viernes, 7 de septiembre de 2018

La Noche de 12 años


Producida por TORNASOL y ALCARAVAN AIE en coproducción con HADDOCK FILMS-ALEPH MEDIA, MANNY FILMS y SALADO, con la participación de MOVISTAR+, NETFLIX y ZDF/ARTE, y el apoyo del ICAA, INCAA, CNC, L´AIDE AUX CINEMAS DU MONDE, INSTITUT FRANÇAIS, IBERMEDIA y EURIMAGES, la película será distribuida en España porSYLDAVIA. Las ventas internacionales están gestionadas por LATIDO FILMS.




Inspirada en la historia real de José A. Mujica, Mauricio Rosencof y Eleuterio Fernández Huidobro, “LA NOCHE de 12 AÑOS”, es una historia de superación y resistencia, pero, sobre todo es la historia de la lucha existencial de tres hombres, que vivieron sus horas más oscuras, aferrados a su espíritu para mantener su humanidad, templanza y esperanza.
La película cuenta en su elenco con el Chino Darin, Antonio de la Torre y Alfonso Tort como protagonistas en una adaptación de Memorias del calabozo, libro en el que Mauricio Rosencof y Eleuterio Fernández Huidobro cuentan los años de confinamiento en la cárcel, durante la dictadura uruguaya, donde fueron rehenes junto a José Pepe Mujica.



     
                                               
José “Pepe” Mujica compartió una distendida conferencia de prensa con Alvaro Brechner y con Antonio de la Torre y Alfonso Tort, director y protagonistas de LA NOCHE de 12 AÑOS, que tuvo una fuerte ovación a sala llena entre sonrisas y reflexiones políticas, Mujica calificó de “peripecia” la tremenda historia de aislamiento que vivió en manos de la dictadura militar uruguaya y que se relata en la película, que obtuvo un aplauso de más de 25 minutos por parte de los 1.500 espectadores que colmaron la sala Dársena de la Biennale de Venecia.
Respondiendo a una pregunta sobre sus sentimientos en relación a sus años como rehén de la dictadura, Mujica afirmó que el “el amor y el odio son ciegos. Pero el amor nos hace andar y el odio nos destruye. No se trata, entonces, de perdonar ni de cobrar nada, sino de seguir adelante”, y hace una cita de Atahualpa  Yupanqui;
“Hay un aromo nacido
En la grieta de una piedra.
Parece que la rompió
Pa’ salir de adentro de ella”


                                                                        








1973.Uruguay está bajo el poder de la dictadura militar. Una noche de otoño, nueve presos Tupamaros son sacados de sus celdas en una operación militar secreta y trasladados a un lugar desconocido. La orden es precisa: “como no pudimos matarles, vamos a volverles locos”. Los tres hombres permanecerán aislados durante 12 años con un total de 4635 días. Entre ellos Pepe Mujica, con 70 años fue más tarde llegar a convertirse en presidente de Uruguay.
Su estreno está previsto para el 26 de septiembre de 2018 















sábado, 21 de julio de 2018

El Sueño cumplido 60 Aniversario del DAC, Directores Argentinos Cinematográficos 2018



DAC cumple 60 años a toda máquina, haciendo realidad el sueño de sus legendarios fundadores. Hoy a través de su representación, más de 1.200 directoras y directores reciben con puntualidad y transparencia sus derechos como autores audiovisuales. Su sede, la Casa del Director Audiovisual, es magnífica prueba de todo lo logrado.  Su acción social brinda múltiples beneficios a sus asociados; su Centro de Extensión Profesional ofrece capacitación exclusiva, permanente y gratuita; su Sala MARIO SOFFICI cuenta con el sistema de proyección 4K más avanzado de Latinoamérica; su PLAN RECUPERAR completará con financiación propia este año la restauración de 100 títulos del cine clásico argentino; sus propios medios gráficos y electrónicos cubren e informan por sí mismos toda la actividad audiovisual; su continua muestra itinerante de películas nacionales recorre el mundo,  apoyando decisivamente la creación de otras sociedades colegas en Latinoamérica.


DAC ha avanzando y transformando cada día en futuro su presente, con la mirada puesta en los nuevos creadores, acorde a la permanente innovación de un mundo que no se detiene creciendo vertiginosamente a través de las múltiples pantallas que se nutren de los contenidos audiovisuales realizados. Contenidos que con diversidad absoluta reflejan la identidad de la Argentina en su propio desarrollo.


