¿Qué invadimos ahora?

¿Qué invadimos ahora? (Where to Invade Next, Estados Unidos/2015).
Guión y dirección: Michael Moore.
Fotografía: Jayme Roy y Richard Rowley. Edición: Pablo Proenza, Woody Richman y Tyler Walk. Distribuidora: Diamond Films. Duración: 120 minutos.
El controvertido y popular documentalista estadounidense vuelve con otro filme crítico sobre lo bien que se vive en Europa y lo mal que se vive en EEUU.
La premisa de Moore es la política exterior en creer lo que es correcto ó cuál debería serlo como el camino a seguir, para ello viaja en su búsqueda a distintas ciudades europeas unas diez, donde recopila las cosas que podría copiar y llevar a Estados Unidos para mejorar su situación imperialista. Plantea un alegato jovial con humor optimista frente a las graves carencias en materia social en la vida norteamericana.

En su recorrida encuentra que la educación finlandesa, el sistema carcelario noruego, la alimentación en los colegios primarios franceses y la conciencia cívica de los fiscales islandeses, y para conocer éstos asuntos Moore realiza las entrevistas más concesivas dejando que los responsables reportados hablen sin atisbar un espíritu crítico pero más contemplativo.
Simboliza con la bandera norteamericana en mano clavarla en cada país parodiando la necesidad yanqui de plagiar a otras culturas.

"Michael Moore in TrumpLand" anunció el estreno de su film político sobre las elecciones en el IFC Center de Nueva York.
El ganador del Oscar se adentra directamente en territorio hostil con su espectáculo arriesgado e hilarante, en el corazón de la tierra de Trump semanas antes de las elecciones de 2016" con 73 m de duración de su film que provocará un efecto impacto en el electorado en las presidenciales de los norteamericanos el 8 de noviembre.
¿Quién quiere echar un vistazo a lo que he estado preparando?" lanzó, los tickes para ésta ocasión son gratis.
La sinopsis oficial del filme sostiene que el proyecto es una repetición de la obra de teatro que Moore esperaba tener llevado a cabo en Ohio.

Moore ganó el Oscar al mejor documental en 2003 por "Bowling for Columbine" y  volvió a competir en la misma categoría con "Sicko" (2007), una historia que denunciaba las facturas del sistema sanitario estadounidense. De sus obras también se destaca "Fahrenheit 9/11" (2004), que llegó a recaudar 119,1 millones de dólares en las salas, convirtiéndose en el documental más extitoso de Estados Unidos. También son conocidos sus films "Capitalism: A Love Story" (2009) y "Where to Invade Next" (2015).

"INFIERNO", trás el virus de la muerte

"Inferno" (Estados Unidos/2016). Dirección: Ron Howard. Elenco: Tom Hanks, Felicity Jones, Sidse Babett Knudsen, Irrfan Khan, Omar Sy y Ben Foster. Guión: David Koepp, basado en la novela de Dan Brown. Fotografía: Salvatore Totino. Música: Hans Zimmer. Edición: Dan Hanley y Tom Elkins. Diseño de producción: Peter Wenham. Distribuidora: UIP (Sony). Duración: 121 minutos. Apta para mayores de 13 años.

Despúes de "El Código Da Vinci" (2006) y "Ángeles y demonios" (2009), Ron Howard dirigió ésta tercera saga de aventuras de un thriller psicológico experto en simbología y arte religioso.

Robert Langdon (Tom Hanks), sobre los best sellers del escritor Dan Brown y con la transposiciones previas del guión de David Koepp, la narración de éste experimentado cineasta artesano Howard y con la actuación hollywodense de Hanks, parece haber hecho con el manual del género detallado y con piloto automático, una película precisa sin que nada se salga de su descripción original.

Langdon aparece en el hospital de Florencia, Italia, con heridas en la cabeza atravesando una amnesia extendida. Allí recibe la asistencia de una joven enfermera llamada Sienna Brooks (Felicity Jones), pero mientras intenta reconstruir el pasado reciente del profesor, una mujer sicaria vestida de policía los ataca para matarlos, así intentan escapar de ésa asesina misteriosa de una organización mafiosa y también de la Organización Mundial de la Salud que lo buscan para rescatarlo de la mafia porqué como profesor conoce el virus por el que luchan obtenerlo en una cápsula que posee.

