"El Incendio"

El "Incendio" opera prima de Juan Schnitman sobre un guión de Agustina Liendo cuenta el hecho autobiográfico de que dos personas la están pasando muy mal en un total desconcierto al intentar comenzar una vida en pareja que los lleva a comprar un departamento con 100.000 dólares, donde Lucía y Marcelo treintañeros tiene una cita con el vendedor que no llega al encuentro y la escritura se posterga, ellos deben volver a su departamento en alquiler a esperar y esconder el dinero retirado del banco.
Ante ésta situación la impronta en la pareja es muy fuerte en un contexto real de un thriller psicológico, con problemas que enfrentan a los protagonistas pelearse por tema del dinero y la aparente desconfianza va minando la lealtad y los lleva abordar una crisis profunda de pareja que los somete al maltrato verbal para vivir una desorientación que se derrumba como un castillo de naipes. Pilar Gamboa y Juan Barberini abordan ésto con tono crudo y emociónes fuertes, y el profundo drama que se vislumbra en la pareja en vías de disolución para llegar a una situación de insostenibe desgaste y la ilusión se torna un infierno.
El dinero está presente como tema de discusión permanente como una paranoia que es motivo de tensión durante todo el film. Hay mucha intensidad y mucha entrega de los actores en cada escena al generar ésto en una puesta que se resuelve con escenas con diálogo de "plano secuencia" que mantiene el clima hostil como recurso más apropiado en lugar de plano y contraplano.
Schnitman es un excelente narrador con ajustada puesta en escena, dúctil para dirigir los personajes dentro del psicodrama emocional con cierta dosis de crueldad con la escena de sexo violenta, ellos encuentran algo que habían perdido en su relación de manera extraña y reaccionan de manera opuesta a ése encuentro que genera un nuevo desencuentro que tendrá un desenlace indefinido pero que el subconciente dará por sobrentendido.
Un excelente film que no debe pasar desapercibido por lo significativo en una sociedad de actualidad conflictiva.

"La Ninfomanía" al límite del orgasmo y el placer depresivo

¿La ninfomanía es un mito ...?
En el libro "Una historia de la ninfomanía" de Carol Groneman, catedrática de Historia del John Jay College of Criminal Justice de la Universidad de Nueva York, la autora explora cómo ha ido cambiando el significado de palabra ninfomanía a lo largo de los últimos 200 años. Su investigación, nos descubre cómo la sexualidad femenina ha sido motivo de confusión o represión continua.
¿Por qué se cuestiona el interés excesivo de la mujer en el sexo? ¿Qué fundamentos existieron para clasificarla como una conducta inmoral y desdeñable?

Groneman nos conduce de la mano por la historia de las distintas concepciones que se han tenido de la ninfomanía como una enfermedad, o un trastorno mental.
La fuerte inclinación de una mujer hacia el sexo fue clasificada según los criterios masculinos de cada época, y ésos criterios han sido poco benevolentes hasta la actualidad, a pesar de que la palabra ninfomanía ha quedado en desuso. En el mundo contemporáneo se la sigue viendo como una enferma a cualquier mujer cuyo deseo sexual sea prioritario, hipersexual o adicta al sexo.
Una reflexión sobre el papel sexual de la mujer y lo incongruentes que resultan hasta ahora los razonamientos que condenan al disfrute sexual femenino, tan sólo porque se cree que debe ser mesurado para que no agreda la virilidad del hombre o vaya en contra de la tierna imagen maternal.

El director Thierry Fremaux, del festival de Cannes habló de Von Trier después de alguna disidencias que no quiso comentar al respecto del film del cineasta danés que había mostrado Nymphomaniac "La Ninfómana", no participará en el festival de Cannes del 15 al 25 de mayo de 2014, dado que el estreno mundial será en Dinamarca para el próximo 25 de diciembre de 2013 y la segunda parte se podrá ver en cines a partir del 24 de marzo de 2014.