Su sede, la Casa del director Audiovisual, con cada una de sus confortables y modernas comodidades, es la muestra fehaciente de todo lo alcanzado y un magnífico anticipo de los logros venideros.
Un colectivo en continuo crecimiento, integrado por más de 1.200 directoras y directores de ficción y documental, video clips, cine y televisión, reciben representados por DAC, los derechos que sus obras audiovisuales generan en la argentina y en el mundo.


Mientras Brasil se acerca ya a la esperada inclusión de guionistas y directores en su ley de propiedad intelectual, esta labor ha obtenido ya contundentes resultados con la sanción de leyes de autor audiovisual en Chile y Colombia, extendiendo por la región los derechos a una remuneración justa para los creadores.
Se alcanzan y concretan de esta forma, gracias a las comisiones directivas que en estos años han hecho fuerte a la entidad,  objetivos que tal vez incluso hasta superan los soñados por aquellos pioneros que como Fernando Ayala, Hugo del Carril, Lucas Demare, René Mujica, Leopoldo Torre Nilsson o Mario Soffici, fundaron Directores Argentinos Cinematográficos para defender, proteger y asegurar todos  los derechos que su obra reclamaba.

martes, 17 de julio de 2018

Tributo a Billy Wilder; con Una Eva y dos Adanes


En 1959, el realizador Billy Wilder estrenaba el film - basado en el largometraje francés de Richard Pottier, Fanfare d'amour, y co-escrito por su gran colaborador, I.A.L. Diamond - y, como era habitual en su obra, ponía de relieve temáticas subversivas para la época, desde la relectura del cine de gángsters de la década del 30, hasta la sexualidad explorada desde todos sus ángulos (como la reivindicación feminista y cierta burla de la masculinidad). Tony Curtis y Jack Lemmon interpretaban a Joe y Jerry, dos músicos que son testigos de una masacre mafiosa y que, para evitar ser asesinados, se suman a una banda de mujeres para realizar unos conciertos en un hotel de Miami, caracterizados como Josephine y Daphne. En ese grupo enteramente femenino conocen a Sugar Kane ( Marilyn Monroe ), esa mujer que como actriz combinaba seducción con ingenuidad como ninguna otra. Una Eva y dos Adanes se convirtió en un éxito inmediato, y propulsó la concepción de un musical alusivo titulado "Sugar", estrenado por primera vez en Broadway en 1972, y que también se repuso en 2002 con la actuación secundaria de Curtis en el papel de Osgood Fielding III, inmortalizado en la película por el hilarante Joe E. Brown. En nuestro país, Sugar Kane fue interpretada en las tablas por Susana Giménez, Griselda Siciliani y actualmente por Laura Fernández.


El realizador Billy Wilder respecto a Una Eva y dos Adanes, indudablemente una de la grandes comedias del cine y una de las más destacadas de su filmografía, fue una pesadilla para el director y sus protagonistas masculinos, quiénes combatían diariamente con la complejidad caprichosa de Marilyn, una mujer que podía enamorar a la cámara, pero que al mismo tiempo se sentía amenazada por ésta, y quién se recluía por miedo a equivocarse en sus parlamentos.
Una Eva y dos Adanes se cristaliza en ésa inolvidable línea de diálogo final concebida por su colega Diamond. El "nadie es perfecto" que lanza Osgood en el último plano nos está hablando de los personajes de Wilder, quiénes nunca terminan siendo lo que aparentan en la superficie ("nadie es tan bueno ni tan malo", aseveraba el cineasta) y quiénes enmarcados por ése espíritu de vodevil, propulsan tramas complejas que ocasionalmente se malinterpret(ab)an como simplistas. "Miss Monroe era informal, tenía que aparecer a las nueve en punto de la mañana y no llegaba hasta las cinco de la tarde. Llegaba y decía: "lo siento, me perdí cuándo venía al estudio". Pero cada vez que la veía, le perdonaba todo", subrayó el director, quién llegó a recurrir a métodos impensados para destrabar a una actriz atormentada, quién también se encontraba batallando con problemas personales, fruto de su matrimonio con el dramaturgo Arthur Miller.