Los peligros aparecen y se enfrentan a la inminente propagación del virus lanzado por Bertrand Zobist (Ben Foster), un delirante genetista multimillonario obsesionado por la sobrepoblación que quiere destruir para acabar con la mitad de los habitantes del planeta, según la veta apocalíptica ligada en la simbología oculta sobre los círculos infernales en la Divina Comedia, de Dante Alighieri y según el mapa del Infierno, la pintura de Sandro Botticelli.

Pero Langdon en el film conseguirá lucirirse después de una gran persecución descifrando el enigma justificado según un guión pautado con acertijos, los  diversos personajes se darán vuelta desistiendo justificar deducciones y habrá alguna que otra dosis adrenalínica de acción por las calles de Florencia, Venecia o Estambul, pero "Inferno" nunca deja de ser un ejercicio de género policial achatado, sin ironía ni riesgo.  

"El Ciudadano Ilustre"

Es la historia de un escritor argentino que recibe el Premio Nobel de Literatura después de 40 años que se fue de su pueblo a Barcelona, allí triunfó escribiendo sobre su ciudad natal y sus personajes, y en la cúspide de su carrera, el intendente de su pueblo natal lo invita para nombrarlo ciudadano ilustre aceptando ir solo y a su llegada se desencadenan una serie de situaciones imprevistas de su figura y el pueblo. 

"El ciudadano ilustre" es un film mordaz y nada complaciente con el discurso que Daniel Mantovani (Oscar Martinez) tiene que ofrecer ante la Academia y los reyes de Suecia para recibir el premio Nobel de literatura, donde expone varios temas que sobrevuelan al resto del relato, que habla de ésa consagración meritoria como “el ocaso” del artista.

"El ciudadano ilustre" (Argentina-España/2016). Dirección y fotografía: Mariano Cohn y Gastón Duprat. Elenco: Oscar Martínez, Dady Brieva, Andrea Frigerio, Nora Navas, Manuel Vicente, Julián Larquier, Belén Chavanne, Gustavo Garzón, Emma Rivera y Marcelo D’Andrea. Guión: Andrés Duprat. Música: Toni M. Mir. Edición: Jerónimo Carranza. Diseño de producción: María Eugenia Sueiro. Distribuidora: Buena Vista International. Duración: 118 minutos.

Contada en cinco capitulos;

Trás cinco años que Mantovani está radicado en Barcelona, durante ése lapso no ha escrito más que obituarios, presentaciones y prólogos, y en su rutina diaria consiste en pedirle con desdén a su asistenta (Nora Navas) que rechace todas y cada una de las múltiples invitaciones que recibe. Sin embargo, una de las cartas despierta su atención: el intendente de Salas, su pueblo natal al que no ha regresado en los últimos cuarenta años (y que ya es un sexagenario), lo invita a participar en los festejos del lugar y a recibir la medalla de “Ciudadano ilustre”. Trás una negativa inicial, termina accediendo a viajar a su ciudad natal, ubicado a 700 kilómetros de Buenos Aires.

Un tortuoso viaje lleno de imprevistos hasta llegar a Salas, donde su visita será homenajeada paseado en el camión de bomberos como poco menos que el enemigo público número uno, típico de los pagos pueblerinos, conocido como "pueblo chico, infierno grande".
En éste regreso del hijo pródigo poco triunfal se encontrará con un aspirante a escritor (Julián Larquier) que trabaja en la recepción del gris hotel en el que se hospeda, una joven atractiva groupie que no tardará en meterlo en problemas (Belén Chavanne); Antonio (Dady Brieva), su mejor amigo del colegio; y su ex novia Irene (Andrea Frigerio), ahora casada con Antonio.

Aparecen también el intendente del pueblo peronista (Manuel Vicente), el patotero Florencio Romero (Marcelo D’Andrea), que intentará desacreditarlo por todos los medios creándole situaciones vergonzantes. En la inauguración de una escultura artística sobre su persona le creará una sobre crisis existencial sobre el conformismo y el absurdo pueblerino, sobre la libertad del artista, y los peligros de revisionar su pasado, sobre el éxito y los ideales, sobre todo la mediocridad social y la (falsa) sofisticación del arte y su hipocresía.

