Garcons Dans le Vent" (Cuatro Muchachos al Viento)). Durante el rodaje los Beatles tuvieron que componer sus canciones por encargo (el tema que da título al film fue compuesto por Lennon y McCartney en un solo día). Paul aportó "And I Love Her", "Things We Said Today" y "Can´t Buy Me Love", "If I Fell, I´m Happy Just to Dance With You" y "I´ll Be Back" fueron compuestas entre Paul y John. Todas las demás canciones eran de John: "Tell Me Why, I Should Have Known Better", "Any Time At All, I´ll Cry Instead, When I Get Home" y "You Can´t Do That".
"A Hard´s Day Night" se estrenó mundialmente en Londres el 6 de julio de 1964 con éxito esperado, ya que United Artists tuvo una ganancia del 200% sobre el costo del film solamente con las ventas adelantadas del disco, antes de que se estrenara el film, solamente en su primera semana recaudó 8 millones de dólares.
Con una hábil dirección de Lester, inteligente guión de Alun Owens y caracterización de cada uno de los integrantes con corte de pelo en casco como nuevo look, resaltando el modo irónico de algunos rasgos de sus personalidades, un tono realista de humor ácido bien británico y absurdo, la referencia al Swinging London, los chistes sutiles de la banda, las secuencias musicales que preanuncian al videoclip (cuándo los Beatles cantan "I Should Have Known Better" en el vagón del tren), no sólo con ello dejan un testimonio de los cambios fundamentales que se producirían en la cultura popular en la década del sesenta, sino que también sentó las bases del comportamiento de numerosas bandas musicales (y de las vitales imágenes de las mismas) referentes al cine en la actualidad.


Una breve historia de dos días y una noche en la vida de los famosos Beatles donde se suceden persecuciones musicalizadas desde los primeros minutos, cuándo John, George y Ringo corren hacia la estación de tren donde los espera Paul con su "abuelo" Mc Cartney (Wilfred Brambell) un anciano malvado, jugador, mujeriego y alborotador que mantendrá durante casi toda la película su horrible fisonomía y gestos de su temeraria seriedad, que buscarán en sus corridas escapar de los fanáticos, las conferencias de prensa, la contestación de las misivas de admiradoras y la actuación en televisión con la participación del abuelo indeseable.
Una remake en versión remasterizada de una película que aún continúa fresca como la de sus jóvenes años de los 64 y que el tiempo no consiguió opacar así como el éxito que consolidó la fama al conjunto musical con su música, eternamente.

martes, 31 de enero de 2017

La valija de Benavídez



La valija de Benavídez (Argentina/2016) / Dirección: Laura Casabé / Guión: Laura Casabé y Lisandro Bera, basado en un cuento de Samanta Schweblin / Fotografía: Mariano Suárez / Edición: Martin Blousson y Laura Casabé / Música: Gillespi / Elenco: Jorge Marrale, Guillermo Pfening, Norma Aleandro / Duración: 80 minutos / Calificación: apta para mayores de 13 años.


Benavídez es un profesor de plástica casado con una joven pintora. Una noche discuten acaloradamente y él carga su valija y deja su hogar para buscar asistencia en la vivienda de su psiquiatra (Jorge Marrale) también coleccionista de arte. Al día siguiente, Benavídez descubre el secreto que oculta ésa casa: es una mansión de artistas que participan de un tratamiento diseñado para ampliar sus espectros creativos. Atrapado allí, y totalmente confundido le sugieren ser sometido a un tratamiento. En su intento de escapar recorrerá distintas habitaciones y pasillos de la mansión y en ésos lugares su memoria se posará en aspectos de su vida y en la relación con su padre y con su esposa, para encontrarse finalmente ante el camino, con una revelación que cambiará su destino.
La directora Laura Casabé se basó en un cuento homónimo de Samanta Schweblin la historia de un thriller psicológico con una dosis de suspenso por momentos asfixiantes por la deseperación del profesor convertido en paciente, lo hará transitar por angustiantes pesadillas de su padre fallecido, un artista de reputación que era superior a él, y su mujer (Paula Brasca) una ex alumna que amenaza superarlo y desatar la inestabilidad de su psiquis.
El elenco encabezado por Jorge Marrale, de inquietante mirada; Pablo Benavidez (Guillermo Pfening), como ése ser atormentado, y por Norma Aleandro, una crítica de arte, apuntala la trama del film, que por sobre la necesidad de imponer un denso y siniestro clima, con una excelente fotografía y destacar también la iluminación ficcional y la adecuada música que supo subrayar cada uno de los momentos de sus densas escenas .