Por otro lado, la actriz se encerraba en su camarín mientras Lemmon y Curtis la esperaban con los tacos puestos, para sobrevivir a una jornada de 59 tomas de una misma escena, a Marilyn también le costaba enunciar la pregunta "¿Dónde está el Bourbon?", para después continuar con ése mismo ciclo indefinidamente. "Ella tenía miedo de salir a filmar, le costaba enfrentarse con la cámara, creo que haber sido una estrella tan grande la terminó convirtiendo en una reclusa; en el fondo era infeliz, porque la habían lastimado mucho y le costaba confiar en los demás", contó Lemmon en una entrevista televisiva, en la que comparó a Marilyn con Marlon Brando, dos figuras que no podían poner un pie en la calle sin toparse con el asedio.

 

"Yo la quería mucho y nos llevábamos bien, pero nos enloquecía a los tres. Siempre pasaba lo mismo: llegaba tarde y, cuando se animaba a salir, de repente se arrepentía y nos insultaba. No había manera de hacerla volver al set. También tomaba vino, lo cual no ayudaba". Ése "toque Monroe" atraviesa todo el film. Sin embargo, una vez concluida la filmación, el comportamiento de Marilyn se había vuelto tan errático que decidieron no invitarla a la fiesta de fin de rodaje.


A 58 años del rodaje de ésta emblemática comedia, se puede ratificar una vez más la importancia de que, haya tenido a un capitán tan extraordinario como Wilder. El cineasta sorteó los problemas de Marilyn y el consecuente enojo del elenco, porque tenía un don para sacar sus películas adelante.
El vínculo entre Curtis y Monroe también fue un factor clave en la filmación de la comedia de Wilder. El propio Lemmon reconoció que tanto él como el director sabían manejar los vaivenes de la actriz con sus correspondientes mecanismos (él no dejaba que lo afecte, y Billy terminaba la jornada refugiado en la contención de su esposa), pero que con Curtis el panorama era muy distinto.


Según escribió Tony en sus memorias, él habría mantenido una relación amorosa con Marilyn antes del rodaje, y la actriz habría quedado embarazada. Según Curtis, Monroe se encerró en su camarín, y pidió que tanto él como su marido Miller entraran para hablar con ella. ¿El motivo? Comunicarles sus dudas respecto a quién era el verdadero padre del hijo que lamentablemente terminó perdiendo.
"Yo estaba aturdido. Simplemente me quedé ahí petrificado". Se hizo un silencio en la habitación y podía oír el ruido de las ruedas de los coches chirriando en el boulevard de Santa Mónica. "Acaba la película y sal de nuestras vidas", me dijo Miller. Lo miré un momento, y entonces la miré a ella. Estaba llorando. "Dale", dije, "eso lo puedo hacer". Me di la vuelta y me marché. "Me fui a mi camarín, cerré la puerta y la cerré con llave", detalló el actor, quién por entonces estaba casado con Janet Leigh en ése momento, embarazada de la hija de ambos, Jamie Lee Curtis.
El testimonio de Curtis, sin embargo, se contradice con el de Miller, quién dijo que "no había posibilidad" de que todo éso fuera cierto. Tres años después de la conclusión del rodaje, el 5 de agosto de 1962, Marilyn moría a los 36 años por una sobredosis de barbitúricos.
A diferencia de Wilder y Lemmon, el rodaje de Una Eva y dos Adanes no fue recordado por Curtis con la misma capacidad reflexiva de hecho, en una entrevista comparó la escena del besar a Marilyn con "besar a Hitler", para luego excusarse por la analogía.

Por: Milagros Amondaray de La Nación
Sínesis por e1000

viernes, 4 de mayo de 2018

La tragedia de envenenarse comiendo ...en el "Viaje a los pueblos fumigados"



El film sobrecoge por sus revelaciones de tal manera que será una película con mayor repercusión mediática y de impacto al espectador, cuándo en Argentina el cultivo agrícola produce alimentos tóxicos peligrosos por el uso de insecticidas agro tóxicos que producen enfermedades y hasta malformaciones genéticas hereditarias que matan a los consumidores de alimentos.


Éste modelo agrícola transgénico revela hasta que punto fue considerada la Argentina como el granero del mundo al tener suelo de pastura natural para producir granos y carnes, sean ahora transformados por agentes químicos en agrotóxicos exponiendo lo que consumimos diariamente. Ante ello el film denuncia para poner en foco la dimensión de riesgo a la salud avasallada y al desplegarse en toda su geografía, concretando un documento testimonial.