El film gana con sus gags cuándo apuesta al humor más directo y popular, y pierde eficacia cuándo se pone “sofisticado” con ése aire de cierto cinismo que es usado como un golpe bajo de Brieva a la sensibilidad del espectador, donde se pasa de la risa a la indignación y a la preocupación.
Desde la autoral y actoral todo juega un rol impecable en una película de alto contenido social y psicológico recomendada doblemente para ver.
El film después de ser ovacionado en Venecia donde Oscar Martínez ganó la Copa Volpi al Mejor Actor. y para la 31°. edición de los Premios Goya celebrado en España, además de festivales de Valladolid, Marrakech, Busán, Montevideo, Varsovia, Río de Janeiro, Haiffa, Thessaloniki, Tokio, Goa y Dubai,
En la semana del estreno argentino fue vista por más de 116 mil personas, manteniéndose con una cantidad similar de espectadores durante las semanas siguientes, llegando a 650 mil espectadores debido a las excelentes críticas de los medios especializados, y sobre todo a la recomendación del público.

Próximamente su estreno en Francia, y por Movie Inspired para su estreno en Italia, a Against Gravity para su estreno en Polonia, a Xenix para su estreno en Suiza, a Blueshare para su estreno en China, a Filmtrade para su estreno en Grecia y a September Films (ex Wild Brunch) para su estreno en Benelux. Además, están a punto de cerrarse las ventas con distribuidoras de Estados Unidos, Inglaterra, Brasil, India, Israel, Alemania, Holanda, Dinamarca, Turquía, Japón y Méjico para su estreno comercial en éstos países.

 

"El hombre que conocía el infinito"

"El hombre que conocía el infinito" Título original; The Man Who Knew Infinity basado en la biografía "A Life of the Genius Ramanujan", de Robert Kanigel.
País; Reino Unido
Productora; Animus Films
Director y Guión; Matt Brown 
Elenco; Dev Patel, Jeremy Irons, Toby Jones, Stephen Fry, Jeremy Northam, Kevin McNally, Enzo Cilenti, Shazad Latif, Devika Bhise, Padraic Delaney, Richard Cunningham, Alexander Cooper, Nicholas Agnew
Estreno el 22/09/2016, duración 112m.

Un historia real sobre una amistad que cambió para siempre la forma en que se estudian las matemáticas. En 1913, Srinivasa Ramanujan un indio jóven de 25 años autodidacta con poca educación y genio de las matemáticas, emprendió un viaje a Trinity College, Cambridge, donde en el transcurso de cinco años desarrolló contribuciones al análisis matemático y forjó un vínculo con su mentor, el brillante y excéntrico profesor, G. H. Hardy,(Jeremy Irons) con quién luchó contra los prejuicios para revelar su genio matemático al mundo. Con la ayuda de Hardy, el trabajo de Ramanujan evoluciona de tal manera que revolucionará las matemáticas y transformará la forma en que los científicos explican el mundo.

La película tiene algunos problemas que el espectador podrá sospechar de antemano: un pintoresquismo indú hermoso, un poco de paternalismo del primer mundo, y bastante didactismo tendiente a la celebridad de las frases, que le quitan empatía y disfrute paisajístico, pero el golpe final es un cierre melodramático propio de un culebrón televisivo.

 

"EL MOLINO y la CRUZ "

EL MOLINO y la CRUZ / EL MOLINO DEL TIEMPO / THE MILL AND THE CROSS (Mlyn I Krzyz ),
Polonia/Suecia, 2011.
Dirección: Lech Majewski Guión: Michael Francis Gibson, Lech Majewski 
Producción: Silesia Film
Fotografía: Lech Majewski, Adam Sikora
Música: Lech Majewski, Józef Skrzek
Elenco: Rutger Hauer, Charlotte Rampling, Michael York, Joanna Litwin.