El film erótico de Lars Von Trier con Charlotte Gainsbour, Stellan Skarsgard, Shia LaBeouf, Christian Slater, Jamie Bell, Uma Thurman y Willem Dafoe, Mia Goth, Connie Nielsen, Sophie Kennedy Clark entre otros de los protagonistas, es una película sexual al punto de alcanzar diferentes climax finales en sus 2 partes de largometraje de 2hs cada una con sexo explícito, sobre las distintas etapas en la vida sexual de una mujer en medio de dos hombres negros, donde el cineasta danés se divierte con sutiles metáforas eróticas donde cada miembro del reparto nos muestra el placer según sus diferentes caras con goces de expresivo orgasmo personal.

En el film "La Ninfómanía" relata la historia de Joe una mujer diagnosticada como auto-ninfómana, que repasa sus experiencias eróticas ante el hombre (Seligman) que le salvó la vida en una noche invernal después de ser golpeada y abandonada en la calle, tiene escenas cargadas de sexo explícito como saborear un aperitivo de turbias experiencias sexuales que supone un desafío interpretativo extremo.
El filme comienza a verse como pecaminoso con alguna misoginia, pero luego sentimos que se lleva hacia otra explicación más literaria con la presencia del viejo, quién contagia el tema del sexo con otras habilidades artísticas para expresar la incesante búsqueda del erotismo y del orgasmo en diversas formas.
Así comienza hasta sentirnos llevados hacia otra explicación más filosófica, con la presencia del viejo solterón, quién contagia el tema del sexo con otros elementos metafóricos como la mosca de la pesca y el fresno con hojas de corazón en la primera infancia para alegar que el erotismo aún es misterioso por sobre el concepto del amor inexistente y solo cuándo el amor es sólo lujuria con adición de celos.

En una escena kirst ambientada con sutil marco de una pintura erótica expresionista se desenvuelve el drama existencial de sus protagonistas en la liberación sexual que abunda en referencias artísticas, a la música, la religión y a la literatura.  
Sobre la ninfomanía recaen los planteamientos del film al abordar ciertos paradigmas encaminados a redefinir conceptos puramente sociales sobre cuándo se impone como bueno o lo malo, al proponer una aceptación del aberrante concepto de cierta maldad desde la infancia con pensamientos más profundos que a posteriori, se rebaten por los convencionalismos sociales, y que ofrecen una oportunidad al menos de reflexionar con planteos de una mente liberada más abierta.
El film incluye diversas escenas de sexo explícito, masturbaciones, sexo oral, sadomasoquismo, tríos, todo entre los personajes que siguen en diversos hechos en escenas dispersas, y que para las tomas más osadas se utilizaron dobles y genitales artificiales”, declaró el actor Stellan Skarsgärd.


Nymphomaniac es un film provocador, difícil de apreciar fácil a pleno, al ser la historia de una mujer, que de su primera satisfacción sexual desde niña ha vivido toda su vida atrapada por sus deseos carnales que la llevó a convertirse en una ninfómana con deseo compulsivo de tener relaciones sexuales sin lograr la satisfacción absoluta, una afección que cuánto más actividad sexual se tenga, menos sensación de satisfacción se obtiene, y para conseguir sentir satisfacción se lleva el sexo a límites depravados a un ámbito insospechado de un padecimiento de adicción, controlado por la mente poniendo en evidencia trastornos psicológicos emocionales y de sometimiento masoquista con estado depresivos.

"Ninfomanía"se desglosa en ambas partes en 8 capítulos.En el comienzo "El pescador experto" cuenta la competencia entre Joe y su amiga B, por lograr la mayor cantidad de encuentros sexuales en el trayecto de un tren. por el premio de una bolsa de chocolates..., ¡hay que pescar! en el capítulo 2, Jerôme es el hombre que hace flaquear el relajado mundo de Joe, cuándo parece sentir estarse enamorando. "El amor es sólo lujuria con adición de celos".  En el capítulo 3, una angustiada Joe comienza a enfrentar las consecuencias de su eterna juerga sexual. Un duelo familiar en el capítulo 4 y el preludio coral de Bach en órgano a tres voces en el 5.

