sábado, 9 de diciembre de 2017

El héroe de Espartaco, Kirk Douglas cumple 101 años

El actor, una de las últimas leyendas de la era clásica de Hollywood, lo celebrará en familia; trás recuperarse de un derrame cerebral en 1996 continuó actuando y afirma que aún no está retirado


El actor, una de las últimas leyendas de la era clásica de Hollywood, lo celebrará en familia; trás recuperarse de un derrame cerebral en 1996 continuó actuando y afirma que aún no está retirado.
VIERNES 08 DE DICIEMBRE DE 2017 • 11:51
Poco ante de su cumpleaños, Kirk Douglas acudía acompañado de su familia a una gala en Los Angeles. Su nuera, Catherine Zeta-Jones, colgó a mediados de noviembre en Instagram algunas instantáneas del encanecido héroe de Espartaco, comentando lo "hermoso" que era pasar una tarde tan importante en familia.
La gala rendía tributo al compromiso benéfico de los Douglas, que llevan décadas realizando donaciones para ayudar a las personas sin hogar de la ciudad. Junto a Douglas, que mañana cumplirá nada menos que 101 años, también estaba su casi centenaria mujer Anne, con la que está casado desde 1954.


El patriarca familiar hace tiempo que decidió frenar un poco el ritmo y cada vez resulta más difícil verlo en actos públicos. El año pasado, la familia había celebrado el centenario del nacimiento de Douglas con una fiesta en Beverly Hills a la que acudieron, entre otros, grandes nombres de Hollywood como Steven Spielberg, el productor Arthur Cohn o el cineasta Jeff Kanew, a cuyas órdenes trabajó junto a Burt Lancaster en la comedia "Dos tipos duros". Su nieto, Dylan Douglas, colgó después un video en Instagram en el que podía verse a su famoso abuelo bailando y moviéndose de un lado a otro enfundado en ropa deportiva. "Juro que no está loco", escribió el joven Douglas junto a una cariñosa felicitación de cumpleaños. Sin embargo, pese a esa vitalidad el ya centenario Douglas sigue resintiéndose del derrame cerebral que sufrió en 1996. Trás ello, pasó por una difícil recuperación que le obligó, entre otros, a volver a aprender a hablar, como relató en 2002 en su octavo libro, "My Stroke of Luck". Este año salió a la venta su duodécima publicación, basada en las cartas de amor que escribió a su mujer Anne, con quién se casó en 1954.
A la hora de escribir Kirk Douglas, no se muerde la lengua ni oculta sus convicciones liberales. En su blog en The Huffington Post, éste actor con su característico hoyuelo en la barbilla advertía a mediados de septiembre de 2016 de las consecuencias que tendría para el país una eventual victoria de Donald Trump. En su artículo citaba uno de los discursos de campaña del entonces candidato republicano contra la población inmigrante. "Estos no son los valores americanos que luchamos por proteger durante la Segunda Guerra Mundial", afirmó Douglas.
Según la estrella de Hollywood, jamás había sentido tanto pánico ante un candidato a la Casa Blanca. Él mismo tenía 16 años cuando en la Alemania de 1933 llegó al poder un hombre al que antes nadie había mencionado. "Lo consideraron un payaso que jamás podría engañar a un pueblo culto y civilizado con sus discursos nacionalistas y llenos de odio", añadió éste hijo de inmigrantes judíos rusos. Douglas sostenía que siempre se había sentido orgulloso de ser estadounidense y, en el tiempo que aún le queda por vivir, rezaría para que ésto no cambiara.


Kirk Douglas, cuando fue premiado a poco de cumplir 100 años. El veterano actor no tuvo unos comienzos fáciles. Nacido como Issur Danielovich Demsky, se crió junto a seis hermanas en un barrio humilde de la ciudad industrial de Ámsterdam, en el estado de Nueva York. Empezó con trabajos de portero y luchador en mercados, con los que financiaba sus estudios para poder entrar lo antes posible en una academia de interpretación. Trás la guerra, tuvo suerte. Su ex compañera de colegio Lauren Bacall, quién ya había conseguido pequeños papeles para Douglas en Broadway, lo recomendó a sus jefes en Hollywood. Y así fue como debutó en la piel del marido alcohólico de Barbara Stanwyck en 1946 con "El extraño amor de Martha Ivers".


Fue tan convincente que pronto siguieron nuevos papeles protagónicos, como en "Siempre amanece otra vez". En total, Douglas ha participado en más de 80 películas, a menudo a las órdenes de grandes directores como Billy Wilder, Howard Hawks, Otto Preminger y Elia Kazan. Sólo junto a su amigo y compañero Burt Lancaster compartió cartel en siete ocasiones, empezando por el drama "Al volver a la vida" hasta la irónica comedia "Dos tipos duros". Spartacus / Espartaco (1960) dirigida por Stanley Kubrick.


En sus películas, Douglas mostró una predilección por los papeles de villano o de héroe sucio y atrevido. En tres ocasiones fue nominado al Oscar: por su papel de ambicioso boxeador en "El triunfador", como poderoso productor sin escrúpulos en "Cautivos del mal" y por su emotivo retrato del pintor Van Gogh en "Sed de vivir".


Finalmente, en 1966 la Academia le entregó el Oscar honorífico. Al igual que muchos de sus héroes, Douglas nunca se amedrentó ante la presión de arriba, hasta que finalmente se convirtió en su propio jefe creando su propia productora. La bautizó con el nombre de su madre, de origen ucraniano, Bryna.
Para Espartaco, dirigida por Stanley Kubrick, contrató a Dalton Trumbo como guionista, aunque éste figuraba en la lista negra de los estudios de Hollywood por sus simpatías comunistas . Para él se reservó el papel del legendario líder de esclavos en esta carísima epopeya histórica.
Junto a su hijo Michael, ganador de dos Oscar por "Wall Street" y "Atrapado sin salida", Douglas compartió rodaje por primera vez en la comedia autobiográfica "Herencia de familia" (2003).


