La 14ª edición del Festival de Cine Alemán en Buenos Aires

German Films ha realizado una selección de lo más destacado de la producción alemana, un total de 18 películas y 14 cortometrajes que integran un muestrario de las diferentes estéticas cinematográficas para todos los públicos.

En su edición 14° el Festival se enorgullece en contar con la tradicional sala de Village Cines Recoleta y agregar una nueva sede que es el Arte Multiplex Belgrano transformándo en un clásico y esperado evento cultural de la ciudad.
Los films se exhiben en pre-estreno en Argentina y dentro de la selección programada se destaca el último film de la directora Doris Dörrie “Todo incluido”./ “Exit Marrakech”, de Caroline Link obtuvo un Oscar por su film ”En ningún lugar de áfrica”.
De Xavier Koller ganador del Oscar con “Viaje a la esperanza”, y presentaremos también “Los hermanos negros”, un film para disfrutar toda la familia. Proyectaremos además “Entre Mundos”, de la directora Feo Aladag, quién presentó “La extraña” en el 10º Festival de Cine Alemán y participó en la competencia internacional del festival de Berlín.
La historia alemana, tema habitual del cine germano, no podía estar ausente en la muestra, por un lado se verá Otra Heimat – Crónica de una visión - (Die andere Heimat - Chronik einer Sehnsucht) del veterano realizador Edgar Reitz, especie de precuela de la célebre serie Heimat, originalmente concebida para la televisión y que tiene lugar en el siglo diecinueve. Wolfskinde transcurre inmediatamente después del fin de la Segunda Guerra Mundial con niños alemanes, aludidos en el título, en territorio de Lituania y la presencia de soldados rusos y guerrilleros ucranianos.
En la sección documental del festival se presentará "Art War", de Marco Wilms, y en la sección de cortometrajes NEXT GENERATION Short Tiger 2014.
Para el cierre del Festival de Cine Alemán, el Goethe-Institut convoca con un título destacado del cine mudo alemán. el clásico de la cinematografía mundial: “El gabinete del Dr. Caligari” (1927), de Robert Wiene, con acompañamiento musical en vivo a cargo de Marcelo Katz y Mudos por el Celuloide.

"Que extraño llamarse Federico"... recordando al maestro

(Che strano chiamarsi Federico, Italia/2013). Dirección: Ettore Scola. Con Tommaso Lazotti (fellini jóven), Maurizio De Santis (fellini mayor), Giacomo Lazotti (scola niño), Giulio Forges Davanzati (scola), Ernesto D'Argenio (Mastroiani -Marmeli Barbara), Emiliano De Martino (Maccari), Fabio Morici (G.Mosca), Carlo Luca De Ruggieri (Alvaro da Torre), Antonella Attili (Prostituta) Vittorio Viviani (narrador). Producción: Eugenia Ricceri. Guión: Ettore Scola, Paola Scola y Silvia Scola. Fotografía: Luciano Tovoli. Música: Andrea Guerra.Vestuario: Massimo Cantini Parrini. Edición: Raimondo Crociani. Dirección de arte: Cristina Di Paolo Antonio. Diseño de producción: Luciano Ricceri. Productoras: PayperMoon Italia, Cinecittá Luce y Studios, Rai Cinema, Cubovisión, Telecom Italia. Distribuidora: Zeta Films. Duración: 96 minutos.

En octubre se cumplieron los 20 años de la muerte del creador de "Los inútiles" y "Amancord" y es estrenado "Qué extraño llamarse Federico" una biopic como el reflujo de la vida misma y una mirada de su mundo interior, más una imágen recreativa de lo que fue y lo que pensaba para ser un cineasta magistral, así como decía "si la vida es una fiesta, vivámosla juntos como tal", deja una nostalgia extraña con la sensación de dedicado tributo con momentos muy emotivos.