En el 6:La iglesia oriental se refiere a la iglesia de la alegría, y la occidental a la del sufrimiento. Destruida, Joe se mira al espejo en el capítulo 7, y encuentra una arma en el 8 y cierra un final sorpresivo.
El recorrido textual a lo largo del film es una radiografía de la liberación sexual a través de referencias artísticas, musicales, literarias y la opresión de la iglesia. El tratamiento del film tiene aspectos de escenas con pureza fascinantes, pese a su tendencia hacia el lado caótico de sublecturas ocultas y algunas provocaciones exprofesas que Von Trier deja caer sobre su conocido antisemitismo, sin embargo Nymphomaniac es prueba de tener su realización un virtuosismo artístico de un cineasta que se mueve entre la carne y el espíritu, un artista perturbado que trabaja sobre el borde caótico de los sentimientos, entre las nociones de bien y mal, y un cineasta con valor poético que fluctúa entre el sonido que susurran las hojas al viento.
El film fue exhibido en el Festival Bafici del gobierno de la Ciudad de Buenos Aires en 2015

Parte 1a de versión completa en portugués

 

Parte 2a de versión completa en portugués

Los premios del Bafici 2015

"Court", del joven realizador indio Chaitanya Tamhane, fue elegida « Mejor película » de la Selección Oficial Internacional de la edición 2015 de BAFICI  y "La princesa de Francia", de Matías Piñeiro, mereció el mismo premio en la Competencia Argentina, cuándo con su cierre se dió a conocer la lista completa de ganadores de todas las secciones del Festival.

En la Competencia Internacional, el israelí Nadav Lapid mereció el premio « Mejor director » por su película "The Kindergarten Teacher"; el indio Vivek Gomber resultó elegido « mejor actor » por su trabajo en "Court" y la argentina Verónica Llinás obtuvo el título de « mejor actriz » por "La mujer de los perros".
Los premios especiales del jurado en ésta sección fueron para "Songs from the North", de Soon-Mi Yoo, y "Ela volta na quinta" de André Novais Olivera.
En la Competencia Argentina, José Celestino Campusano fue considerado « mejor director » por su película "Placer y martirio", e "Idilio" de Nicolás Aponte Aragón Gutter mereció una Mención Especial.
El resto de los premiados son : "Paseo" de Renzo Cozza, primer premio de la Selección Oficial de Cortometrajes ("Enfrentar animales salvajes" de Jerónimo Quevedo mereció el segundo premio, y "Atardecer" de Violeta Uman, el tercero) ; "Over the Years" de Nikolaus Geyrhalter (Austria) en la Competencia de Derechos Humanos ; "Léone, mère &  fils", de Lucile Chaufour (Francia) Gran Premio en « Vanguardia y Género » (allí también fueron elegidos "Letters to Max" de Eric Baudelaire (Francia) como « mejor largometraje » y "World of Tomorrow", de Don Hertzfeldt (EE UU) como « mejor corto »).

"Mommy" epítome de un adolescente incontrolable

Elenco; Anne Dorval (Diane (Die) Després), Antoine-Olivier Pilon (Steve Després)

Suzanne Clément (Kyla) y Patrick Huard (Paul Béliveau)                                                 Dir  Director: Xavier Dolan, Guionista: Xavier Dolan

Productor: Xavier Dolan y Nancy Grant

Música: Noia, Fotografía: André Turpin, Montaje: Xavier Dolan

Drama 2013, Canadá, duración 134 minutos

Mommy respecto a Steve encierra un tumultuoso complejo edípico porque para él, la madre es el deseo y el duelo como fuerzas motrices centradas en la reconquista: la recuperación del amor materno  filial y la adquisición de un espacio de libertad. Hay un encerramiento del complejo familiar con la permanencia de imagen cuadrada que lo ejemplifica el Director en permanencia que implica esa sensación de aprisionamiento en la que vive y siente Steve.