Su difícil relación de antaño -Michael a la sombra de su famoso padre- había mejorado tiempo atrás y en el filme también participó su ex mujer Diana Douglas (1923-2015). La pareja se separó cuando Joel y Michael aún eran niños y Douglas tuvo más tarde otros dos hijos con Anne. El menor, Eric Douglas, falleció en 2004 por sobredosis de alcohol y medicamentos.
La Nación/Agencia DPA

sábado, 21 de octubre de 2017

"Amo a Vincent"



Primer largometraje compuesto por pinturas animadas, "Loving Vincent" es un film que homenajea el trabajo de los grandes maestros de las artes plásticas, Vincent Van Gogh.
Cada fotograma es un cuadro pintado a mano sobre óleo - tal y como el propio Vincent lo hubiera hecho – al que se le ha dado movimiento.
Participaron una gran cantidad de excelentes pintores a lo largo de varios años, todos inspirándose en el estilo y arte magistral de Van Gogh. El resultado es una impresionante película de animación que repasa la carrera del pintor con delicadeza y originalidad, y que llevó cinco años de trabajo.
Dirección: Dorota Kobiela, Hugh Welchman
Guión: Jacek Dehnel, Dorota Kobiela, Hugh Welchman
Música: Clint Mansell
Dirección de Fotografía: Tristan Oliver, Lukasz Zal
Edición: Dorota Kobiela, Justyna Wierszynska
Diseño de Producción: Matthew Button
Dirección de Arte: Daniela Faggio
 Diseño de Vestuario: Dorota Roqueplo
Productores Ejecutivos: Claudia Bluemhuber, Ian Hutchinson, Edward Noeltner, David Parfitt, Gerd Schepers, Charlotte Ubben, Laurie Ubben Producción: Sean M. Bobbitt, Ivan Mactaggart, Hugh Welchman Compañías productoras: Odra Film, Centrum Technologii Audiowizualnych, BreakThru Productions, Silver Reel, Trademark Films
Género: Biopic
País: Reino Unido


“Loving Vincent”, además de presentar la faceta más íntima del pintor holandés Vincent van Gogh, indaga sobre su misteriosa muerte, basándose en 800 cartas escritas por él y enviadas a amigos y parientes, que reflejan su turbulenta vida llena de frustraciones, desamores y penurias económicas.
Co-dirigida por la pintora Dorota Kobiela y el director Hugh Welchman, la película contó con una realización y producción excepcional. Sus primeras escenas fueron filmadas en un estudio con actores reales, y luego insertadas en los cuadros más famosos de Van Gogh.


El arte de su animación han sido realizadas por más de 100 artistas que pusieron su esmero pintando a mano 120 obras icónicas para crear una realidad expresionista jamás única. Estos pintores de todo el mundo asistieron a cursos intensivos para aprender a utilizar la aplicación Painting Animation Work Station y llegaron a los estudios de Danzica y Wroclaw en Polonia donde por 5 años estuvieron pintando cuidadosamente, óleo sobre tela, cada uno de los 62.450 fotogramas que componen el film adaptadas a las obras de Van Gogh.


La película cuenta con las voces de Aidan Turner, Saoirse Ronan, Eleanor Tomlinson, Helen McCrory, Chris O'Dowd y Douglas Booth y su banda sonora está compuesta por Clint Mansell, responsable de la música de películas como "Requiem por un sueño" ('Requiem for a Dream', de Darren Aronofsky, 2000) o "El Cisne Negro" ("Black Swan", también de Aronofsky, 2010).
La ambientación de cada escena también se inspiran en las obras más famosas de Van Gogh, y así toma vida "El dormitorio en Arlés" (1888), "La noche estrellada" (1989) y "Campo de trigo con cuervos" (1890), para citar algunos.
En 1990 el director Akira Kurosawa dirigió Yume (Sueños), una película que se divide en ocho segmentos correspondientes a ocho sueños del propio director. La película cuenta la vida de Kurosawa y algunos episodios que representan varias épocas de la misma, desde la infancia hasta su muerte.
El episodio número cinco, titulado “Cuervos”, es una verdadera declaración de amor a Vincent van Gogh, al que Kurosawa consideraba el más japonés entre los pintores occidentales. 

SOBRE LOS DIRECTORES
Dorota Kobiela se graduó de la Academia de Finas Artes de Varsovia y fue nombrada como Embajadora de la Cultura dentro de su escuela por sus logros en pintura y gráfica por cuatro años consecutivos. A través de sus compañeros, descubrió la animación y el cine, disciplinas que inmediatamente quiso aprender en la Facultad de Dirección de la Escuela de Cine de Varsovia. Kobiela dirigió el corto “The Hart in Hand” (2006) y cinco cortos animados en 2004, 2005 y 2011.
El último de ellos titulado en inglés como “Little Postman” fue el primer film en el mundo en contar con Pintura Animada Estereoscópica y ganó el premio como Mejor Cortometraje Estereoscópico en el Festival de Cine 3D de Los Ángeles, el Stereo Media 3D de Bélgica; y el de Cine 3D y Música de Barcelona. “Loving Vincent” es su ópera prima.
 Hugh Welchman es conocido por su trabajo en “Slipp Jimmy fri” (2006), “Pedro y el lobo” (2006) y “La vie en rose” (2007). Se graduó de la Escuela Nacional de Cine y Televisión. Su película de fin de curso ganó el premio Cinefoundation del Festival de Cannes. Es Fundador y CEO de BreakThru Films (productora de “Loving Vincent”) con más de cuatro años de experiencia como productor.
Además, recientemente inauguró la empresa Small Screen Entertainment Ltd., que produce series animadas para teléfonos móviles.

lunes, 2 de octubre de 2017

"Un minuto de Gloria" con dignidad



Título original; Slava (Glory) "Un minuto de Gloria" 
Director; Kristina Grozeva, Petar Valchanov Guión; Kristina Grozeva, Petar Valchanov, Decho Taralezhkov
Elenco; Stefan Denolyubov, Margita Gosheva, Milko Lazarov, Kitodar Todorov.
Productora; Abraxas Film, Graal S.A., Screening Emotions, Aporia Filmworks País; Bulgaria/Grecia 2016, duración 101 minutos, Distribuidora Mirada Distribution.


Después de la opera prima "La Lección" de Kristina Grozeva y Petar Valchanov, ofreciendo una lección de honestidad, insiste con "Un minuto de Gloria" segundo film que plantea cuándo Tsanko Petrov, (Stefan Denolyubov), un hombre pobre de mediana edad que lleva 25 años trabajando para empresa ferroviaria nacional y que pasa sus días ajustando los tornillos de los rieles, hasta que un día encuentra un millón de levas desparramados en las vías del tren.
Aunque pobre y lleva dos meses sin recibir su pequeño salario, su honestidad decide avisar a la policía a venir a levantar el dinero. Agradecido por su acto el estado le recompensa retirando su antiguo reloj de pulsera por un nuevo reloj digital pero… que al poco tiempo no funciona.
Es el punto de partida mientras tanto, Julia Staikova, jefa de relaciones públicas del Ministerio de Transporte, cuya cartera acaba de verse salpicada por un escándalo de corrupción en los medios, se aprovecha de las buenas intenciones de Petrov y lo convierte, con propósitos de marketing en un héroe, al organizar un evento mediático para regalarle un reloj digital de pulsera para la ocasión, que en poco tiempo deja de funcionar, y aquí Tzanko comienza su calvario al ser manoseado tanto por el ministerio como por los periodistas contrarios a él, incluso poniéndole en contra de sus compañeros de trabajo, quiénes lo acusan de robar al ferrocarril. La lucha desesperada de Petrov es para que le devuelvan no sólo su viejo reloj, sino también su dignidad.