Con sátira snobista al mundillo del arte, dosis de terror malvado inscripto en la comedia negra y un vinculo amoroso quebrado, se sustenta el cresciente interés del film sobre un guión ajustado, homogéneo y creativo que permite un digno logro fílmico y fresca realización para el nuevo cine argentino que deja el film un aire de densidad claustrofóbica.

viernes, 27 de enero de 2017

Sin nada que perder



"Sin nada que perder" ésta película de David Mackenzie, escrita por Taylor Sheridan (Sicario) subraya la determinación de llevar a cabo una acción "pase lo que pase".
En Latinoamérica el título se ha sustituido por "Comanchería", el nombre que recibía la región habitada por la tribu comanche de nativos americanos, principalmente en el noreste de Nuevo México y oeste de Texas, zona donde se ambienta el film. No es tan caprichoso como puede parecer el nombre "comanche" que significa "enemigo o aquellos que quieren luchar siempre contra mí", lo que llevaría a entender a los comanches como enemigos de todos los demás pueblos.
Representar a los texanos con su propio estilo distintivo americano en el western con los comanches es visceral y emocionalmente crudos como así profundamente compasivos hacia los personajes que afrontan, ya sea en un cruce o al final del camino.
Mackenzie adopta tanto la cruda intimidad para fusionar el lirismo con humor irónico y tensión en partes iguales, en ésta carrera de fondo entre perseguidores y perseguidos al estilo western que trata la película. La historia es muy simple: dos hermanos con suerte roban bancos para saldar sus deudas, y serán tenazmente perseguidos por un legendario sheriff en Texas Ranger a punto de retirarse, se encuentran las corrientes que profundizan la masculinidad, la lealtad, la familia y los ciclos históricos, entre ambos y la forma en que un nuevo mundo de codicia sin rostro está colisionando con el viejo oeste individualista que hoy podría leerse como los republicanos entienden como una reflexión sobre los temas de la vida norteamericana contemporánea.
Con un guión muy especial de Taylor Sheridan, tenía una historia fresca, pero también matices de las grandes películas de la época dorada de los años '60 y '70. de los films de Don Siegel, en particular "La gran estafa", una de las pocas películas que hizo en el Oeste, y Hal Ashby, cuyo estilo humanista de hacer cine ó las que Jeff Bridges actuó en su juventud en "Un botín de 500.000 dólares", "Fat City, ciudad dorada" y "La última película".
David Mackenzie nació en Mayo de 1966 en Escocia. Es un director y escritor conocido por "Convicto" (2013), "Perfect Sense" (2011) y "Sin nada que perder" (2016), además de una prolífica Filmografía: "Damnation" (película para TV) (en post-producción) Gemstone (Serie de TV) (en pre-producción) 2016 "Sin nada que perder"  2013, "Convicto"  2011, "You Instead"  2011, "Perfect Sense"  2009, "Amante a domicilio" 2007,  "Hallam Foe"  2005, "Asylum"  2003, "El joven Adán"  2002, "The Last Great Wilderness".


Título original: "Hell or High Water"(Sin nada que perder),Estados Unidos 2016 Director: David Mackenzie Elenco: Jeff Bridges, Chris Pine, Ben Foster, Gil Birmingham, Katy Mixon, Dale Dickey, Kevin Rankin, Melanie Papalia, Lora Martinez-Cunningham, Amber Midthunder, Dylan Kenin, Alma Sisneros, Martin Palmer, Danny Winn, Crystal Gonzales. Guión: Taylor Sheridan Música: Nick Cave, Warren Ellis Fotografía: Giles Nuttgens Productoras: CBS Films / Sidney Kimmel Entertainment / Oddlot Entertainment /Film 44 / LBI Entertainment / Oddlot Entertainment production Duración: 102 min.

viernes, 6 de enero de 2017

"Hasta el último hombre"


"Hasta el último hombre" (Hacksaw Ridge, Estados Unidos-Australia/2016). Dirección: Mel Gibson. Elenco: Andrew Garfield, Sam Worthington, Luke Bracey, Teresa Palmer, Hugo Weaving, Rachel HGriffiths y Vince Vaughn. Guión: Robert Schenkkan y Andrew Knight. Fotografía: Simon Duggan. Música: Rupert Gregson-Williams. Edición: John Gilbert. Diseño de producción: Barry Robison. Distribuidora: Diamond Films. Duración: 138 minutos.


"Hasta el último hombre" es una historia real basada en un joven un joven de la iglesia adventista del séptimo día que es socorrista militar en la Segunda Guerra Mundial que no acepta por su religión, usar armas. Gibson cuenta la vida de Desmond T. Doss: su familia, su pareja, el entrenamiento militar y los conflictos por desobedecer órdenes y luego la contienda bélica.