La madre habla por sus gestos de actuación, a través de su conflicto desesperado de una madre viuda que no consiguió enseñar y marcar los límites a Steve, su hijo adolescente al convivir en rebeldía de sus actos violentos en busca de libertad para la ruptura de barreras sociales preestablecidas, y la búsqueda de un aire que permita mayor amplitud a su patología compulsiva enfermiza se lo requiere, al concentrar un exceso de energía que rompe transgrediendo los límites de lo ordinario, en su comportamiento social.
Ese excedente incontrolable, que el propio director jóven Xavier Dolan de 26 años aplica en su filmografía con su quinta película de forma alterna como en (Yo maté a mi madre, Laurence Anyways y aquí), es la propia constitución psicológica al construir su propio personaje en propia raíz narrativa, incorpora el gesto autoconsciente en la figura materna para pedirle perdón, dado que él es el foco de conflicto y arrastra a su madre y su entorno, provoca resistencias en la actitud que no puede eludir de su conflicto psíquico.

Ante ésta situación de opresión y aislamiento de la adolescencia en erupción, en éste clima al sentirse aprisionado hay siempre una pulsión por el contacto con el mundo, encarnado en el tercer microcosmos cerrado en tres personajes, la madre, el hijo y una sensual Suzanne Clement, (la vecina Kyla) que ella misma con aparente timidez y tartamudez simboliza la disfunción de lo reprimido, que como ya lo anunciaba Freud, "es aquello necesario para el funcionamiento social".
Con ése defecto en el habla, tiene un agudo contraste con una subterránea ironía que denuncia Dolan respecto aquello que regula el orden social, porque ella alegoriza la fricción de Steve con el exterior. Un mundo que ya se encuentra defectuoso desde su propia existencia y Mommy tiene unas secuencias abrasivas en el comportamiento social  magistralmente ejecutadas cuándo trabaja los clímax emocionales que uno acaba desgarrado por el contexto del drama social al hacer un uso de los clichés, exacerbando las evidencias al límite de la parodia y ahí se posicionan las fracturas que ya emergen sustancialmente.
Un buen trabajo actoral y excelente dirección justifica satisfactoriamente para los más exigentes.

"Insurgente"

Insurgente (Insurgent, EE.UU./2015) / Dirección: Robert Schwentke / Guión: Brian Duffield, Akiva Goldsman y Mark Bomback, basado en la novela de Veronica Roth / Fotografía:Florian Ballhaus / Edición: Stuart Levy, Nancy Richardson /Música: Joseph Trapanese / Elenco: Shailene Woodley, Theo James, Miles Teller, Kate Winslet, Naomi Watts, Jai Courtney, Alsel Elgort, Zoë Kravitz / Distribuidora: Alfa Films / Duración: 123 minutos /

Insurgente, segundo de los tres libros de la saga Divergente, sufre por momentos del Capítulo del medio que falta terminar. Ya fueron presentados los personajes, y aquí hay que desarrollar los conflictos.
A su favor cuenta con que hay dos vueltas de tuerca tal vez inimaginables para quiénes se metieron de cabeza en la historia futurista, una de ellas al mejor estilo de "Los juegos del hambre".
Es una película de una saga intermedia y a Tris le costaba y mucho pasar las pruebas en el entrenamiento feroz con sus compañeritos -todos jóvenes y/o adolescentes-. Se tuvo que hacer valiente y practicar tirar un cross de derecha temible para luchar en ésta Chicago futurística, la única ciudad amurallada que quedó semidestruída y más o menos en pie después de una guerra, con una sociedad dividida en facciones: Abnegación, Osadía, Erudición, Verdad y Cordialidad, y Tris es la divergente porque encaja más o menos en cada una de ellas.

Con respecto a la primera película "Divergente" estrenada hace once meses, Insurgente tiene mejor desarrollo y efectos especiales en 3 D emocionantes, más persecuciones y está más volcada a la acción algo forzada.
La trama es más lineal -exceptuando las sorpresas- y mantiene ése costado pérfido y culpógeno de Tris, que siente que por su culpa asesinaron a sus padres.
Kate Winslet, como Jeanine, es la pérfida líder de Erudición, estaba desaprovechada en Divergente, y aquí, aunque se la pasa de pie y habla más que lo que actúa, y su personaje tiene más dramaticidad.