"No hay espacio para la inocencia en Bulgaria", apuntan ambos films de Grozeva y Valchanov desde un guión minuciosamente calculado al permitir leer con claridad sus metáforas. "Glory"la marca del reloj cambia los roles: Gosheva encarna la figura opresora, Julia Staikova, directora de imagen del ministerio de transportes, decidida a proteger la reputación de la institución a toda costa".
En la escena en que arrebata el reloj de Petrov, no puede retomar su vida anterior acostumbrado en su rutina a darle cuerda y ponerlo en hora todos los días antes de salir a trabajar por la mañana. Es su costumbre un símbolo que representa su sentido de orden, la tradición y su honestidad y un recuerdo que lleva grabado de su padre de forma personal.
El ministerio le regala un reloj nuevo frente a las cámaras, Staikova sin saberlo inicia una serie de acontecimientos que mostrarán lo diferente que es su mundo corrupto con respecto al de Petrov tan sencillo.
"Un minuto de Gloria" expresa la distancia existente entre autoridades deshonestas y funcionarios afectados por la soberbia.
La llave inglesa de Petrov con la que trabaja lleva un cuarto de siglo evitando accidentes; en cambio el ministerio sólo se preocupa por las acusaciones de corrupción , que lanza el periodista de investigación Kiril Kolev (el actor y director Milko Lazarov).
El ministro ignora la insistencia de Petrov, quién afirma saber porqué la empresa pública está perdiendo tanto dinero: se trata de dos mundos entre los que no cabe comunicación posible.
El film es una joya de arte cinematográfico con un guión que analiza una trama secundaria inspirada en un hecho real sobrecargado, en la que Staikova debe pasar por un sinfín de vicisitudes médicas para poder tener un hijo por inseminación con su marido Valeri (Kitodar Todorov), donde emplea la tecnología como una forma de subrayar las diferencias entre ambos mundos: Petrov se muestra feliz acariciando sus conejos en su pequeño patio interior, mientras que Staikova y los suyos se rodean de alta tecnología y se muestran como los maestros de lo superficial, de una forma tan amoral como insustancial.
La incapacidad para comunicarse con el hablar de Tzanko ofrece un valor mayor a la película, puesto que provoca una empatía intensa con el pobre hombre, donde todos nos vemos acongojados por su desgracia.
El film es una tragicomedia, lúcida y sagaz en forma de sátira con tintes de comedia negra que en algún momento provoca en igual medida risas, indignación y tristeza cuándo su protagonista es ridiculizado para convertirse en víctima de un sistema político corrupto.
"Una premisa moral tan sencilla de profunda reflección, motiva a la dignidad".

 

sábado, 23 de septiembre de 2017

MOISÉS y los 10 mandamientos


La historia tiene su punto de partida en Egipto, más precisamente en Pi-Ramsés, hacia el 1300 A.C. En ese momento, un faraón con mucho poder da la orden de que sus guardias asesinen a todos los bebés varones y hebreros. Presos del pánico y desesperados por salvar la vida de su pequeño, Amram y Jocabed toman una drástica decisión: Colocan a su niño en una canasta que dejan a la suerte del río. Y no se equivocaron, porque dicha canasta llegó a las manos de Henutmire, una princesa egipcia que se hace cargo del menor y termina adoptándolo. Ese niño es el protagonista de la serie: Moisés, quien crece como uno más entre los egipcios, al lado de Ramsés y Nefertari. Tanto Moisés como Ramsés se sienten atraídos por Nefertari, quien ostenta una gran belleza. Esto los lleva a enfrentarse irremediablemente.


Al retornar a Egipto, Moisés reencuentra a sus hermanos, Aarón y Miriam, su madre, Jocabed, y su padre Amirán, además de eso, enfrenta quien un día fue para él como un hermano; sin embargo, se tornará en su peor enemigo: Ramsés. Quien habiendo heredado el trono de Egipto, él hará de todo para impedir que Moisés cumpla con su misión. Solamente después de que su tierra sea asolada por las Diez Plagas y la muerte de su primogénito, Ramsés permite que el pueblo finalmente salga de Egipto. Sin embargo, acaba arrepintiéndose y decide perseguirlos a través del desierto.


Es entonces que Dios, en uno de los momentos más grandiosos del Antiguo Testamento, abre el Mar Rojo dejando al pueblo hebreo pasar a pies descalzos a través de él; sin embargo después lo cierra, matando al ejército egipcio que los perseguía. En el desierto, los hebreos pasarán por muchos sufrimientos y desafíos, siempre liderados por Moisés, quien los guiará a lo largo de cuarenta años hasta llegar a la Tierra Prometida.


Durante esta jornada, personajes y tramas paralelas se mezclarán a la historia principal, creando un épico sin precedente, donde el público verá a un pueblo siendo forjado, a una nación siendo preparada, y acompañará la trayectoria de fe y coraje de Moisés y su pueblo.


martes, 19 de septiembre de 2017

"El Veredicto" con votación y debate



Por primera vez el público decidirá el final de la película en el «El veredicto», interesante film para ser exitoso que se proyecta dentro del 17° Festival de Cine alemán en Buenos Aires, los asistentes podrán decidir cuál de los dos finales alternativos, por inocente o culpable se proyecte.
El film plantea un caso límite donde un piloto de la fuerza aérea alemana es llevado a juicio acusado de matar a 164 personas. Sus acciones son consecuencia de su decisión personal de derribar con un misil un avión Allianz Arena de pasajeros con 146 personas a bordo, para evitar un posible ataque terrorista dirigido hacia el estadio de Múnich, con 70.000 personas donde se está jugando un partido entre Alemania y Inglaterra.
El alegato es ¿está bien sacrificar la vida de muchas personas para salvar a otras pocas, o al revés evitando un mal mayor? ¿Cada vida vale lo mismo ó prima la mayoría? y además se cuestiona la moral, los actos, los principios, la inflexión de la ley, la ruptura de reglas, el rol de la Constitución, el poder y la responsabilidad de las autoridades.


La película comienza con el juez avisando al espectador que será jurado para decidir si el piloto acusado es culpable o inocente. Trás los alegatos, los espectadores votarán y se proyectará el final ganador mayoritario.
Un film interactivo y participativo para el espectador suena muy alentador como propuesta. Al margen de ésta atractiva innovación que propone el director Lars Kraume, "El Veredicto" tiene el mérito para destacar; un guión sólido que logra mantener atento del principio al fin las posturas relevantes y precisas (porqué además está la responsabilidad de emitir un juicio al final). Todo el relato transcurre en la sala de un tribunal, donde las discusiones morales del fiscal son convincentes en su acusación, mientras que el abogado defensor es un poco soberbio, la testigo cuyo familiar estuvo en el avión emociona, y el acusado se defiende bien y tiene conducta intachable, pero también presenta opiniones un tanto fuertes y cuestionables, y los personajes harán alarde de su retórica para convencer.
La cámara de Kraume se desplaza muy sobria y precisa envolviéndolo todo, e indagando en la precisión del relato a sus personajes con justa decisión.