A los 83 años, Ettore Scola concretó éste homenaje a Federico en el que se combinan elementos ficcionales y documentales y el resultado es un patchwork, como collage fílmico que probablemente convenza y hasta emocione a los fanáticos acérrimos tanto de quién homenajea como del que es homenajeado.
Así el comienzo como su final la escena es la misma, Fellini sentado de espaldas en una supuesta playa mirando hacia el horizonte de un decorado marítimo, en una perspectiva que parece mirar hacia lo desconocido o inalcanzable pero como buscando ésas direcciones inesperadas sobre el mundo en que se manejaba y conseguir convertirse en la personalidad más creativa de la Roma sesentista.

Narrada en tercera persona la película es una evocación iniciada con Fellini en sus últimos años de vida de espalda mirando al mar mientras recita en español un poema "De otro modo" de Federico García Lorca que termina aduciendo con la frase "que raro que me llame Federico", que luego de la toma del ocaso la historia pasa en ByN, y el narrador inicia el relato con la llegada de Fellini a Roma como dibujante en la revista satírica Marco Aurelio donde después conoce a Scola como compañero y su admirador.

En ése viaje nostálgico conforma de pensar las fantasías y audacias de Fellini que tenía desde el trabajo periodístico en la revista satírica Marco Aurelio de mayor éxito en 1939. Scola entró tiempo después en la redacción y ambos compartieron sus trabajos de ingeniosos caricaturistas donde el film muestra sus distintos ángulos de sus retratos de como reacionaban junto a los que los rodeaban en ésa tarea gráfica. Poco a poco el film nos muestra que la imaginación de Fellini no tenía límites y era capaz de subvertir las cosas hasta el exceso y la exageración.
Su vida estuvo allegada siempre a los estudios Cinecittá que los solía frecuentar hasta para ver otros directores filmando y que también fuera la capilla ardiente con su féretro en el año 1993, estuviera representado de una manera que pareciera que Fellini trata de vengarse del tiempo que pasó inexorable sobre su vida, con lo cuál Scola quiso huir de las tristezas presentando un Fellini divertido é irónico, inquieto y seguro de su propio talento interpretado en su juventud por Tommaso Lazotti.

El film  compuesto de fragmentos en cuáles alternan escenas de sus películas más importantes y reconstruye situaciones con imágenes de archivo de la RAI Teche y del Instituto Luce con escenas de sus salidas nocturnas con su amigo, donde invita a subir a su auto a una prostituta que narra su triste historia de su vida o se encuentra para charlar con un pintor de tiza callejero que hace retratos santos, convencido que la certeza real elimina la inspiración al interpretar el mundo desbordado, provocativo é irónico.

El film revive una antología nostálgica que semblantea la amistad y la creatividad en su escencia misma que implicó al cine para ambos, y que recuerda como se puede extrañar un amigo de "La dolce vita" (1960) con un álbum de imágenes reunidas con la intención siempre de su vida alegre, que también lo acompañó Scola con sus films como "La Vida Fácil" (1962) y "Un día muy especial" (1977). Además quién fuera considerado como su alter ego Marcello Mastroiani está presente en la famosa escena de la Fontana de Trevi con Anita Ekberg en la "Dolce Vita", son premonitoras de las situaciones vividas.
Es así que Scola siempre vió sus peliculas con admiración y ternura y lo recuerda como amigo como un Pinocho grande, que nunca llegó a ser niño de buen comportamiento.

Ésta visión íntima y episodios que vivieron juntos se muestran a travéz de raconttos en el tiempo marcados por los cambios de color y ByN con la fotografía de Luciano Tovoli a lo largo de 94 minutos con sus variadas anécdotas que ambos hacían por la noche para combatir el insomnio fueron el motivo de inspiración, como la prostituta que se evoca en "Las noches de Cabiria" (1957). 

El guión de "que extraño es llamarse Federico" fue escrito por Scola en Trevico natal (1931), en colaboración con sus hijas Paola y Silvia (2010) donde intentan acercar los primeros encuentros entre ambos directores para entender sus similitudes desde donde ambos también compartieron su pasión por dibujo humorístico y de viñetas y su afición por el gato Fénix.

Tanto Fellini como Scola compartieron la amistad con los guionistas Age Scarpelli y Ruggero Maccari, con el actor Alberto Sordi y su privilegiado Marcello Mastroianni que trabajó para ambos y que se distinguió en la escena de la Dolce Vita en la Fontana de Trevi como la película que sorprendió al mundo cinematográfico, y mucho tiempo después al anunciar su regreso rindiéndole un sensible homenaje a su gran amigo.