Éste joven pertinaz en Okinawa tiene una obcecación que cobra sentido: el sentido religioso, el sacrificio, y la decisión en la que cree de mantenerse en el camino correcto y como médico salvar vidas. Y Gibson le da forma mediante la acción más deslumbrante: las secuencias de batalla que tiene en "Hasta el último hombre" superan a las de Spielberg en "Rescatando al soldado Ryan". Las superan en realismo, en cercanía y en impacto tienen un nivel inusual de capacidad para poner extensas secuencias en que la violencia, la muerte, el combate cuerpo a cuerpo y las explosiones volcánicas tanto como la maestría de Gibson que sabe hacer. Gibson insiste en ésas ideas de manera demasiado explícita, con líneas de diálogo que redundan sobre lo que ya estaba claro en las imágenes, casi siempre pletórica de movimiento que se llama cine.



miércoles, 4 de enero de 2017

"Pasajeros", pesadilla en el cosmos



"Pasajeros" (Passengers, Estados Unidos/2016). Dirección: Morten Tyldum. Elenco: Chris Pratt, Jennifer Lawrence, Michael Sheen, Laurence Fishburne, Andy García y Julee Cerda. Guión: Jon Spaihts. Fotografía: Rodrigo Prieto. Música: Thomas Newman. Edición: Maryann Brandon. Diseño de producción. Guy Hendrix Dyas. Distribuidora: UIP (Sony). Duración: 116 minutos.


Desde las célebres aventuras de un hombre en una isla deshabitada cerca del río Orinoco, o sea el famoso Robinson Crusoe de la soledad, la inteligencia es la capacidad de adaptarse y de sobrevivir en nuevas situaciones y en "Pasajeros" es un desafío al astío existencial en la inmensidad espacial y que propone un viaje cómodo lujoso y magnífico. 
Con el despertar de un día, Jim después de un estado de inconciencia de sueño inducido viajando en hibernación que se prolongó durante 30 años de los 120 años, tiempo que la nave espacial Avalon demoraría en recorrer la distancia entre la Tierra y llegar al nuevo planeta Homestead II en el que la humanidad plantea cambiar la vida y empezar una nueva vida.
En realidad el despertar es debido a una falla mecánica irreparable de la cápsula automática ante una colisión de un meteorito y Jim es el único ser vivo dentro de Avalon durante 90 años restantes, y además está programado que el resto del pasaje hibernado de 5.000 personas despierten cuándo falten dos meses para llegar a destino.
Jim un especialista electrónico deberá acostumbrar a lidiar con la soledad de la mejor manera posible y lo hace intentando solucionar los problemas de mantenimiento robótico, y con mensajes a la Tierra ó disfrutando de las bondades de las lujosas instalaciones y investigando la historia personal del resto del pasaje, donde descubre a una bella durmiente Aurora, que tiene vocación de escribir a quién decide despertar fingiendo otro desperfecto. Ella no lo sabe, y entre ambos iniciarán una relación forzada de acontecimientos que pasan por diversos matices hasta que después devendrá en un vínculo romántico en que Arhtur es un maitre androide que se encargará de atenderlos.


El film del director noruego Morten Tyldum (El Código Enigma) podría definirse en ciencia ficción en su primera mitad como un híbrido entre el existencialismo, y un cierto carácter metafísico propio, con una suerte del cine catástrofe espacial como en "Meteoro", cuándo descubran que el desperfecto afectaría a más pasajeros en las cápsulas de hibernación y crear un grado de conciencia.


Si consideramos al film como el síndrome de Estocolmo de la ciencia ficción, no tiene ninguna visión interesante del ser humano en condiciones como las ahí expuestas, solo por caso una historia romántica con final feliz, pero sí podemos considerar los estados metafísicos y de conciencia para sobrevivir en ése entorno, destacando un diseño artístico creativo de escenografía avanzado y la excelente fotografía de Rodrigo Prieto, pero con una música de  Thomas Newman a veces algo desarticulada.


Link para ver la peli completa: http://ver-peliculas.org/estrenos/2360-passengers-2016-online.html

martes, 1 de noviembre de 2016

“Favio: crónica de un director”


Favio: Crónica de un Director
- Título internacional (en inglés): Favio: Chronicle of a Director
- Director: Alejandro Venturini
- Asistencia de Dirección: Federico González Cobreros
- Fotografía/Imagen: Francisco De Santis / Sofía Victoria Rodrigo
- Gaffer: Diego Boccacci
- Edición/Montaje: Lucas Ríos
- Sonido Directo: Nicolas Payueta
- Diseño de sonido: Manuel Pinto
- Música: Iván Wyszogrod
- Productor: Paloma Chiodo
- Compañía/s Productora/s: 2t Producciones, Cinecolor Argentina, Universidad del Cine.
- País: Argentina
- Duración: 120 min.
- Año: 2015
- Formato de exhibición: DCP
- Color-B&N