Un buen guión argumental sólido en su concepto y con destacados actores alemanes, protagonizado por Florian David Fitz junto a Burghart Klaußner, Martina Gedeck, "El Veredicto" logra la propuesta que se propone el cine tribunalicio al convertirnos en jurado. Así la mayoría elegirá lo que verá en el planteo de la trama en la proyección, y decidirá con su criterio si el protagonista es culpable o inocente; se presentan 2 finales y se proyectará la decisión elegida. El debate es la opción más interesante con el público.
El debate posterior propone una reflexión propia; (por qué tomamos la decisión que tomamos, qué hubiéramos hecho, qué hubiera pasado si…(se podían salvar ésas 164 personas por otra circunstancia, no se hubiera derribado al avión, si los terroristas conseguirían su propósito ..., ó si el piloto tendría un familiar dentro de ése avión, que hubiera optado).

domingo, 6 de agosto de 2017

17° Festival de Cine Alemán



La 17° edición del Festival de Cine Alemán se realizará del 14 al 20 de septiembre en las salas de Recoleta y Caballito de Village Cines.
La programación incluirá 14 películas en pre-estreno junto a las secciones: Next Generation Short Tiger 2017, Documental, El día más hermoso, dirigida por Florian David Fitzdel y Regreso a Montauk, del prestigio director Volker Schlöndorff  y un clásico del cine mudo    musicalizado en vivo.
German Films ha realizado una selección de lo más destacado de la última producción alemana al anunciar la visita del director Simon Verhoeven quién presentará su película:
“Bienvenido a la casa de los Hartmann” (Willkommen bei den Hartmanns). 
Durante años pensar en el cine alemán era remitirse a clásicos como "El ángel azul" o "Metrópolis", luego a nombres del nuevo cine alemán como Fassbinder, Herzog y Wenders o a la hora de los premios anotar "El tambor de hojalata" de Volker Schlöndorff con su Oscar durante años tan dorado como único. Y así fue por varios años más, hasta que el Nuevo cine alemán cambió de década y aparecieron una pléyade de nuevos talentos encabezados por un inteligente film de consumo popular que fue éxito llamado "Good bye Lenin!".
En el presente hace tan sólo doce meses la pasada edición del Festival de Cine Alemán celebraba sus funciones con la presencia de una programación con Toni Erdmann, el último ícono mundial del potente cine alemán contemporáneo que no frenó su carrera hasta la nueva nominación al Oscar para ese país, que ya ostentaba para "En algún lugar de Africa" y "La vida de los otros".


Esta 17° edición del Festival de Cine Alemán es tan sutil como intensa combinación entre renovación y permanencia. Por un lado porque la calidad de la selección convirtió a éste encuentro en mucho más que un festival temático siendo una ventana a una cinematografía que seduce por su nivel. Ya sea desde una comedia con la mítica Senta Berger cuya familia recibe a un refugiado nigeriano en "Bienvenido a la casa de los Hartmann" la más exitosa en Alemania, hasta la mirada plena de ganas de vivir en "El día más hermoso", con Florian David Fitz delante en la búsqueda desesperada de la jornada más feliz en el terreno de la comedia. 


Donde tampoco falta humor negro es en el reencuentro de cinco amigas, "Cinco mujeres", una promisoria opera prima de ficción del director Olaf Kraemer que no puede esconder su fascinación por Hitchcock. Desde el drama también puede indagarse sobre la felicidad, así lo demuestra "El éxtasis de Sven Taddicken" con Martina Gedeck y Ulrich Tukur en éste film que integró la Selección Oficial del Festival de Cine de Karlovy Vary.


 En igual clave cinéfila si usted cree que nadie puede seguir los pasos de Bresson es porque no consiguió entradas para "El camino soñado", una no metafísica pero si ascética película en dos tiempos históricos (el presente y el simbólico 1989), que remite al tratamiento cinematográfico del recordado director francés. A la hora de las firmas reconocibles es inevitable detenerse en "Las flores de antaño" de Chris Kraus (Cuatro minutos); Paula de Christian Schwochow (celebrado por Occidente), "Antes del Alba" de María Schade, y otra presentación de Volker Schlöndorff que vuelve al festival con su último film "Regreso a Montauk" luego de integrar la Selección Oficial de la Berlinale.



viernes, 4 de agosto de 2017

Valerian y la ciudad de los mil planetas


Valerian y la ciudad de los mil planetas llega con los fascinantes cómics espaciales de Pierre Christin y Jean-Claude Mézières desarrollan la ciencia ficción espacial y que desde finales de los años 60 relatan las aventuras galácticas de los agentes espacio-temporales Valerian y Laureline.


Con Dane DeHaan y Cara Delevingne en los papeles protagónicos, en medio de más un despliegue de efectos visuales apabullante en la majestuosidad visual es la auténtica divisa de la experiencia cinematográfica, en actual que motiva el cineasta francés Luc Besson ofrece visitar el enorme universo de Valerian y la ciudad de los mil planetas, su último film en el que Besson busca arrebatar el cetro a James Cameron en campetencia con el grand slam de la ingeniería de ciencia-ficción, porque en alcance y escala, Valerian es una "opera space" tan enormemente ambiciosa como asombrosa para los ojos del espectador”, que se siente trasladado a un nuevo mundo, lleno de paisajes increíbles y sensaciones indescriptibles. (…) pero que contiene aún la cuota de la nostalgia, en un hipotético lugar lleno de tranquilidad y paz que no se sustenta.