"Relatos Salvajes" de Szifron

Tragicomedia negra con guión y dirección: Damián Szifrón.
Elenco: Ricardo Darín, Erica Rivas, Oscar Martínez, Leonardo Sbaraglia, Darío Grandinetti, Rita Cortese y Julieta Zylberberg.
Música: Gustavo Santaolalla.
Fotografía: Javier Juliá.
Distribución: Warner Bros, duración 122 minutos.
En "Relatos salvajes" son seis historias independientes, narradas sin artificios en secuencia de montaje continuo con diferentes temas, pero en todos los casos, se pone la mirada desgarradora en sus personajes que pierden el control y liberan su ira en situaciones reales que responden a los problemas de las frustraciones de la civilidad urbana, y la burocracia hace sentir el gusto a rabia, frente a la impotencia de la corrupción social donde se descubre la doble moral, sus contradicciones que inspiran su lado irracional de animal salvaje como ésa especie de reclamo metafórico de la justicia inexistente y aquella que podría ser por mano propia. Con certera puntería está el caso de "Bombita" un experto en explosiones que es víctima inocente hastiado por la burocracia oficial en una gran ciudad.

Con un humor negro salvaje en la versión criolla, los Relatos muestran cuán feroz puede ser una persona que se cansa de la irracionalidad de las leyes de tránsito, (Ricardo Darín) como el antihéroe que tiene que llegar a tiempo para el cumpleaños de su hija, explota su indignación ante el manoseo y decide tomar su revancha; así también en "Hasta que la muerte nos separe" una mujer manda todo al demonio cuándo está a punto de cumplir el mandato judío de casarse y ser feliz, (Erica Rivas) descubre que su flamante marido (Diego Gentile) la engaña con una amiga asistente a la fiesta, opta por tomar su venganza, ó cómo la moza de un bar tiene que lidiar con la hostilidad de un comensal pendenciero

usurero (César Bordón), tiene en vilo y culpable del suicidio de su padre (Julieta Zylbererg), ocurre en"Las Ratas" otra variante sobre la venganza manifiesta en un viajero que recala en un parador en la ruta donde una cocinera está decidida a tomar medida por su cuenta, cuándo conoce la injusticia que no tomó merecido castigo frente aquellos malditos que paguen por sus crímenes.

La irritabilidad social está presente en "Pasternak" con (Darío Grandineti) que transcurre en un avión cuyos pasajeros conversan y descubren que todos tienen algo más en común entre ellos, que el hecho de haber subido al mismo vuelo, los llevará a un final sorpresivo e imprevisible.
La irresponsabilidad de un jóven de clase alta atropella a una mujer embarazada causando su muerte, "En la propuesta" sus padres millonarios (Oscar Martínez) y (María Oneto) llaman a su abogado (Osmar Nuñez) para arreglar una salida negociada con el fiscal para hacer cargo al jardinero (Germán De Silva) del accidente. En ése tráfico de influencias donde se quiere sacar provecho del poder afloran la corrupción, la mentira, y la codicia desbordada por los intereses de una moral decadente dejando como meta mensaje una alerta para alexionar.

El prejuicio en las diferencias sociales asoma en "El más fuerte" un relato simple pero de violencia contundente que crece con la interpretación de (Leonardo Sbaraglia) y (Walter Donado) con todo vigor.
Así en todos los casos el humor aligera la tensión que producen los trazos gruesos de crueldades del desatino social, para descomprimir a la gente su sombra de culpa, frente a las coléricas extremadas reacciones.
En los créditos del film se acompañan animales salvajes creados por el talentoso director sea él "zorro", y a los que identifica a los actores con cada tema, en ése salvajismo más inverosímil que enfrenta con delirio a cada uno de los personajes a raíz de crisis emocionales que les tocan vivir, y llegar a convertirse en verdaderos salvajes de sentimientos inconfesables.

