"AMOR" ... vejez en la recta final

Director; Michael Haneke, con Jean-Louis Trintignant, Emmanuelle Riva, Isabelle Huppert y Alexandre Tharaud.

Fotografía: Darius Khondji

Edición: Monika Willi y Nadine Muse

Diseño de producción: Jean-Vincent Puzos

Distribuidora: CDI / Duración: 121

De las múltiples y diferentes formas del amor, la que relata en su film Michael Haneke en "AMOR" es la menos convencional y la más difícil de soportar pero la más real y dolorosa, ya que no omite ningún alivio y llega a lo sensorial, pero también probablemente sea lo más satisfactorio para un final de vida.

La película trata sobre el amor vituperable de una tenacidad sin esperanza que alcanza la compasión que nos cuesta entender de jóvenes pero resignamos en la senilitud, nos resulta ahora una historia desgarradora como un calvario en el camino de la decadencia hacia la muerte.

Éste realismo abrumador es una verdad indiscutible y su realidad perturbadora tiene una crudeza lograda solo por el rigor dramático, cuándo una enfermedad incurable nos confronta; es cuándo percibimos que nos toca a todos.

Georges y Anne, profesores de música clásica retirados, asisten a un concierto en el Théatre de Champs Elysées de uno de sus alumnos más preciados el destacado joven pianista Alexandre Tharaud (como él mismo) después de un interludio en su interpretación del Impromptu de Schubert (Op. 90, no. 1), un tipo de música de carácter al pretender transmitir un estado de ánimo cuándo comentan trivialidades sobre el arte, Georges y Anne al desayunar en un rincón de su cocina, éste al buscar salar un huevo ponché se dá cuenta que el salero está vacío y se levanta para rellenarlo, continúa hablando sin darse cuenta que Anne se ha congelado inmóvil en su silla, como una piedra. Perplejo ante la situación mueve una mano delante de sus ojos como aparentemente ciega, sorprendido se viste para salir en procura de un médico, pero de repente, Anne parece volver a la normalidad y ella lo regaña suavemente por no recordar lo sucedido, pero al intentar vertir el té en su taza, lo vuelca afuera, y a partir de allí comienza su drama...en su burguéz departamento parisino donde viven en pareja su degradación conjunta con sensación de gradual encierro agobiante; agrega énfasis a lo que ya tiene.

Emmanuelle Riva de 1959 en Hiroshima MON AMOUR y Trintignant en "Un hombre y una mujer" de 1966, darán actuaciones de impresionante poder y conmovedora belleza al igual que un amargo estilo aséptico ante una conmovedora intimidad sin queja, y el espectador ante ello deberá prepararse para un gran impacto emocional.

El que conozca el trabajo del director austríaco Haneke puede encontrar en "Amour" una composición demasiado fría, cruel y de hondo sufrimiento, un gesto que castiga, y que durante mucho tiempo se ha interesado en transmitir al espectador "un simple pensamiento realista, que emocione a la gente y si lo consigo es algo que me satisface", expresó a la prensa, pero ciertamente existen argumentos desde una observación en la cuál la película es crucial por la cosmovisión rigurosa y poco sentimental cuándo uno mira a la muerte con la misma ecuanimidad benévola como la vida, cuándo se trata tocar el sentimiento más profundo no sólo porque la vida termina sino también porque ella florece.

"Amour" ganó la Palma de Oro en Cannes y es candidata a cinco categorías al Oscar, y al ser premiada por la Academia Británica de Cine y TV (BAFTA) como mejor actriz a Riva, que también podría recibir el máximo galardón el domingo 24 de febrero de 2013 cuándo cumple sus 86 años.

"LINCOLN"; buscando la emancipación

Dirección: Steven Spielberg.
Género: Biopic, drama, histórico.
Elenco: Daniel Day-Lewis (Abraham Lincoln), Tommy Lee Jones (Thaddeus Stevens), Sally Field (Mary Todd Lincoln), Joseph Gordon-Levitt (Robert Lincoln), David Strathairn (William H. Seward), Tim Blake Nelson  (Richard Schell), James Spader (W.N. Bilbo), Lee Pace (Fernando Wood), Jackie Earle Haley (Alexander Stephens), Hal Holbrook (Preston Blair), John Hawkes (Robert Latham), Bruce McGill (Edwin Stanton), Jared Harris (general Ulysses Grant).
Guion: Tony Kushner, John Logan y Paul Webb; inspirado en el libro “Team of rivals: The political genius of Abraham Lincoln”, de Doris Kearns Goodwin.
Producción: Kathleen Kennedy y Steven Spielberg.
Música: John Williams.
Fotografía: Janusz Kaminski.
Montaje: Michael Kahn.
Diseño de producción: Rick Carter.