Salvando algunos traspiés narrativos y alguna dosis alucinogena que permite sentir el delirio en ésta aventura intergaláctica, se acumularán tantos elogios entusiastas como ataques furibundos contra ésta primera aventura cinematográfica que tendrá su próxima secuela.

domingo, 16 de julio de 2017

La ENTREGA de PREMIOS DAC 2017



En ésta edición 2017 de los Premios DAC los premiados son Alejandro Agresti, Daniel Burman, Rodolfo Hoppe, Juan José Jusid, Inés de Oliveira Cézar, Jorge Montero y Juan Pablo Zaramella.
 El cine, la TV, la ficción, el documental y la animación en la gran noche del día del director Audiovisual.
El 23 de julio es el día Nacional del Director Audiovisual y con ella se conmemora la fundación del DAC –Directores Argentinos Cinematográficos- creada en 1958, hace 59 años entre muchos otros por legendarios y épicos realizadores como Fernando Ayala, Hugo del Carril, Lucas Demare, René Mujica, Leopoldo Torre Nilsson y Mario Soffici. Sus objetivos eran instaurar los derechos del director como autor, unir al cine argentino en medio de una actividad industrial sumida en grave crisis y fortalecerlo institucionalmente. A través del tiempo transcurrido, las distintas generaciones de directores que continuaron ésa labor, lograron convertir en realidad todos aquellos sueños que anhelaban.
Primero con la consolidación del Instituto Nacional de Cine y la Ley 17.741, luego con la conformación del Fondo de Fomento Cinematográfico en 1968; en 1994 con las sustanciales reformas que incorporaron los medios electrónicos a la Ley vigente, y en 2004 con la inclusión del director como beneficiario de la Propiedad Intelectual y por último en 2009 con la designación de DAC como única entidad de gestión argentina que los representa y para todo el mundo en los derechos de director, y como autor de la obra audiovisual original.
Éste año y como siempre desde 2012, el DAC representa en la actualidad los derechos de autor de más de mil directores y directoras de cine y televisión, por lo cuál celebrará una vez más el Día del Director Audiovisual con una gran fiesta anual y por muchos más.

domingo, 11 de junio de 2017

"El Bar" del caos


Dirigida por Álex de la Iglesia 
Géneros: Thriller Suspense, Comedia negra
País: España 2016
Calif.; Buena
El Bar propone una encrucijada la de tener que tomar la decisión de vivir o morir y ante ésto, el miedo va aumentando en todos sus 8 personajes que se encuentran allí, creando una intriga de creciente tensión y angustia claustrofóbica al saber que no pueden salir del lugar, las tensiones se van haciendo más densas donde el miedo se va apoderando de cada uno y comienzan a descubrir como somos, aflorando las mesquindades humanas al límite para salvarse a si mismo y no importarle de los demás.


En ésta ocasión en "El Bar" el director recurre a un reparto liderado por Mario Casas que se ha convertido en su preferido, Blanca Suárez, Terele Pávez, Carmen Machi, Secun de la Rosa, Jaime Ordóñez y Alejandro Awada, que interpretan ése amplio abanico de personajes prototípicos é hipertróficos de la sociedad española, que tanto gustan al director según sus anteriores films; "La Comunidad" "Crimen Ferpecto" "Mi Gran Noche y "El día de la Bestia" que con ésta relaciona al final de la película. Con su sello inconfundible de sus anteriores films, trátase de un grupo de desconocidos que por algún motivo quedan atrapados en un bar, y sus integrantes empiezan a ser asesinados uno por uno según los relacionados 10 indiecitos de Ágata Christie.
El encierro comienza cuándo alguien desde fuera, dispara a alguien que va a salir de allí después de que un desconocido entra velozmente y se encierra en el baño y un mendigo dice una sarta de disparates. Algunos intentan escapar por el subsuelo del desague pluvial perseguidos por sus aterrorizados miedos.
Dentro del bar se juntan el moderno de Malasaña, el viajante con maletín, el currito, la dueña y el vagabundo, una serie de personas que "a priori" nada tienen en común pero que al final descubrirán que despojados de todo los instintos superficiales, se parecen bastante.


El principal problema de la puesta en escena es hacia dónde se dirigen las miradas de los personajes, y que cada uno de ellos lleve una cámara difícil de controlar, sino que cada uno genera un campo y un contracampo, lo que multiplica cada uno de los personajes. Por otro parte las paredes móviles según el director eran pesadas, y a veces en medio del rodaje con  30 planos diarios, mover una de las paredes demoraba una hora. Claro, luego el público viendo el film no percibe ése detalle, explica el director. Dijo también, "Cuándo los problemas de los demás no son los tuyos, tienes un problema. Como que no tienes nada que contar. Mira, éste guión nació un día en que Jorge Guerricaechevarría y yo estábamos escribiendo a las nueve de la mañana en el bar "El Palentino" y entró un tipo dando voces desesperadas, hasta que Loli la dueña que lo conocía, lo calmó".


A partir de la mitad del metraje y mientras el alcohol y la histeria termina comienzan muchos desvaríos que uno espera que lleguen algún destino. pero se va diluyendo la trama con ambiguedades discursivas que naufragan en su desenlace, con finales precipitados, locos, aparentemente improvisados...y el final se hace intrascendente, una línea de meta casi arbitraria trás una huida hacia adelante que no tiene más sentido que la huida en sí misma y donde todo se hace muy predecible en su salida.
El film será polémico é intrascendente para unos y agradará a los muchos seguidores del director que no dejará de remarcar una vez más su sello inconfundible, y de un buen trabajo actoral que mantendrá atrapados a la platea.

 

martes, 30 de mayo de 2017

"La Novia"


ADELANTO
La novia - "The Bride" o "Hebecta" su título original – es un film de horror que promete mirar sobre el hombro cuándo se camina por la calle, ambientada en la Rusia imperial la cuál se inspira sobre la antigua tradición de fotografiar a los muertos y pintarles los ojos para que parezcan como vivos en las fotografías, una práctica muy común del siglo pasado principalmente en fotografías familiares.
Cuenta la historia de una novia macabra, Nastya (Victoria Agalakova) quién viaja a su ciudad natal para conocer a su familia política. Estando allí se dá cuenta que los familiares de su novio son muy extraños y el lugar está lleno de espeluznantes fotografías.


Pese a todo, Nastya se tranquiliza y confía en que pronto se casará y será feliz con su amado. Pero su prometido desaparece y ella acaba siendo preparada para una misteriosa ceremonia que debe llevarse a cabo antes de la boda.
Basada en hechos reales escrita y dirigida por Svyatoslav Podgayevskiy desarrolla una trama con denso terror de alto impacto.
La película fue bien recibida en Europa y Estados Unidos donde obtuvo premios y nominaciones por considerarla un nuevo remake de "Exorcista". Ya estrenó en Perú quedando segunda en el ranking y el director cuenta una anécdota sobre una de las escenas que le tocó filmar: "Existe una superstición entre los actores sobre la mala suerte de filmar escenas con ataúdes. En la película teníamos que filmar una de ésas escenas más importantes y ahí fue cuándo "Uma Thurman vino al rescate a éste dilema, la usé como ejemplo a quién Quentin Tarantino la enterró en un ataúd, ninguno de los actores quiso sentirse inferior a Uma Thurman, entonces todas las supersticiones fueron olvidadas y comenzamos a filmar".
También “Me enteré de unos mitos eslavos que decían que en ésta etapa de "transición", donde las mujeres eran novias pero aún no esposas, eran particularmente peligrosas para las mujeres, ya que estaban más expuestas a ser poseídas por espíritus malignos. Y eso es algo con lo que juego en la película.
La historia refleja de cierta forma la sociedad moderna en donde muchas mujeres en Rusia están educadas para querer casarse más que cualquier otra cosa en la vida.