En el Festival de Cannes fue muy bien recibida con mucha concurrencia en la sala Lumiere que brindó una emocionante ovación al film de Damián Szifrón, "Relatos Salvajes" junto al elenco con Ricardo Darín, Oscar Martínez, Leonardo Sbaraglia, Erica Rivas y María Marull y los productores Hugo Sigman, Pedro y Agustín Almodovar y Matías Mosterín.
A la salida de la función recibió comentarios superlativos y auspiciosos para el film en competencia excelente como así también lo manifestó la prensa mundial para llegar a constituírse en un gran éxito cinematográfico mundial.

Aunque el film no gane ningún premio el tener participado en el festival de Cannes es provechoso para la pelicula y su director y para la crítica es auspiciosa y no hace falta reconocerlo ya que ésta película es la producción latinoamericana más importante en el 2014 y se posiciona como la favorita al representar Argentina en la competencia por el Oscar, a la Mejor Película de Lengua Extranjera.
El film será distribuído por Warner Bros en América, España y Francia y por Sony en los EE.UU, Australia y Nueva Zelanda.
Su estreno en Buenos Aires será el 21 de agosto.

 

"Aire libre" y la relación del astío

"Aire Libre"(Argentina/2014)/Dirección: Anahí Berneri/ Guión: Anahí Berneri y Javier van de Couter/Fotografía: Hugo Colace/ Música:Sebastián Bianchini y Nahuel Berneri/ Edición:Eliane Katz/ Sonido: Catriel Vildosola/ Elenco: Celeste Cid, Leonardo Sbaraglia, Máximo Silva, Fabiana Cantilo, Lorena Vega, Marilú Marini, Erica Rivas, Juan Bautista Greppi, Pedro Merlo, Naim Sibara, Alejandro Catalán y Rodolfo de Souza/ Duración: 95 minutos/ Calificación apta para mayores de 13 años.

Cuándo el aire contaminado en el matrimonio se hace denso, se respira así en el cuarto largometraje de Anahí Berneri (Un año sin amor (2005), Por tu culpa, 2010), sobrepone a los problemas cotidianos que amplifican sin sentido junto a las miserias y la violencia contenida que invade la vida en pareja, entre Lucía una arquitecta (Celeste Cid) y Manuel (Leonardo Sbaraglia), al planificar mudarse a un derruido caserón en las afueras de la ciudad para continuar su vínculo anhelado al menos bajo un techo, a pesar de una guerra de nervios que genera la rutina, con su hijo rebelde Santi (Máximo Silva) que apenas puede abstraerse de los conflictos que lo rodean por la sobreproteción de su abuela, interpretada por la cantante Fabiana Cantilo (y ajustados personajes secundarios de Lorena Vega, Alejandro Catalán y Marilú Marini).
Manuel quiere escapar del astío refugiándose en una vida fuera del entorno familiar, es arquitecto y socio de un bar, motociclista ocasional, y amante furtivo a escondidas.
Sbaraglia juega con cierta ambigüedad haciendo inquietante y creíble su frustración que aparece en cada gesto y frases que pronuncia con intolerancia. Cid tiene encanto y sensualidad para reconstruir el proyecto

de un lugar que necesita para vivir, podría darle ése nuevo aire que no consigue sino que derrumba los sentimientos con la disidencia entre ambos, y agudizan en cada escena los pormenores de ésa disolución que se manifiesta con tensión en cada conversación, de todos los intentos fallidos por la indiferencia de reconvertir una sexualidad insatisfecha, y en terapia intensiva pone en juicio la infidelidad.
Así Lucía y Manuel se lastiman, y observan impávidos su propia crisis, la niegan y la corporizan en inútiles catarsis al no decidir enfrentarla con un diálogo esclarecedor.
Aire libre es un film realista-costumbrista que convierte a los matrimonios que no asumen los peligros que los acechan en irrespirable y su erotismo se desvanece en la relación amorosa, apagándose de manera abrupta en progresiva desintegración.
La directora Berneri ya habituada a transitar sobre problemas individuales frustrados en sus trabajos anteriores describe con lucidez la trama y opina "yo tambien me reconozco como parte de una generación a la que nos cuesta mucho madurar. Somos adultos y fuera de rol ...", (nacida en 1975, madre de dos hijos y casada con el productor de cine Diego Dubcovsky), que resuelve sobre el final dejar irresuelto el conflicto, bajo la concepción personal que califica un buen film.