Vestuario: Joanna Johnston.
Distribuidora: Hispano Foxfilm, USA. Año: 2012. Duración: 157 min. 

Abraham Lincoln" fue un estadista y político de raza pragmático pero de convicciones y como abogado de temperamento contumáz, alcanzó cualquier propósito que se propusiera porque jugaba a dos punta, como gran orador que conseguía envolver a la audiencia y de escuchar al pueblo con alguna trampa para obtener sus objetivos en el afán de unir una nación dividida por la Guerra de Secesión en 1865.     

La película al igual que otras superproducciones de Hollywood con el solo objetivo de ganar en la próxima ceremonia el Oscar con 12 nominaciones, y para sólo sobar el espíritu patriótico estadounidense con azuzar la imágen complaciente de la figura histórica más venerada del pueblo norteamericano durante la época de la secesión que aquí pretende solo destacar a Spilberg.
Si hacenos un paralelo con la versión anterior de John Ford " El joven Lincoln" interpretado por Henry Fonda, la comparación de ambos Ford y Spielberg representan el antes modesto pero conceptual y el ahora del gran cine norteamericano comercial. Ford pone sensibilidad y poesía, Spielberg pone sensiblería y énfasis. Esto se observa cuándo Ford retrata los inicios de Lincoln en un modesto pueblo de Illinois, en cambio el guión de Tony Kushner y John Logan en la adaptación buscan con Spielberg el voto de la décimotercera enmienda, que abolirá la esclavitud, por lo cuál la película debería llamarse "La Decimotercera Enmienda" que  busca la Emancipación" ya que no sale de la pelea verbal congresista por la enmienda nro. 13 de la constitución, nos encontramos con una sucesión de negociaciones políticas a puertas cerradas, en torno a mesas de conferencias dentro de habitaciones semi oscuras muy discutidas.
No se menciona en ningún momento cuáles fueron las causas reales que el presidente se empeña con tanta firmeza en aprobar la Enmienda, cuándo su intención era debilitar al enemigo en tiempo de guerra, en un momento en que la Unión iba perdiendo.
La abolición de la esclavitud fue una potente estrategia bélica para crear caos en el territorio confederado. Y no hay que olvidar que la Guerra de Secesión Americana nunca se trató de una guerra social, sino de un enfrentamiento entre el norte industrial y el sur agrario, una guerra instigada y vencida por el capitalismo.
Ford, con más humildad, alcanza remarcar una nota de gran cine, mientras que Spielberg se instala en lo sublime y fastuoso pero demasiado conversado y patriotero.
Al conocer el final éstas negociaciones repetitivas que no tienen suspenso ni dramatismo humano salvo la escena de la aprobación en el Congreso que se festeja con mucha algarabía, al resto le falta ritmo, y el film se hace tedioso a lo largo de sus 157 minutos de duración por la cuál el espectador ya no sabe para que lado moverse en la butaca...
El fillm no hace gala de espectacularidad con una ambientación de época moderada se cierra en los interiores de la Casa Blanca con diálogos, largos debates entre los lobbistas que buscan conseguir los votos esquivos.

También podemos hacer un parangón entre los actores Henry Fonda/Daniel Day-Lewis que rizan sus actuaciones con gestos correctos al igual que los secundarios también ajustados en sus papeles, salvo Tommy Lee Jones solo de a ratos, no da para lucirse si no fuera por su virtuosismo que vive en la leyenda.
 El Lincoln de Fonda gana por su profundidad emocional y cala en el personaje.
Las subtramas de Spielberg en cambio podrían haber añadido un poco emoción a la historia, como la tensa relación del presidente con su hijo no fueron aprovechadas, y podría haber sido desarrollada por Spielberg para añadirle una tinte interesante de dramatismo y humanidad a la historia, en lugar de terminar como un simple detalle final. 

La iluminación pone el clima a las escenas con un leve tinte ocre en sus interiores en los que se mueven los pesonajes que no tienen ambiguedades encarnado por Tommy Lee Jones, Sally Field y James Spader, y se destaca como excepción la interpretación de Lincoln en Daniel Day- Lewis.