 

jueves, 18 de mayo de 2017

Festival Internacional de Cine de Derechos Humanos-FICDH - 2017






El Festival Internacional de Cine de Derechos Humanos-FICDH de Buenos Aires vuelve a las pantallas con su 17°edición haciendo foco en la problemática de género considerando las recientes movilizaciones masivas contra el femicidio y las constantes injusticias respecto de la libertad de decidir sobre el propio cuerpo, la identidad y la sexualidad, del 31 de Mayo al 7 de Junio de 2017.

VIVIR Y OTRAS FICCIONES Dir: Jo Sol, España, 2016, 81 min.
Sinopsis: Pepe ha salido del psiquiátrico tras pagar condena por robar para trabajar. Su necesidad de encajar en un mundo sin sentido se convierte en una tarea desesperada. Antonio, escritor tetrapléjico, lucha por el derecho al acceso al propio cuerpo y la sexualidad de las personas con capacidades diferentes, despertando los prejuicios de su entorno más cercano. La amistad entre Antonio y Pepe, interpela nuestra mirada sobre la vida, y nos invita a reconocernos como anomalía.
Trailer: https://vimeo.com/177537810 

SHASHAMANE Dir. Giulia Amati, Italia, 2016, 80 min.
Sinopsis: Este documental, filmado en Londres, Kingston y Shashamane, explora el legado de la esclavitud colonial y ofrece un excepcional testimonio sobre la alegría y el dolor que supone la repatriación desde la singular experiencia de afrodescendientes que viajaron a Etiopía desde el Caribe, EE.UU., Francia y Gran Bretaña.
Trailer: https://www.youtube.com/watch?v=U6E7509Yo3E



NACIDO EN SIRIA Dir. Hernán Zin, España, 2016, 86 min.
Sinopsis: Desde el comienzo de la guerra civil en Siria, unas nueve millones de personas abandonaron el país; la mitad, niños. Este documental registra la vida de siete de ellos durante un año, desde su huida de Siria, su paso por campos de refugiados de Medio Oriente y su llegada a Europa hasta sus primeros seis meses en esa “tierra prometida”.
Trailer: https://www.youtube.com/watch?v=e91tppOBmJQ 



LANTOURI Dir. Reza Dormishian, Irán, 2016, 115 min.
Sinopsis: Lantouri es el nombre de una pandilla de Teherán. Pasha, uno de los miembros, se enamora de Maryam, una activista social y periodista a cargo de una campaña de no violencia basada en el perdón. Maryam rechaza a Pasha, y él la agrede con ácido. Ahora ella pide que se aplique el castigo “ojo por ojo”, según las leyes punitivas del islam. 
Trailer: https://www.youtube.com/watch?v=9A12qmpZkIc



LA SUPPLICATION. Voces de Chernóbil Dir. Pol Cruchten, Luxemburgo, 2015, 86 min
Sinopsis: La trama no se centra en la tragedia de Chernóbil, sino en su mundo, del cual sabemos muy poco. Los relatos de sobrevivientes reflejan cómo solían ser sus vidas y dejan un testimonio de la catástrofe. Sus voces conforman una terrible pero necesaria súplica que atraviesa fronteras y nos incita a cuestionar nuestro statu quo.



TRAILER: https://www.youtube.com/watch?v=7kD6BcS_cKk  (Gurú, una familia de hijras) Dir. Laurie Colson, Axelle Le Dauphin, Bélgica, 2016, 75 min.
Sinopsis: Gurú documenta el trabajo y la vida cotidiana de una familia de hijras en una pequeña aldea en el estado de Tamil Nadu, en el sur de la India. Silky, Mahima, Trisha, Durga, Kuyili, Priyanka, Vasundhara y Yamuna, bajo la firme protección de su gurú Lakshmi Ma, ofrecen una mirada íntima de sus vidas marginadas pero dignas.
Trailer: https://www.youtube.com/watch?v=AiLLDhj2Ltc



 AZ ITT ÉLŐ LELKEK NAGY RÉSZE (La mayor parte de las almas que viven aquí) Dir. Igor e Ivan Buharov, Hungría - Alemania, 2016, 93 min.
Sinopsis: Ervin Batthyány intenta probar sus teorías de nuevo, al notar que el mundo no resultó como creía. No hay Utopía, un mundo sin gobernantes. Con la ayuda de pares que comparten sus ideas, funda una escuela libre para educar a una nueva generación que cree en la cooperación y la solidaridad en lugar de un sistema opresivo.
Tráiler: https://vimeo.com/154399823

APRICOT GROVES (Huerto de damascos) Dir. Pouria Heidary Oureh, Armenia, 2016, 79 min Sinopsis: Aram, un joven iraní-armenio que emigró a Estados Unidos en su infancia, regresa a su país por primera vez para proponerle matrimonio a una novia armenia que conoció en Estados Unidos y con la que vivió allí. Aram nota muchas diferencias culturales, religiosas y sociales en su viaje de un día, pero hay obstáculos aún mayores por delante.
Trailer: Apricot Groves Trailer Apricot Groves Trailer Years - 2016 Apricot Groves A film by - Pouria Heidary Oureh Mother - Mariam Hakobyan \ Մարիամ Հակոբյան



Viernes 2 de junio: Proyección de "La Nación Clandestina" + Debate. El taller se realizará en conjunto con el Festival Internacional de Cine Político - FICIP, y se llevará a cabo los días lunes 29, martes 30 y miércoles 31 de mayo, y jueves 1.o de junio en la Asociación de Personal Superior de las Empresas de Energía - APSEE. Vacantes limitadas. + Info e inscripciones: www.imd.org.ar www.ficip.com.ar
 "Juana Azurduy, la Guerrillera de la Patria Grande" - Jorge Sanjinés
Sinopsis: La película trata del encuentro con los libertadores Simón Bolívar y Antonio José de Sucre en la ciudad de Chuquisaca en noviembre de 1825. En ese momento, Juana Azurduy se encuentra en la pobreza, y recibe a sus visitantes en su humilde morada donde narra la historia y las peripecias de varios de los héroes montoneros de la guerra de las republiquetas y su propia experiencia durante los 16 años de lucha encarnizada contra los colonizadores españoles. Proyección viernes 2/6 a las 20hs SALA 3 del CINE GAUMONT
Las sedes de exhibición de ésta edición serán: Espacio INCAA Km 0 Gaumont (Av. Rivadavia 1635), entrada $30 Alianza Francesa de Bs. As. (Av. Córdoba 936), entrada $30 Cine Cosmos (Av. Corrientes 2046), entrada $30

sábado, 1 de abril de 2017

El Otro Hermano



El Otro Hermano (Argentina-Uruguay-España-Francia/2017). Dirección: Israel Adrián Caetano. Elenco: Leonardo Sbaraglia, Daniel Hendler, Alian Devetac, Ángela Molina, Pablo Cedrón y Alejandra Flechner. Guión: Israel Adrián Caetano y Nora Mazzitelli, basado en la novela Bajo éste sol tremendo, de Carlos Busqued. Fotografía: Julián Apezteguia. Música: Iván Wyszogrod. Edición: Pablo Barbieri. Distribuidora: Tren Cine. Duración: 112 minutos.Calif, M.Buena