Hay otros personajes nuevos, y tanto Theo James (Cuatro) como invencible tiene el rol de héroe salvador de los opositores atacantes.
La linda Shaileen Woodley, luce más como la aguerrida Ripley en alguna de las películas de Alien. Conflictuada y tironeada como una Divergente se enfrenta a dos grupos entre explicaciones y más explicaciones, donde se busca a un sujeto "divergente" que pueda ser capaz de abrir una caja cifrada con un mensaje.
Puesto frente al desafío de la acción futurista de Insurgente, su director Schwentke apenas consigue imágenes trepidantes y no logra que funcionen las secuencias, caso en el escape inicial no resuelve lo verosímil de las velocidades de malos y buenos en la persecución alocada, y durante todo el relato la puntería de los tiradores es demasiado arbitraria. No obstante ello a los que gustan de propuestas tecno de futuro tendrán opción de sentirse entretenidos con satisfacción.  

50 sombras de Grey, a la sumisión

Una vez que la publicidad consigue el run-rum, comienza la fiebre por lo erótico que se va expandiendo por una base millonaria de venta del libro, se puede predecir y dar por descontado que mucha gente quiere ver lo más pronto posible para comentarla antes que nadie, y revelar los momentos eróticos a quiénes todavía no la vieron, es obvio que estamos hablando de 50 sombras de Grey: La pasión entre Anastasia Steele (Dakota Johnson), cuyas intenciones parecen ser morderse el labio y suspirar, es una estudiante avanzada de literatura inglesa todavía virgen, y Christian Grey (Jamie Dornan), un magnate galán de 27 años con un oscuro pasado y un presente dominado por traumas que lo lleva a obsesionarse con las prácticas masoquistas perversas de dominación, es narrada con canciones cuyos títulos resultan obvios ("I Put a Spell On You"; "I'm on Fire") en una banda sonora de Danny Elfman apelando a clichés del género erótico.
Así solo madres e hijas hablan de sexo fuera de la angustiosa y obligada charla educativa de la pubertad y además ayudadas con un muestrario de distintos juegos eróticos de gustos sexuales aparecen ritualizados para los mayores de forma fehaciente.
El maltrato machista adquiere la forma del sofisticadísimo y muy turbador 'bondage', como búsqueda de experiencias nuevas, que tanto gusta ser convertido en el puente snob que une a la adolescencia.

Hay esposas, palos y látigos y acumulación de azotes, flagelaciones y sometimientos entre el amo y la esclava en condición de sometida bajo contrato de acuerdo, que no son suficientes para convencer un erotismo donde no hay amor sino un tenor de setimientos fríos y fantasiosos sólo para ávidas jovénes iniciantes.
El realizador Sam Taylor-Johnson apela a la estética fotográfica de lujo irritante sobre yuppies narrando una historia que resulta involuntaria a lo ético, salvo en la escena de una "cena de negocios" entre los protagonistas en la que discuten los detalles y los alcances del contrato sadomasoquista que están por firmar al sometimiento de designio sexual al lograr un nivel de delirio y absurdo.

Recordemos algunas de las películas eróticas anteriores que fueron hitos allá lejos hace casi 30 años, una película quemó la cabeza de los adolescentes nacidos en los setenta: se llamó 9 semanas y media, dirigida por el hitero Adrian Lyne a los protagonistas Mickey Rourke, Kim Basinger con una canción de Randy Newman interpretada por Joe Cocker.
Otra película erótica más perversa y perturbadora de 1976 fue la japonesa de Nagisa Ôshima que se llamó El imperio de los sentidos (Ai no korîda) mucho más explícita con la famosa escena del huevo.
Ambientada en París una película de director italiano Bernardo Bertolucci con actor estrella estadounidense Marlon Brando y un músico argentino el Gato Barbieri fue el Último tango en París que se la identificó por la manteca.