Una película que podrá ser elogiada por portación de apellido, tanto del título como por su anécdota histórica de quién la firma, pero no por mucho más que sea de significativo carácter que un documento histórico.

DJANGO, sin cadenas

ELENCO: Jamie Foxx, Christoph Waltz, Leonardo DiCaprio y Kerry Washington, Samuel L. Jackson, James Remar, Don Johnson, Amber Tamblyn.
DIRECTOR: Quentin Tarantino.               
FOTOGRAFIA: Robert Richardson.
GUION: Quentin Tarantino.
GENERO: Western, Nominada al Oscar, Drama.
DURACION: 169 Minutos Distribución UIP, EE.UU 2012

“Django sin cadenas”, es la primera película western de Quentin Tarantino, protagonizado por Leonardo DiCaprio, Jaime Foxx, Christoph Waltz, Samuel L. Jackson y Kurt Russell, entre otros. Quentin Tarantino llegó al cine con "Perros de la calle" en 1992 y "Pulp Fiction" en 1994 con la cuál consiguió la Palma de Oro en el Festival de Cannes. En el cine arte de Tarantino todo se recicla en su voracidad cambiante y todas llevan un sello propio y "Django sin cadenas" no es la excepción donde se liga a "Bastardos sin Gloria".

Django reescribe la hitoria y se ambienta en el sur de los Estados Unidos, antes de la Guerra Civil y la abolición de la esclavitud, nos presenta a Django (Foxx), un esclavo entre varios con grilletes liberado, que se asocia con un cazador de recompensas (Waltz) y van en busca de unos asesinos que ofrecen recompensa vivo o muerto por todo el lejano oeste y para finalmente buscar el rescate de una mujer. Ante ésta situación Django buscará liberar a su esposa, de las manos esclavas de un díscolo y malvado terrateniente de Mississippi, interpretado por DiCaprio.
A los condimientos que tiene el film de humor, sangre, violencia, disparos y muchos díalogos irónicos, elementos típicos encontrados en toda la filmografía de Tarantino se suma la venganza y ambiciones tanto que el cazador de recompensas alemán King Schultz de Texas que está trás la pista de los hermanos asesinos Brittle, y sólo Django, un esclavo, puede llevarlo hacia el botín, pero el ortodoxo truán justiciero Schultz se une a Django con la promesa de liberarlo de esclavo una vez que capture a los Brittles. Schultz cumple la promesa a Django, pero ambos hombres eligen seguir juntos hasta encontrar y rescatar a Broomhilda (Kerry Washington), la esposa que perdió durante la trata de esclavos tiempo atrás.

Las búsquedas finalmente de los cazarecompensas de Django y Schultz terminan conduciéndolos a Calvin Candie (Leonardo DiCaprio), un despiadado dueño de Candyland, una infame plantación donde los esclavos son adiestrados para luchar entre ellos como deporte. Django y Schultz despiertan las sospechas de Stephen (nominado al Oscar, Samuel L. Jackson), el esclavo de confianza de la casa siguen sus movimientos y son observados, y una organización traidora se acerca a ellos. Si Django y Schulz van a escapar con Broomhilda, ellos tendrán que elegir entre la independencia y la solidaridad, entre el sacrificio y sobrevivencia…
Cuándo van a Mississippi a cumplir su misión, a liberar a Broomhilda, ahí es cuándo Schultz realmente ve el horror de la esclavitud, el espectáculo de surrealismo y brutalidad, y no está preparado para eso. Y ahora Django es quién entiende, y Schultz es el naive.
Schultz necesita a Django para que lo ayude a sostenerse.

La película se desacelera en movimiento y detiene en el tiempo entre dos mitades la más quieta que hace notable la diferencia del tramo recorrido por los protagonistas, a la anterior que incluye la bestialidad de la violencia donde todo puede destruirse con dinamita, tiros, con paredes teñidas de sangre o sin necesidad de armas, pero con diálogos filosos de tensión resueltos con ejecuciones y cuestiones de diálogo aparentemente legales.
Todo en un paisaje árido con musicalización energética, estallidos de violencia y diálogos sofisticados consigue su director destacar al film como el más acertado de sus trabajos en la última década superando así su popularidad.
Homenajear a los western spaguetti y tomar las referencias ya conocidas de (Sergio Corbucci, Sergio Leone y los westerns americanos más sangrientos y de clase B), de cualquier modo Tarantino hace películas “de Tarantino”, con ésos diálogos que otro realizador dejaría de lado o cortaría por “disgresivos”, o con escenas con miembros de un proto Ku Klux Klan que hacen recordar a las LOCURAS EN EL OESTE, de Mel Brooks, y más cerca de TRINITY, con Terence Hill y Bud Spencer, que de aquél DJANGO, con Franco Nero.