Un oscuro y duro relato de las miserias pueblerinas donde un ex represor paramilitar de presencia mórbida Duarte (Sbaraglia), sigue dominando una localidad chaqueña mientras que un jóven sumiso (Hendler) sueña cobrar un seguro de vida de la tragedia familiar para irse a Brasil.
El film recibió el premio al mejo Actor para Leonardo Sbaraglia en el Festival de Málaga por su trabajo en 2017, basado en la novela "Bajo éste sol tremendo" de Carlos Busqued.
Su director Israel Adrián Caetano es un notable y lo demostró con Pizza, birra faso, Bolivia, Un oso rojo y Crónica de una fuga. Sin embargo, trás las polémicas por el documental sobre Néstor Kirchner y el fracaso de Mala, entró en un cono de sombra que aquí con "El otro hermano", vuelve a recuperarse al saber narrar los géneros populares, que lo caracteriza en el thriller de un drama pueblerino.


Cetarti (Daniel Hendler) es una persona gris que perdió su puesto de empleado público y llega con su envejecido auto al pueblo chaqueño de Lapachito para reconocer en la morgue los cadáveres de su madre y su hermano, quiénes han sido brutalmente asesinados por la nueva pareja de ella. Con una frialdad pasmosa y poca afectividad con sus familiares desde hacía mucho tiempo se somete a la rutina con el único objetivo de cobrar el seguro de vida y conseguir el dinero suficiente para seguir viaje a Brasil. Pero en ésta ocasión conoce y asocia con Duarte un malvado psicópata de triste pasado en tiempos de la dictadura que manipula al pueblo y también se dedica a secuestros extorsivos por dinero, no resulta fácil para éste antihéroe Cetarti donde cada vez es más degradado, se verá envuelto en oscuros negocios hasta llegar a un desenlace inevitable. Junto a varios personajes secundarios que interpretan Alian Devetac (la revelación de La tercera orilla, de Celina Murga), Pablo Cedrón, Alejandra Fletchner, Erasmo Olivera y la española Ángela Molina cierran la intensa trama.

 

viernes, 24 de marzo de 2017

LIVE; "Vida Inteligente" con un pasajero imprevisible



Título español: "Vida Inteligente"
País: Estados Unidos 2017 Genero: Thriller [+] Horror [+] | Suspense [+] | Intriga.
Dirección: Daniel Espinosa Guión: Rhett Reese y Paul Wernick Música: Jon Ekstrand Fotografía: Seamus McGarvey Producción: Columbia Pictures, Nvizage, Skydance Productions, Sony Pictures Entertainment y Sony Pictures.Duración:105 minutos. Calif. Muy Buena.
Intérpretes: Jake Gyllenhaal, Rebecca Ferguson, Ryan Reynolds, Hiroyuki Sanada, Ariyon Bakare, Olga Dihovichnaya, Alexandre Nguyen.


En la estación espacial sus tripulantes vivían un clima tranquilo y descontraído de sus rutinas diarias y festivas hasta que, ante un imprevisto impacto de una cápsula marciana que traía una extraña célula transparente es estimulada en el laboratorio,ésta crece desmesurada hasta poner en jaque a sus seis astronautas atrapados dentro de la estación espacial internacional, con el peligroso acecho de ser devorados en una desaforada cacería. Cualquier parecido con "Alien" no es coincidencia sino el planteo básico de Life donde puede decirse que es injusto comparar a otra película con una obra maestra, porque siempre puede salir perdiendo. Pero ésto no lo hace inevitable ya que "Life" propone ser una versión de una "Alien" actualizada por tecnología, según lo admitió su propio director, el sueco-chileno Daniel Espinosa.
Lo mejor que consigue la trama es cierta cuota de suspenso y horror, excelente fotografía y efectos especiales, que impacta más que la icónica creación anterior de Ridley Scott.
La tensión que produce el realismo en la cápsula es tal que se reproduce con la ingravidad espacial los mismos síntomas con los astronautas flotando en el espacio, y también adentro de la estación, acompañados por giros de cámaras que acentúan la sensación de estar ahí, levitando a semejanza de lo visto en "Gravedad", independientemente del interés que tienen los film sobre el espacio.
Más allá de lo visual todo es previsible pero no deja de ser sorpresivo con el extraño visitante por un guión inteligente al proponer la excusa de estar todos incomunicados de cada uno de sus movimientos y con el espacio exterior para regresar a la Tierra.
Un relato demasiado explicativo para el clima de tensión nerviosa que se pretende crear con el que define suponer lo insignificante que es la persona frente al momento crucial por la lucha de la sobrevivencia.
Algún Alien terrorífico puede ser un futuro habitante terráqueo imprevisible...

 

sábado, 25 de febrero de 2017

The Beatles; "Anochecer de un día agitado"


Título original: A Hard Day's Night, "Anochecer de un día agitado" ("Yeah, Yeah, Yeah") en Argentina.
Director: Richard Lester, Guión: Alun Owen, Música: The Beatles, Fotografía: Gilbert Taylor.
Año: 1964, Duración: 85 min., País: Reino Unido, Género: Comedia - Documental -


Desde la aparición del tema "Please Please Me" el 22 de marzo de 1963, los Beatles comenzaron la revolución musical en el ámbito de la cultura popular que tuvo consecuencias hasta nuestros días después de haber transcurrido 50 años, donde se proyectó una versión remasterizada de su primer film músicodocumental en una sala de cine en México en ocasión a su aniversario. Ésto es porque los Beatles tuvieron una evolución musical sorprendente con temas simples como "Love Me Do", hasta los maravillosos delirios psicodélicos de "Strawberry Fields Forever". Pero además, en su historia los Beatles no se limitaron al campo de la música sino a su imagen, estética, y al delineamiento de la personalidad de cada uno de sus integrantes, como una nueva forma de rebeldía juvenil generando con ello, un éxito comercial sin precedentes.