"La ley del más fuerte"

TITULO ORIGINAL: Out of the Furnace

ACTORES: Christian Bale, Zoe Saldana, Woody Harrelson. Casey Affleck, Willem Dafoe, Forest Whitaker.

GENERO: Suspenso , Policial , Drama .

DIRECCION: Scott Cooper.

ORIGEN: Reino Unido, Estados Unidos.

DURACION: 116 Minutos

En Estados Unidos durante un periódo de desempleo en Rust Belt, Russell Baze trabaja en una acería que está por cerrar, mientras que Rodney es un exveterano de guerra, pero ambos sueñan con salir de éste pueblo desafortunado y buscar una vida mejor, pero la vida le juega una situación cruel que dará un giro a sus destinos y hará que Russell vaya a prisión y que Rodney que se formó para la fuerza como combatiente no sabe otra cosa que recibir golpes, para buscar mejorar su posición irá buscar enfrentar una pelea en donde no previene que la misma lo encontrará inmerso en una violenta banda criminal que trastocará su destino.

"La ley del más fuerte" es una historia clásica de venganza de acción con una trama que a partir del momento en que se presenta el conflicto central hasta llegar a un final previsible mantiene la tensión, sin embargo el principal atractivo de suspenso que crea su clima permite disfrutar ésta historia con las interpretaciones de los protagonistas de Bale y Woody Harrelson, se lucen en el rol de un delincuente despiadado y cruel donde será vengado.

El director Cooper narra bien el conflicto en un contexto en el que se desarrolla la deprimente vida de los protagonistas, que tiene como escenario un pueblo de Pennsylvania donde la ley está acotada y prevalece la justicia por mano propia.

Así nos recuerda la película El francotirador, de Michael Cimino, por la manera en que Scott Cooper retrata a la clase trabajadora de ése lugar en tiempos de la crisis siderúrgica y que sus protagonistas vivirán el desamparo y la soledad al ver que su vida se extingue.

La justicia policial es solo preventiva en un Estado decadente y no actúa y se rige por un código primitivo de la ley del ojo por ojo.

Ante ésta situación la cacería humana cobra sentído ante la búsqueda del asesino que se transforma en cazador buscando su presa para un ajuste de cuenta.

La ley del más fuerte cobra vigencia en el interior norteamericano con un relato despiadado y una fotografía cruda marcada por la dureza de sus personajes que acompaña una música melancólica de Pearl Jam cierra el marco triste del devenir del triste destino.

"Gato Negro"

GATO NEGRO (Argentina/2013). Dirección y guión: Gastón Gallo, Fotografía:Claudio Beiza. Edición: Francisco Freixá. Músico: Iván Wyszogrod. Dirección de arte: María Eugenia Sueiro. Elenco: Luciano Cáceres, Luis Luque, Leticia Brédice, Roberto Vallejos, Lito Cruz, Favio Posca, Paloma Contreras, Guillermo Arengo, Germán De Silva. Distribution Company. Duración: 120 minutos.

Gato Negro cuenta la vida de Tito Pereyra, un chico argentino que viene de Tucumán en 1956 que abandona a su madre criado en la pobreza y su niñez marginada, para llegar a la metrópoli porteña cuyos contrastes con su rebeldía y su conflicto interior de ansiedad y ambición permanente marcarán su destino de manera particular.
En ése transcurrir toma decisiones que le cambiará la vida para siempre como un ser humano lleno de luces y sombras, la vida lo llevará como un sobreviviente desde su infancia a la adultez, luchará por torcer su destino en una sociedad que le es hostil, impulsado con su enorme esfuerzo y ambición logrará abrirse camino como personaje que se mueve con gran omnipotencia, lo que le permitirá crecer arriesgándolo todo, tendrá un final imprevisible.