Como sucede en los viajes de exploración en éste caso "Viaje a los pueblos fumigados", documenta una serie de hechos en siete provincias argentinas, resultando una experiencia inédita e imprevista con los acontecimientos surgidos por la casualidad que el destino convocó descubriendo al andar, sorprendió. Muchas fueron las revelaciones que surgieron de maestras, chacareros, pobladores, ingenieros, productores, investigadores, médicos y funcionarios, para lograr hacer una síntesis que conformara un real testimonio que comenzó en 2005, expresó su director Pino Solanas.


El relato de los hechos por el mismo Pino es didáctico para hacer concientizar que la gente pasa mal su existencia por sus escasos recursos, no les permite tratar su enfermedad, demostrando que "la dignidad es de los nadie", para remediarlo.
Solanas vuelve a reiterar como otras veces en sus films; La Nube, Tangos, El exilio de Gardel,  Memoria del Saqueo, Argentina Latente, La guerra del fracking y Tierra Sublevada, los pormenores de importantes conflictos reiterados y reforzando el mensaje sin solución.
El film es recomendable para difundir y tomar conciencia real de lo que nos toca vivir sin protección, llevado solo por los intereses comerciales de las multinacionales. Sea válido ésto a modo de denuncia de la injusticia que no toma conciencia en cuenta.

 

sábado, 9 de diciembre de 2017

El héroe de Espartaco, Kirk Douglas cumple 101 años

El actor, una de las últimas leyendas de la era clásica de Hollywood, lo celebrará en familia; trás recuperarse de un derrame cerebral en 1996 continuó actuando y afirma que aún no está retirado


El actor, una de las últimas leyendas de la era clásica de Hollywood, lo celebrará en familia; trás recuperarse de un derrame cerebral en 1996 continuó actuando y afirma que aún no está retirado.
VIERNES 08 DE DICIEMBRE DE 2017 • 11:51
Poco ante de su cumpleaños, Kirk Douglas acudía acompañado de su familia a una gala en Los Angeles. Su nuera, Catherine Zeta-Jones, colgó a mediados de noviembre en Instagram algunas instantáneas del encanecido héroe de Espartaco, comentando lo "hermoso" que era pasar una tarde tan importante en familia.
La gala rendía tributo al compromiso benéfico de los Douglas, que llevan décadas realizando donaciones para ayudar a las personas sin hogar de la ciudad. Junto a Douglas, que mañana cumplirá nada menos que 101 años, también estaba su casi centenaria mujer Anne, con la que está casado desde 1954.


El patriarca familiar hace tiempo que decidió frenar un poco el ritmo y cada vez resulta más difícil verlo en actos públicos. El año pasado, la familia había celebrado el centenario del nacimiento de Douglas con una fiesta en Beverly Hills a la que acudieron, entre otros, grandes nombres de Hollywood como Steven Spielberg, el productor Arthur Cohn o el cineasta Jeff Kanew, a cuyas órdenes trabajó junto a Burt Lancaster en la comedia "Dos tipos duros". Su nieto, Dylan Douglas, colgó después un video en Instagram en el que podía verse a su famoso abuelo bailando y moviéndose de un lado a otro enfundado en ropa deportiva. "Juro que no está loco", escribió el joven Douglas junto a una cariñosa felicitación de cumpleaños. Sin embargo, pese a esa vitalidad el ya centenario Douglas sigue resintiéndose del derrame cerebral que sufrió en 1996. Trás ello, pasó por una difícil recuperación que le obligó, entre otros, a volver a aprender a hablar, como relató en 2002 en su octavo libro, "My Stroke of Luck". Este año salió a la venta su duodécima publicación, basada en las cartas de amor que escribió a su mujer Anne, con quién se casó en 1954.
A la hora de escribir Kirk Douglas, no se muerde la lengua ni oculta sus convicciones liberales. En su blog en The Huffington Post, éste actor con su característico hoyuelo en la barbilla advertía a mediados de septiembre de 2016 de las consecuencias que tendría para el país una eventual victoria de Donald Trump. En su artículo citaba uno de los discursos de campaña del entonces candidato republicano contra la población inmigrante. "Estos no son los valores americanos que luchamos por proteger durante la Segunda Guerra Mundial", afirmó Douglas.
Según la estrella de Hollywood, jamás había sentido tanto pánico ante un candidato a la Casa Blanca. Él mismo tenía 16 años cuando en la Alemania de 1933 llegó al poder un hombre al que antes nadie había mencionado. "Lo consideraron un payaso que jamás podría engañar a un pueblo culto y civilizado con sus discursos nacionalistas y llenos de odio", añadió éste hijo de inmigrantes judíos rusos. Douglas sostenía que siempre se había sentido orgulloso de ser estadounidense y, en el tiempo que aún le queda por vivir, rezaría para que ésto no cambiara.