“Favio, crónica de un director” es un documental que recupera aquella entrevista y busca echar luz sobre la visión que el propio realizador tenía del cine. Este proceso supone también un recorrido cronológico por la vida del artista, en el que se cuentan su infancia en Lujan de Cuyo, su incursión en el radioteatro, el arribo a Buenos Aires, su pasión por la música, la influencia del peronismo.
Documental basado en una entrevista realizada a Leonardo Favio, donde habla de su formación como director y su mirada sobre el cine, sumergiéndose en el mundo del realizador más influyente del cine argentino, recreando episodios de su vida y mostrando archivos inédito.


La originalidad de la filmografía de Leonardo Favio se revela en cada plano, en la construcción de los personajes y atmósferas. Con pasión, el realizador retrató una galería de seres excepcionales, tanto reales como ficticios, a los que dotó de una empatía nunca antes vista en el cine argentino. Favio, Crónica de un Director es un documental que recupera la entrevista a mediados del 2009, que Favio concedió y aún permanece inédita, en la que habló exclusivamente de cine.
El resultado fue una clase magistral,y busca echar luz sobre la visión que el propio realizador tenía del cine, haciendo un recorrido por su infancia en Lujan de Cuyo (Mendoza), su incursión en el radioteatro, el arribo a Buenos Aires, su pasión por la música y la influencia del peronismo.
En la nostalgia, en la anécdota precisa y el recuerdo más emotivo, se va configurando un complejo entramado de sensaciones que terminan por acercarnos, de una manera cercana, a la obra de un director tan esencial como Leonardo Favio. Venturini es con su cámara y habilidad para entrevistar el nexo entre la oralidad y la realidad. Un documental imprescindible que complementa su obra del universo de Favio que permite descubrir su forma de trabajo personal sobre su cine en el séptimo arte.

jueves, 20 de octubre de 2016

¿Qué invadimos ahora?



¿Qué invadimos ahora? (Where to Invade Next, Estados Unidos/2015).
Guión y dirección: Michael Moore.
Fotografía: Jayme Roy y Richard Rowley. Edición: Pablo Proenza, Woody Richman y Tyler Walk. Distribuidora: Diamond Films. Duración: 120 minutos.
El controvertido y popular documentalista estadounidense vuelve con otro filme crítico sobre lo bien que se vive en Europa y lo mal que se vive en EEUU.
La premisa de Moore es la política exterior en creer lo que es correcto ó cuál debería serlo como el camino a seguir, para ello viaja en su búsqueda a distintas ciudades europeas unas diez, donde recopila las cosas que podría copiar y llevar a Estados Unidos para mejorar su situación imperialista. Plantea un alegato jovial con humor optimista frente a las graves carencias en materia social en la vida norteamericana.


En su recorrida encuentra que la educación finlandesa, el sistema carcelario noruego, la alimentación en los colegios primarios franceses y la conciencia cívica de los fiscales islandeses, y para conocer éstos asuntos Moore realiza las entrevistas más concesivas dejando que los responsables reportados hablen sin atisbar un espíritu crítico pero más contemplativo.
Simboliza con la bandera norteamericana en mano clavarla en cada país parodiando la necesidad yanqui de plagiar a otras culturas.


"Michael Moore in TrumpLand" anunció el estreno de su film político sobre las elecciones en el IFC Center de Nueva York.
El ganador del Oscar se adentra directamente en territorio hostil con su espectáculo arriesgado e hilarante, en el corazón de la tierra de Trump semanas antes de las elecciones de 2016" con 73 m de duración de su film que provocará un efecto impacto en el electorado en las presidenciales de los norteamericanos el 8 de noviembre.
¿Quién quiere echar un vistazo a lo que he estado preparando?" lanzó, los tickes para ésta ocasión son gratis.
La sinopsis oficial del filme sostiene que el proyecto es una repetición de la obra de teatro que Moore esperaba tener llevado a cabo en Ohio.


Moore ganó el Oscar al mejor documental en 2003 por "Bowling for Columbine" y  volvió a competir en la misma categoría con "Sicko" (2007), una historia que denunciaba las facturas del sistema sanitario estadounidense. De sus obras también se destaca "Fahrenheit 9/11" (2004), que llegó a recaudar 119,1 millones de dólares en las salas, convirtiéndose en el documental más extitoso de Estados Unidos. También son conocidos sus films "Capitalism: A Love Story" (2009) y "Where to Invade Next" (2015).