En la gran metrópoli vivirá de adulto en un conventillo compartiendo su habitación con ladrones que sueñan con el robo perfecto, sin embargo Tito prefiere trabajar en las fábricas, pero siempre atento a cualquier oportunidad en su afán de progresar, y no se preocupará si ésos avances son lícitos y no dejará de participar en negocios turbios.
La cuidada dirección de arte en Gato negro reconstruye la primera mitad del siglo XX

hasta entrado el gobierno de Alfonsín, donde en ésa épocas se suceden una cabalgata de costumbres, modas y vaivenes político-sociales que el film remarca en busca de una construcción que tuviera también anclaje en la historia argentina reciente.
El cine argentino contemporáneo se encuentra mucho más vinculado a la urgencia cotidiana que a la reconstrucción histórica, con lo cual éste esfuerzo es loable en su matriz visual y debe valorarse, donde la épica del hombre común y la ambición desbordada se conjugan como elementos del relato, pero ahí el film del debutante director Gastón Gallo naufraga por exceso de ése relato de su protagonista, que tendrá la oportunidad de depurar su estilo hacia un camino promisorio al dejar una primera buena factura. Lo secundan al personaje algunos buenos intérpretes secundarios con carisma como Juan Acosta, Pompeyo Audivert, Eduardo Cutuli.

"EL CRÍTICO" ... patético

EL CRÍTICO: (Argentina-Chile/2013). Guión y dirección: Hernán Guerschuny.
Con Rafael Spregelburd, Dolores Fonzi, Ignacio Rogers, Telma Crisanti y Ana Katz. Fotografía: Marcelo Lavintman. Música: Juan Blas Caballero. Edición: Agustín Rolandelli. Dirección de arte: María Eugenia Sueiro. Sonido: Emiliano Biaiñ y Jésica Suárez. Distribuidora: Buena Vista International. Duración: 98 minutos

Es una comedia romántica ácida ante situaciones disímiles encontradas donde se habla del mundillo de exhibiciones "para el medio" a los críticos con algunos tics sumados a desayunos previos, con una trama que si bién también hace a una reflexión acerca de los prejuicios de la intelectualidad, que a veces la ambiguedad, enlaza las relaciones humanas. Víctor Téllez (Rafael Spregelburd), un crítico severo demasiado patético influido por la nouvelle vague de Godard (y hasta sus pensamientos -en off- en francés) harto de las comedias edulcoradas se burla con ironía y convencido que lo mejor del cine arte se terminó, producto de su oficio padece lo que él denomina La Maladie du cinema (algo asi como la enfermedad del cine) y que él no puede evitar criticar, trabaja para un diario en que le cambian los textos y recortan sus notas, vive agobiado sólo en un departamento de bajo nivel, neurótico, malhumorado, huraño, cínico, prejuicioso y negador, y es un antihéroe perfecto que rie del snobismo y parodia al cine convencional.
En su ansiosa búsqueda por un nuevo apartamento conoce inesperadamente a Sofía (Dolores Fonzi), una bella y atractiva mujer viajera que tiene poco que ver con su buen gusto y el cine. Pero el azar se encarga de encontrarlos circustancialmente una y otra vez en situaciones extrañamente idílicas y Téllez intenta escapar de lo que aborrece pero sospecha que el género romántico en el cine que más odia, le está tendiendo una simple revancha en los efluvios del amor. 

Siempre es difícil la crítica para un crítico y a veces resulta aún más para otro cuándo la ambiguedad de la vida le hace ver lo que odia y no quiere como una película que criticaría y quedar atrapado a lo que no le pertenece, al evidenciar contraponer la mirada adolescente a la del entretenimiento y de la intelectualidad periodística, cuándo los críticos desconocen información básica de las condiciones de trabajo de producción de una película, haciendo referencia de ello al transcurrir por éste medio al que pertenece éste redactor que mira a un crítico con conocimiento de causa de quién se pasó treinta años sentado (en una butaca mirando cine, en un café con sus colegas, o en su escritorio escribiendo).
Con una buena actuación enigmática y algo apática y una acertada dirección el film termina decayendo hacia el final en el transcurso de su duración, de forma un tanto insatisfactoria y abrupta al quedar la sensación después de verla como una gran oportunidad desperdiciada para redondear una buena película a pesar que el género romántico siempre emociona.