Kirk Douglas, cuando fue premiado a poco de cumplir 100 años. El veterano actor no tuvo unos comienzos fáciles. Nacido como Issur Danielovich Demsky, se crió junto a seis hermanas en un barrio humilde de la ciudad industrial de Ámsterdam, en el estado de Nueva York. Empezó con trabajos de portero y luchador en mercados, con los que financiaba sus estudios para poder entrar lo antes posible en una academia de interpretación. Trás la guerra, tuvo suerte. Su ex compañera de colegio Lauren Bacall, quién ya había conseguido pequeños papeles para Douglas en Broadway, lo recomendó a sus jefes en Hollywood. Y así fue como debutó en la piel del marido alcohólico de Barbara Stanwyck en 1946 con "El extraño amor de Martha Ivers".


Fue tan convincente que pronto siguieron nuevos papeles protagónicos, como en "Siempre amanece otra vez". En total, Douglas ha participado en más de 80 películas, a menudo a las órdenes de grandes directores como Billy Wilder, Howard Hawks, Otto Preminger y Elia Kazan. Sólo junto a su amigo y compañero Burt Lancaster compartió cartel en siete ocasiones, empezando por el drama "Al volver a la vida" hasta la irónica comedia "Dos tipos duros". Spartacus / Espartaco (1960) dirigida por Stanley Kubrick.


En sus películas, Douglas mostró una predilección por los papeles de villano o de héroe sucio y atrevido. En tres ocasiones fue nominado al Oscar: por su papel de ambicioso boxeador en "El triunfador", como poderoso productor sin escrúpulos en "Cautivos del mal" y por su emotivo retrato del pintor Van Gogh en "Sed de vivir".


Finalmente, en 1966 la Academia le entregó el Oscar honorífico. Al igual que muchos de sus héroes, Douglas nunca se amedrentó ante la presión de arriba, hasta que finalmente se convirtió en su propio jefe creando su propia productora. La bautizó con el nombre de su madre, de origen ucraniano, Bryna.
Para Espartaco, dirigida por Stanley Kubrick, contrató a Dalton Trumbo como guionista, aunque éste figuraba en la lista negra de los estudios de Hollywood por sus simpatías comunistas . Para él se reservó el papel del legendario líder de esclavos en esta carísima epopeya histórica.
Junto a su hijo Michael, ganador de dos Oscar por "Wall Street" y "Atrapado sin salida", Douglas compartió rodaje por primera vez en la comedia autobiográfica "Herencia de familia" (2003).


Su difícil relación de antaño -Michael a la sombra de su famoso padre- había mejorado tiempo atrás y en el filme también participó su ex mujer Diana Douglas (1923-2015). La pareja se separó cuando Joel y Michael aún eran niños y Douglas tuvo más tarde otros dos hijos con Anne. El menor, Eric Douglas, falleció en 2004 por sobredosis de alcohol y medicamentos.
La Nación/Agencia DPA

sábado, 21 de octubre de 2017

"Amo a Vincent"



Primer largometraje compuesto por pinturas animadas, "Loving Vincent" es un film que homenajea el trabajo de los grandes maestros de las artes plásticas, Vincent Van Gogh.
Cada fotograma es un cuadro pintado a mano sobre óleo - tal y como el propio Vincent lo hubiera hecho – al que se le ha dado movimiento.
Participaron una gran cantidad de excelentes pintores a lo largo de varios años, todos inspirándose en el estilo y arte magistral de Van Gogh. El resultado es una impresionante película de animación que repasa la carrera del pintor con delicadeza y originalidad, y que llevó cinco años de trabajo.
Dirección: Dorota Kobiela, Hugh Welchman
Guión: Jacek Dehnel, Dorota Kobiela, Hugh Welchman
Música: Clint Mansell
Dirección de Fotografía: Tristan Oliver, Lukasz Zal
Edición: Dorota Kobiela, Justyna Wierszynska
Diseño de Producción: Matthew Button
Dirección de Arte: Daniela Faggio
 Diseño de Vestuario: Dorota Roqueplo
Productores Ejecutivos: Claudia Bluemhuber, Ian Hutchinson, Edward Noeltner, David Parfitt, Gerd Schepers, Charlotte Ubben, Laurie Ubben Producción: Sean M. Bobbitt, Ivan Mactaggart, Hugh Welchman Compañías productoras: Odra Film, Centrum Technologii Audiowizualnych, BreakThru Productions, Silver Reel, Trademark Films
Género: Biopic
País: Reino Unido