  

Algunos cinéfilos se acuerdan de Betty Blue, "Emmanuelle", "La carne" de Ferreri, y "Crash" de Cronenberg que hicieron taquilla, pero es imposible no rendirse ante la película de Roman Polanski: "Perversa luna de miel", uno de los grandes títulos de 1992, cargada de juegos de seducción y erotismo sádomasoquista protagonizada por (Emmanuelle Seigner y Hugh Grant) quieren con su marido disfrutar su séptimo aniversario de bodas en un crucero, donde conoce a Mimi y su marido (Peter Coyote) en silla de ruedas, y éste le permite que la seduzca ante la escucha en su presencia, que aquí recordamos algunas escenas:

 

"La teoría del todo", y el precipicio del tiempo

"La teoría del todo" Título original: The theory of everything. Dirección: James Marsh. Género: Biopic, drama, romance. Interpretación: Eddie Redmayne (Stephen Hawking), Felicity Jones (Jane Hawking), Emily Watson (nurse), Charlie Cox, Simon McBurney, David Thewlis. Guión: Anthony McCarten, Producción: Tim Bevan, Eric Fellner, Lisa Bruce y Anthony McCarten. Música: Jóhann Jóhannsson. Fotografía: Benoît Delhomme. Montaje: Jinx Godfrey. Diseño de producción: John Paul Kelly. Vestuario: Steven Noble. Distribuidora: Universal Pictures, duración 123 minutos, Reino Unido 2014. Calif. MB.

La Teoría del Todo es una biopic de la vida del físico Stephen Hawking una de las mentes más brillantes de nuestro tiempo donde explora el conocimiento que sentó su teoria del universo en contradicción con la creación del universo por la creencia en Dios, y como telón de fondo acompaña el romance entre Stephen Hawking y su matrimonio con Jane Wilde.
Basada en la novela "Hacia el Infinito" según las memorias de Jane Wilde que fuera su primera esposa, éste melodrama narra de forma íntima desde su boda, y poco después el diagnóstico de la enfermedad motora, haciendo hincapié en el deterioro progresivo de sus facultades neurológicas y físicas de Hawking, que erosionan de forma gradual e irremediable a la pareja. De ésta forma, Jane tiene que tomar fortaleza ante su debilidad para crear empatía por su abnegación y sus deseos de buscar una vida distinta cuándo todo había claudicado, gana protagonismo a medida que aumenta el deterioro físico de Stephen y lucha por sacarlo adelante (la secuencia en la que le enseña a hablar pestañeando, puede que sea lo más emotiva del film) para que él pueda continuar trabajando a pesar de sentirse agotada y dispone la companía de una nurse que motivará sus sentimientos.

La parte más meritoria de la película se sustenta en las interpretaciones de Eddie Redmayne y Felicity Jones, ganó el premio como mejor actriz por su nivel interpretativo, sumado a los mínimos detalles que identifican la realidad de Stephen Hawking en su dolor y lucha interna entre el aguante y la claudicación.
La historia pone énfasis en el amor y el desamor, y deja de profundizar en los logros de toda una vida dedicada a la ciencia y en la superación a sí mismo como hombre cuyo diagnóstico inicial de su enfermedad le tenía asignado dos años de vida, a pesar de ello tuvo que desafiar a su parálisis de esclerosis lateral amiotrófica en una silla de ruedas, desde allí contribuye de forma brillante con sus teorías a nuestro conocimiento del universo frente a Dios.
El film opta a 5 premios Oscar, entre ellos los de mejor película, mejor guión adaptado, mejor actor para Eddie Redmayne -que ya consiguió el Globo de Oro- y si no se lleva el premio máximo de la Academia, difícilmente lo haga en los próximos años, porque su trabajo actoral lo merece.
La película de James Marsh tiene excelencia al centrarse en acercarnos a la vida privada angustiante de Stephen Hawking, teórico y divulgador científico británico que cambió la historia de la ciencia con la tecnología moderna desde su sofisticada silla de ruedas signado por la esperanza.