Los Ganadores de los GLOBO de ORO en 2013

"Sal"

Sergio es un director de cine español obsesionado por hacer un western y viaja al norte de Chile en busca de una historia y una vez ahí, será confundido por otro y de esta forma dará comienzo en el inóspito desierto de Atacama una aventura que lo transformará en el protagonista de la historia que nunca llegó a escribir.
Al buscar la inspiración de su film en un pueblito de pocos pobladores que lo observan con temor desde sus desvencijadas viviendas, él no comprende su rechazo y su mayor sorpresa es cuando alguien lo llama Diego, pero ... ¿Quién es Diego?, un criminal que dejó un tendal de muertos al tener relaciones sentimentales con la esposa del hombre más poderoso del lugar.
Con una historia que se complica su director consiguió un original entramado manteniendo la incógnita, de quién es Diego, que aumenta su intensidad dramática con su sutil anécdota al verse hostigado como un antihéroe ante la violencia que le toca sufrir, consigue salir airoso de su trama con una muy buena interpretación de un ajustado elenco. 
El duelo final de sus protagonistas refiere a la escena de "A la hora señalada", un film emblemático en su género con algunas escenas que se remiten al estilo de los western de Sergio Leone, en "Sal" se dejan en suspenso para no contar el final desenlace.
El film “Sal” de Diego Rougier fue premiado como “Mejor película, mejor Western 2012″ en el “WorldFest de Houston“, como un especial logro de ser el primer western sudamericano desmistificando al clásico norteamericano.
En la participación del Festival según su Director afirmó que, “Este Festival es el tercero en antiguedad en USA, después del de New York y San Francisco y estoy feliz de recibir la noticia de que en el Festival Internacional de México, (No el latino), recibamos el premio durante la premiación en Mayo, “Silver Palm Award” por el mejor Film 2012.

Esta película es protagonizada por Javiera Contador, Fele Martínez, Gonzalo Valenzuela, Patricio Contreras, Luis Dubó, Fernando Godoy, Sergio Hernández, Jaime Omeñaca y Carolina Paulsen. 

Fotografía: David Bravo. Edición: Danielle Fillios. Música: Nicolás Torres. Producción; Argentina-Chile 2012, distribuída por 3 C Film Group, duración 114 minutos.

"El Vengador del Futuro" en busca de su identidad

Si se considera como la remake a un clásico de ciencia ficción como su anterior en 1990 del director Paul Verhoeven que popularizó a Arnold  Schwarzenegger como al héroe de la acción, ésta versión queda solo en el tiempo, ahora con un gran despliegue del nuevo milenio de tecnología comparada con la anterior.

Aquí a diferencia de la anterior Vengador del futuro no es marciana sino de nuestro planeta en un futuro apocalíptico por una desvastación con la caída de una lluvia ácida en La Colina donde se debe transitar con máscaras antigas en una ciudad sepia contaminada por gases tóxicos. 

De la destrucción solo queda en pié a cargo el cruel Cohaagen (Bryan Cranston), canciller de la "Federación Unida de Bretania" un centro futuro y en la periferia opuesta un territorio australiano conocido como "La Colonia" donde vive Douglas Quaid (Colin Farrell) que se traslada a la Federación a través de un elevador gigante "La Caída" que atraviesa la tierra para ejercer su trabajo de operario, pero descontento de la vida que le toca, es un hombre poco feliz y sueña con el peligro, decide experimentar un pasado implantando Recall que convierte sueños en recuerdos en memoria real según Philip Dick autor del cuento (“Podemos recordarlo por usted al por mayor”), según los límites que marca la frontera entre la fantasía y la realidad, se diluye y su mundo pende de un hilo a medida que Quaid descubre su verdadera identidad, su verdadero amor y su arriesgado destino.   

Según dijo su director de ésta nueva versión,"mi sensación es de diversión y entretenimiento con efectos visuales que funcionan a la perfección". 