“Loving Vincent”, además de presentar la faceta más íntima del pintor holandés Vincent van Gogh, indaga sobre su misteriosa muerte, basándose en 800 cartas escritas por él y enviadas a amigos y parientes, que reflejan su turbulenta vida llena de frustraciones, desamores y penurias económicas.
Co-dirigida por la pintora Dorota Kobiela y el director Hugh Welchman, la película contó con una realización y producción excepcional. Sus primeras escenas fueron filmadas en un estudio con actores reales, y luego insertadas en los cuadros más famosos de Van Gogh.


El arte de su animación han sido realizadas por más de 100 artistas que pusieron su esmero pintando a mano 120 obras icónicas para crear una realidad expresionista jamás única. Estos pintores de todo el mundo asistieron a cursos intensivos para aprender a utilizar la aplicación Painting Animation Work Station y llegaron a los estudios de Danzica y Wroclaw en Polonia donde por 5 años estuvieron pintando cuidadosamente, óleo sobre tela, cada uno de los 62.450 fotogramas que componen el film adaptadas a las obras de Van Gogh.


La película cuenta con las voces de Aidan Turner, Saoirse Ronan, Eleanor Tomlinson, Helen McCrory, Chris O'Dowd y Douglas Booth y su banda sonora está compuesta por Clint Mansell, responsable de la música de películas como "Requiem por un sueño" ('Requiem for a Dream', de Darren Aronofsky, 2000) o "El Cisne Negro" ("Black Swan", también de Aronofsky, 2010).
La ambientación de cada escena también se inspiran en las obras más famosas de Van Gogh, y así toma vida "El dormitorio en Arlés" (1888), "La noche estrellada" (1989) y "Campo de trigo con cuervos" (1890), para citar algunos.
En 1990 el director Akira Kurosawa dirigió Yume (Sueños), una película que se divide en ocho segmentos correspondientes a ocho sueños del propio director. La película cuenta la vida de Kurosawa y algunos episodios que representan varias épocas de la misma, desde la infancia hasta su muerte.
El episodio número cinco, titulado “Cuervos”, es una verdadera declaración de amor a Vincent van Gogh, al que Kurosawa consideraba el más japonés entre los pintores occidentales. 

SOBRE LOS DIRECTORES
Dorota Kobiela se graduó de la Academia de Finas Artes de Varsovia y fue nombrada como Embajadora de la Cultura dentro de su escuela por sus logros en pintura y gráfica por cuatro años consecutivos. A través de sus compañeros, descubrió la animación y el cine, disciplinas que inmediatamente quiso aprender en la Facultad de Dirección de la Escuela de Cine de Varsovia. Kobiela dirigió el corto “The Hart in Hand” (2006) y cinco cortos animados en 2004, 2005 y 2011.
El último de ellos titulado en inglés como “Little Postman” fue el primer film en el mundo en contar con Pintura Animada Estereoscópica y ganó el premio como Mejor Cortometraje Estereoscópico en el Festival de Cine 3D de Los Ángeles, el Stereo Media 3D de Bélgica; y el de Cine 3D y Música de Barcelona. “Loving Vincent” es su ópera prima.
 Hugh Welchman es conocido por su trabajo en “Slipp Jimmy fri” (2006), “Pedro y el lobo” (2006) y “La vie en rose” (2007). Se graduó de la Escuela Nacional de Cine y Televisión. Su película de fin de curso ganó el premio Cinefoundation del Festival de Cannes. Es Fundador y CEO de BreakThru Films (productora de “Loving Vincent”) con más de cuatro años de experiencia como productor.
Además, recientemente inauguró la empresa Small Screen Entertainment Ltd., que produce series animadas para teléfonos móviles.

lunes, 2 de octubre de 2017

"Un minuto de Gloria" con dignidad



Título original; Slava (Glory) "Un minuto de Gloria" 
Director; Kristina Grozeva, Petar Valchanov Guión; Kristina Grozeva, Petar Valchanov, Decho Taralezhkov
Elenco; Stefan Denolyubov, Margita Gosheva, Milko Lazarov, Kitodar Todorov.
Productora; Abraxas Film, Graal S.A., Screening Emotions, Aporia Filmworks País; Bulgaria/Grecia 2016, duración 101 minutos, Distribuidora Mirada Distribution.