Éste furor desatado en catarsis por los fans de Liverpool, originó que productores y empresarios quisieran explotar el fenómeno juvenil antes de que éste se agotara, liderado por su promotor-manager Brian Samuel Epstein desde antes, cuándo los encontró actuando en el abarrotado pub Cavern Club en Liverpool el 9 de noviembre de 1961, y desde allí organizó bien el negocio comercial mencionado por ellos como el quinto Beatle.
Ésta idea del éxito efímero compartida por Bud Ornstein, ejecutivo de Artistas Unidos junto al productor independiente Walter Shenson llevaron adelante el proyecto. El objetivo era realizar un film con poco dinero y hacer fortuna vendiendo la banda de sonido con un rápido rodaje en 14 semanas que comenzó el 2 de marzo en estudios de TV y que el film tenía que estar listo en las salas para el mes de julio de 1964.
Pero los Beatles no querían hacer la clásica película músical a la usanza de los protagonizados por Elvis Presley. “Detesto ésas películas en las que todo el mundo se pone a cantar sin ninguna razón, con la orquesta que surge de ninguna parte”, dijo George Harrison.
Para dirigir su primer largometraje, los propios Beatles eligieron a Richard Lester (propuesto por Shenson), quién había trabajado en reiteradas oportunidades con Peter Sellers y cuyos trabajos eran conocidos por el grupo. El guión estuvo a cargo del dramaturgo Alun Owen, quién viajó junto a Lester y Shenson acompañando al grupo en su gira por París y la película se fue rescribíendo sola con el grupo y frente a nosotros durante su seguimiento”, afirmaba Richard Lester.
El realizador Lester confesó que tenía presente las limitaciones actorales de los Beatles, por lo que junto a su guionista decidieron hacer muchas escenas en movimiento y que los parlamentos de los Beatles sean lo más breves posibles pero apoyados en el humor irreverente. Ésta decisión fue muy importante para el momento de dar al film ese look de primitivo videoclip pero con mucho ritmo puesto por su director, además de su montaje dinámico, citado como precursor del cine que venía años después.


En un principio, se pensaba en el título de "Beatlemania", pero después fue cambiado por el de "A Hard´s Day Night", una frase utilizada por Ringo Starr para definir un día agotador (En la Argentina, A Hard´s Day Night se estrenó comercialmente como "Yeah, Yeah, Yeah". En Italia fue "Tutti Per Uno" (Todos Para Uno) y en Francia "Quatre Garcons Dans le Vent" (Cuatro Muchachos al Viento)). Durante el rodaje los Beatles tuvieron que componer sus canciones por encargo (el tema que da título al film fue compuesto por Lennon y McCartney en un solo día). Paul aportó "And I Love Her", "Things We Said Today" y "Can´t Buy Me Love", "If I Fell, I´m Happy Just to Dance With You" y "I´ll Be Back" fueron compuestas entre Paul y John. Todas las demás canciones eran de John: "Tell Me Why, I Should Have Known Better", "Any Time At All, I´ll Cry Instead, When I Get Home" y "You Can´t Do That".
"A Hard´s Day Night" se estrenó mundialmente en Londres el 6 de julio de 1964 con éxito esperado, ya que United Artists tuvo una ganancia del 200% sobre el costo del film solamente con las ventas adelantadas del disco, antes de que se estrenara el film, solamente en su primera semana recaudó 8 millones de dólares.
Con una hábil dirección de Lester, inteligente guión de Alun Owens y caracterización de cada uno de los integrantes con corte de pelo en casco como nuevo look, resaltando el modo irónico de algunos rasgos de sus personalidades, un tono realista de humor ácido bien británico y absurdo, la referencia al Swinging London, los chistes sutiles de la banda, las secuencias musicales que preanuncian al videoclip (cuándo los Beatles cantan "I Should Have Known Better" en el vagón del tren), no sólo con ello dejan un testimonio de los cambios fundamentales que se producirían en la cultura popular en la década del sesenta, sino que también sentó las bases del comportamiento de numerosas bandas musicales (y de las vitales imágenes de las mismas) referentes al cine en la actualidad.


Una breve historia de dos días y una noche en la vida de los famosos Beatles donde se suceden persecuciones musicalizadas desde los primeros minutos, cuándo John, George y Ringo corren hacia la estación de tren donde los espera Paul con su "abuelo" Mc Cartney (Wilfred Brambell) un anciano malvado, jugador, mujeriego y alborotador que mantendrá durante casi toda la película su horrible fisonomía y gestos de su temeraria seriedad, que buscarán en sus corridas escapar de los fanáticos, las conferencias de prensa, la contestación de las misivas de admiradoras y la actuación en televisión con la participación del abuelo indeseable.
Una remake en versión remasterizada de una película que aún continúa fresca como la de sus jóvenes años de los 64 y que el tiempo no consiguió opacar así como el éxito que consolidó la fama al conjunto musical con su música, eternamente.

martes, 31 de enero de 2017

La valija de Benavídez



La valija de Benavídez (Argentina/2016) / Dirección: Laura Casabé / Guión: Laura Casabé y Lisandro Bera, basado en un cuento de Samanta Schweblin / Fotografía: Mariano Suárez / Edición: Martin Blousson y Laura Casabé / Música: Gillespi / Elenco: Jorge Marrale, Guillermo Pfening, Norma Aleandro / Duración: 80 minutos / Calificación: apta para mayores de 13 años.


Benavídez es un profesor de plástica casado con una joven pintora. Una noche discuten acaloradamente y él carga su valija y deja su hogar para buscar asistencia en la vivienda de su psiquiatra (Jorge Marrale) también coleccionista de arte. Al día siguiente, Benavídez descubre el secreto que oculta ésa casa: es una mansión de artistas que participan de un tratamiento diseñado para ampliar sus espectros creativos. Atrapado allí, y totalmente confundido le sugieren ser sometido a un tratamiento. En su intento de escapar recorrerá distintas habitaciones y pasillos de la mansión y en ésos lugares su memoria se posará en aspectos de su vida y en la relación con su padre y con su esposa, para encontrarse finalmente ante el camino, con una revelación que cambiará su destino.
La directora Laura Casabé se basó en un cuento homónimo de Samanta Schweblin la historia de un thriller psicológico con una dosis de suspenso por momentos asfixiantes por la deseperación del profesor convertido en paciente, lo hará transitar por angustiantes pesadillas de su padre fallecido, un artista de reputación que era superior a él, y su mujer (Paula Brasca) una ex alumna que amenaza superarlo y desatar la inestabilidad de su psiquis.
El elenco encabezado por Jorge Marrale, de inquietante mirada; Pablo Benavidez (Guillermo Pfening), como ése ser atormentado, y por Norma Aleandro, una crítica de arte, apuntala la trama del film, que por sobre la necesidad de imponer un denso y siniestro clima, con una excelente fotografía y destacar también la iluminación ficcional y la adecuada música que supo subrayar cada uno de los momentos de sus densas escenas .


Con sátira snobista al mundillo del arte, dosis de terror malvado inscripto en la comedia negra y un vinculo amoroso quebrado, se sustenta el cresciente interés del film sobre un guión ajustado, homogéneo y creativo que permite un digno logro fílmico y fresca realización para el nuevo cine argentino que deja el film un aire de densidad claustrofóbica.