Pieter Brueghel "el Viejo" fue el patriarca de una familia de pintores flamencos que construyeron una obra pictórica inspirada en las pinturas de El Bosco. Los motivos preferidos de sus lienzos eran imágenes costumbristas, cuyos protagonistas generalmente eran campesinos y gentes de clase pudiente y pobres, reunidos bajo el sufrimiento que dejaba entrever la identificación religiosa e ideológica. La obra elegida primero por Gibson y luego expresada a través del celuloide por Majewski, fue el "Camino al Calvario", en el siglo XVI, una época tumultuosa para los Países Bajos, que sufrían la invasión de las tropas de Felipe II en una época no sólo colonizadora sino también misionera para los campesinos.

Lech Majewski cineasta, artista plástico, compositor de ópera y fotógrafo polaco, llevó su investigación a la pantalla a través de una obra densa y meticulosa, documentando en "El molino y la cruz" la ficción con una serie de escenas vivientes que bién podrían transformarse en los detalles de un gran cuadro de pintura donde convive toda la miseria humana.

Frente a la escena se encuentra un grupo de hombres, mujeres y niños campesinos que presencian, como si fuera cotidiano, al Salvador el camino hacia el Gólgota como un Cristo flamenco, azotado por soldados españoles vestidos de rojo y con un estandarte donde flamea un águila bicéfala.
En un entorno despojado, austero, donde la madera y las telas son los materiales nobles que visten y cobijan a éstos seres en continuo movimiento, cumpliendo rutinas ancestrales, donde vemos a los niños jugar, a las parejas jóvenes despertarse amorosas por la mañana, a las mujeres limpiar obcesivamente el umbral de la puerta, a los animales convivir con los humanos, a los soldados perseguir a los herejes, a los pobladores ofrecer sus productos en el mercado… y también la promiscuidad pueblerina.
En lo alto de la roca, en un lugar casi inaccesible pero bien visible está ubicado el molino que todo lo ve, es como el ojo de Dios de los cuadros de El Bosco. El molinero y su mujer asisten escuchar al incansable ritmo del mecanismo artesanal que permite la molienda de la harina, principal ingrediente del pan con el que el hombre se alimenta y le dá la vida. Las interminables escalinatas que sube el molinero, paso a paso, sin prisas, lo llevan hasta las aspas, desde donde observa ambos lados de la existencia: de la bondad y la maldad ubicado en lo alto desde donde se domina el panorama de la región.

Un árbol frondoso se recorta contra un cielo azul, es la representación de la luz, de la vida; a la derecha, bajo un cielo encapotado, un mástil soporta una rueda donde ha sido inmovilizado un hereje para que los cuervos terminen con su vida, es la representación de la oscuridad y la muerte.
Majewski ha creado una obra pictórica a través de su personaje principal con la belleza de la composición estética muy meticulosa, que logra entre el escenario, el vestuario, los personajes y la iluminación, permite hacernos sentir que estamos ante una pequeña maravilla del cuadro de Brueghel.

La historia de Cristo aparece como cotidiana cargando la cruz a latigazos sin que llame la atención de la gente que lo rodea, y es la secuencia que más conecta con la obra pictórica y nos habla de la crueldad e intolerancia de las fuerzas del poder que todo lo doblega.
Para el Rey lo oculto debe ser palpable, ésa era la estrategia para mostrar la quintaesencia del sufrimiento. El que sufre está solo, abandonado, olvidado, nadie se preocupa por él. Los demás tienen que vivir su vida y aprovecharla al máximo, cueste lo que cueste.
El film comenzó a gestarse en 2004 cuándo se reunieron por primera vez Gibson y Majeweski,y cuatro años tardó la preproducción para obtener las locaciones,la utilería y el vestuario si tenemos en cuenta que un obsesionado Majewski insistía en conseguir los colores que las telas tienen en la pintura de Brueghel.
Lech Majewski va más allá de la contemplación en su film "El molino y la cruz" para recrear su génesis, y lo hace mediante la desconstrucción apartándose de la vacuidad.
Peter Greenaway tanto como Majewski son artífices junto a Rutger Hauer por la obra de Brueghel, deteniéndose en buscar cada detalle que relativiza con una lectura histórica bastante dura sobre la opresión del protestantismo y Flandes a manos del catolicismo absolutista en España una mirada de espejos mudos buñuelianos, donde la vida en un cuadro pinta con trazo grueso, la imagen del cine.
Ver la versión completa en español del film.