Después de la opera prima "La Lección" de Kristina Grozeva y Petar Valchanov, ofreciendo una lección de honestidad, insiste con "Un minuto de Gloria" segundo film que plantea cuándo Tsanko Petrov, (Stefan Denolyubov), un hombre pobre de mediana edad que lleva 25 años trabajando para empresa ferroviaria nacional y que pasa sus días ajustando los tornillos de los rieles, hasta que un día encuentra un millón de levas desparramados en las vías del tren.
Aunque pobre y lleva dos meses sin recibir su pequeño salario, su honestidad decide avisar a la policía a venir a levantar el dinero. Agradecido por su acto el estado le recompensa retirando su antiguo reloj de pulsera por un nuevo reloj digital pero… que al poco tiempo no funciona.
Es el punto de partida mientras tanto, Julia Staikova, jefa de relaciones públicas del Ministerio de Transporte, cuya cartera acaba de verse salpicada por un escándalo de corrupción en los medios, se aprovecha de las buenas intenciones de Petrov y lo convierte, con propósitos de marketing en un héroe, al organizar un evento mediático para regalarle un reloj digital de pulsera para la ocasión, que en poco tiempo deja de funcionar, y aquí Tzanko comienza su calvario al ser manoseado tanto por el ministerio como por los periodistas contrarios a él, incluso poniéndole en contra de sus compañeros de trabajo, quiénes lo acusan de robar al ferrocarril. La lucha desesperada de Petrov es para que le devuelvan no sólo su viejo reloj, sino también su dignidad.


"No hay espacio para la inocencia en Bulgaria", apuntan ambos films de Grozeva y Valchanov desde un guión minuciosamente calculado al permitir leer con claridad sus metáforas. "Glory"la marca del reloj cambia los roles: Gosheva encarna la figura opresora, Julia Staikova, directora de imagen del ministerio de transportes, decidida a proteger la reputación de la institución a toda costa".
En la escena en que arrebata el reloj de Petrov, no puede retomar su vida anterior acostumbrado en su rutina a darle cuerda y ponerlo en hora todos los días antes de salir a trabajar por la mañana. Es su costumbre un símbolo que representa su sentido de orden, la tradición y su honestidad y un recuerdo que lleva grabado de su padre de forma personal.
El ministerio le regala un reloj nuevo frente a las cámaras, Staikova sin saberlo inicia una serie de acontecimientos que mostrarán lo diferente que es su mundo corrupto con respecto al de Petrov tan sencillo.
"Un minuto de Gloria" expresa la distancia existente entre autoridades deshonestas y funcionarios afectados por la soberbia.
La llave inglesa de Petrov con la que trabaja lleva un cuarto de siglo evitando accidentes; en cambio el ministerio sólo se preocupa por las acusaciones de corrupción , que lanza el periodista de investigación Kiril Kolev (el actor y director Milko Lazarov).
El ministro ignora la insistencia de Petrov, quién afirma saber porqué la empresa pública está perdiendo tanto dinero: se trata de dos mundos entre los que no cabe comunicación posible.
El film es una joya de arte cinematográfico con un guión que analiza una trama secundaria inspirada en un hecho real sobrecargado, en la que Staikova debe pasar por un sinfín de vicisitudes médicas para poder tener un hijo por inseminación con su marido Valeri (Kitodar Todorov), donde emplea la tecnología como una forma de subrayar las diferencias entre ambos mundos: Petrov se muestra feliz acariciando sus conejos en su pequeño patio interior, mientras que Staikova y los suyos se rodean de alta tecnología y se muestran como los maestros de lo superficial, de una forma tan amoral como insustancial.
La incapacidad para comunicarse con el hablar de Tzanko ofrece un valor mayor a la película, puesto que provoca una empatía intensa con el pobre hombre, donde todos nos vemos acongojados por su desgracia.
El film es una tragicomedia, lúcida y sagaz en forma de sátira con tintes de comedia negra que en algún momento provoca en igual medida risas, indignación y tristeza cuándo su protagonista es ridiculizado para convertirse en víctima de un sistema político corrupto.
"Una premisa moral tan sencilla de profunda reflección, motiva a la dignidad".