La historia en una ambientación futurista donde las personas pueden comprar el implante Recall de recuerdos falsos en la mente de Douglas, un trabajador aburrido de sus trajines cotidianos fabricando robots, sueña con una vida como doble agente secreto y se tienta con probar fortuna con un implante en su cerebro para adquirir una nueva personalidad, pero su procedimiento falla y los acontecimientos se hacen inmanejables frente a la imposibilidad de determinar qué es real y qué sucede a nivel cerebral al llegar a preguntarse (dónde estoy, si no estoy) cuándo va de la mano con las dudas al tener perdido la memoria, o ser un aburrido ciudadano como agente y creer estar casado con Lori (Kate Beckinsale) una policía que quiere manipularlo para entregarlo a los autoritarios malvados.

(Kate Beckinsale y Jessica Biel), disuelven las dudas metafísicas de Quaid con su esposa espía que quiere matarlo por sobre la protección de Melina (Jessica Biel) una luchadora rebelde, que trabaja para evitar la lucha dominante de exterminio gestado por los sinteticos de Cohaggen, un malvado enfrentado con Matthias (Bill Nighy) de La Colonia. 

El mundo del futuro en FUB que se imagina toma predominio de leyendas, la lluvia persistente y las edificaciones monumentales de varios niveles parecen venir de Blade Runner, mientras que los policías robotizados llamados sintéticos son una simbiosis de Robocop con Star Wars gracias a los efectos especiales.

Len Wiserman (Inframundo) trabajaba como director de arte en filmes como Dia de la Independencia, de ahí se entiende su interés en las ciudades suspendidas con aeropistas magnéticas por donde circulan autos voladores flotantes y sus construcciones ultra modernas con cristales inteligentes, con un despliegue visual y persecuciones con mucha acción, mantienen entretenido al espectador cerca de 2 horas, en la trama se resuelve el mensaje bélico-político y las cuestiones metafísicas del personaje, hacen que el film sea relativamente interesante como factura de producto hollywoodense, pero si como un homenaje a la ciencia–ficción.

Después de éste film se prepara la segunda saga de Robocop también de ciencia ficción de Verhoeven, un experimentado visionario de éste género que abrió las ventanas al mundo futurista.

"Prometheus"

El equipo de científicos y exploradores a bordo de la nave Prometeo, están en un viaje para encontrar respuestas a algunas de las preguntas más profundas de la vida.
Dos científicos jóvenes y brillantes, Shawy y Holloway, que poseen motivaciones contrastantes, lideran la expedición. Shaw es una creyente, quiere conocer a estos "dioses" para acercarse a sus creencias religiosas más tradicionales, mientras que Holloway está buscando desmitificar ese tipo de nociones espirituales. Ningún de los dos científicos están preparados para los horrores que se encontrarán.

La misión de éste grupo de intrépidos terrícolas viajan a un remoto planeta para conocer los orígenes de la tierra donde serán puesto a prueba sus límites mentales y conocer misterios que conseguirán conocer su destrucción.
El film promete la nueva tecno de cristales inteligentes transparentes en un escenario extraterreste con mucha acción futurista según la propuesta avanzada de Ridley Scott.

Prometeo tiene muchos puntos de contacto con aquella obra maestra del terror en el espacio, (en la expedición de Alien, el enorme cadáver extraterrestre de la nave del que los tres tripulantes humanos descubren que algo le explotó desde adentro). Es el origen de la humanidad, el descubrimiento de la creación en la que la trama de Prometeo será lo importante en la historia, pero las preguntas que se hacían los replicantes de Philip K. Dick son las mismas que perturban a los antropólogos Elizabeth Shaw (Noomi Rapace) y Charlie Holloway (Logan Marshall-Green), el robot que interpreta el omnipresente Michael Fassbender y el empresario que financia la expedición a millones de años luz, en el espacio exterior crearon la vida humana para luego aniquilarla.
El otro punto en común que tiene Prometeo con Alien es que la protagonista es una mujer –Sigourney Weaver la misma en la saga de cuatro filmes, y la actriz Noomi Rapace, que demuestra mucha valentía. Aquí, el 3D cumple un rol preponderante como el atractivo principal ya que Scott cuidó los aspectos visuales y la fotografía, y Prometeo es un festín para los ojos detrás de los anteojitos 3D que brinda emociones. Prometeo va creando su propia mística a medida de que va progresando su metraje.