“Favio: crónica de un director”

Favio: Crónica de un Director

- Título internacional (en inglés): Favio: Chronicle of a Director

- Director: Alejandro Venturini

- Asistencia de Dirección: Federico González Cobreros

- Fotografía/Imagen: Francisco De Santis / Sofía Victoria Rodrigo

- Gaffer: Diego Boccacci

- Edición/Montaje: Lucas Ríos

- Sonido Directo: Nicolas Payueta

- Diseño de sonido: Manuel Pinto

- Música: Iván Wyszogrod

- Productor: Paloma Chiodo

- Compañía/s Productora/s: 2t Producciones, Cinecolor Argentina, Universidad del Cine.

- País: Argentina

- Duración: 120 min.

- Año: 2015

- Formato de exhibición: DCP

- Color-B&N

“Favio, crónica de un director” es un documental que recupera aquella entrevista y busca echar luz sobre la visión que el propio realizador tenía del cine. Este proceso supone también un recorrido cronológico por la vida del artista, en el que se cuentan su infancia en Lujan de Cuyo, su incursión en el radioteatro, el arribo a Buenos Aires, su pasión por la música, la influencia del peronismo.
Documental basado en una entrevista realizada a Leonardo Favio, donde habla de su formación como director y su mirada sobre el cine, sumergiéndose en el mundo del realizador más influyente del cine argentino, recreando episodios de su vida y mostrando archivos inédito.


La originalidad de la filmografía de Leonardo Favio se revela en cada plano, en la construcción de los personajes y atmósferas. Con pasión, el realizador retrató una galería de seres excepcionales, tanto reales como ficticios, a los que dotó de una empatía nunca antes vista en el cine argentino. Favio, Crónica de un Director es un documental que recupera la entrevista a mediados del 2009, que Favio concedió y aún permanece inédita, en la que habló exclusivamente de cine.
El resultado fue una clase magistral,y busca echar luz sobre la visión que el propio realizador tenía del cine, haciendo un recorrido por su infancia en Lujan de Cuyo (Mendoza), su incursión en el radioteatro, el arribo a Buenos Aires, su pasión por la música y la influencia del peronismo.
En la nostalgia, en la anécdota precisa y el recuerdo más emotivo, se va configurando un complejo entramado de sensaciones que terminan por acercarnos, de una manera cercana, a la obra de un director tan esencial como Leonardo Favio. Venturini es con su cámara y habilidad para entrevistar el nexo entre la oralidad y la realidad. Un documental imprescindible que complementa su obra del universo de Favio que permite descubrir su forma de trabajo personal sobre su cine en el séptimo arte.

¿Qué invadimos ahora?

¿Qué invadimos ahora? (Where to Invade Next, Estados Unidos/2015).
Guión y dirección: Michael Moore.
Fotografía: Jayme Roy y Richard Rowley. Edición: Pablo Proenza, Woody Richman y Tyler Walk. Distribuidora: Diamond Films. Duración: 120 minutos.
El controvertido y popular documentalista estadounidense vuelve con otro filme crítico sobre lo bien que se vive en Europa y lo mal que se vive en EEUU.
La premisa de Moore es la política exterior en creer lo que es correcto ó cuál debería serlo como el camino a seguir, para ello viaja en su búsqueda a distintas ciudades europeas unas diez, donde recopila las cosas que podría copiar y llevar a Estados Unidos para mejorar su situación imperialista. Plantea un alegato jovial con humor optimista frente a las graves carencias en materia social en la vida norteamericana.

En su recorrida encuentra que la educación finlandesa, el sistema carcelario noruego, la alimentación en los colegios primarios franceses y la conciencia cívica de los fiscales islandeses, y para conocer éstos asuntos Moore realiza las entrevistas más concesivas dejando que los responsables reportados hablen sin atisbar un espíritu crítico pero más contemplativo.
Simboliza con la bandera norteamericana en mano clavarla en cada país parodiando la necesidad yanqui de plagiar a otras culturas.

"Michael Moore in TrumpLand" anunció el estreno de su film político sobre las elecciones en el IFC Center de Nueva York.
El ganador del Oscar se adentra directamente en territorio hostil con su espectáculo arriesgado e hilarante, en el corazón de la tierra de Trump semanas antes de las elecciones de 2016" con 73 m de duración de su film que provocará un efecto impacto en el electorado en las presidenciales de los norteamericanos el 8 de noviembre.
¿Quién quiere echar un vistazo a lo que he estado preparando?" lanzó, los tickes para ésta ocasión son gratis.
La sinopsis oficial del filme sostiene que el proyecto es una repetición de la obra de teatro que Moore esperaba tener llevado a cabo en Ohio.

Moore ganó el Oscar al mejor documental en 2003 por "Bowling for Columbine" y  volvió a competir en la misma categoría con "Sicko" (2007), una historia que denunciaba las facturas del sistema sanitario estadounidense. De sus obras también se destaca "Fahrenheit 9/11" (2004), que llegó a recaudar 119,1 millones de dólares en las salas, convirtiéndose en el documental más extitoso de Estados Unidos. También son conocidos sus films "Capitalism: A Love Story" (2009) y "Where to Invade Next" (2015).

"INFIERNO", trás el virus de la muerte

"Inferno" (Estados Unidos/2016). Dirección: Ron Howard. Elenco: Tom Hanks, Felicity Jones, Sidse Babett Knudsen, Irrfan Khan, Omar Sy y Ben Foster. Guión: David Koepp, basado en la novela de Dan Brown. Fotografía: Salvatore Totino. Música: Hans Zimmer. Edición: Dan Hanley y Tom Elkins. Diseño de producción: Peter Wenham. Distribuidora: UIP (Sony). Duración: 121 minutos. Apta para mayores de 13 años.

Despúes de "El Código Da Vinci" (2006) y "Ángeles y demonios" (2009), Ron Howard dirigió ésta tercera saga de aventuras de un thriller psicológico experto en simbología y arte religioso.

Robert Langdon (Tom Hanks), sobre los best sellers del escritor Dan Brown y con la transposiciones previas del guión de David Koepp, la narración de éste experimentado cineasta artesano Howard y con la actuación hollywodense de Hanks, parece haber hecho con el manual del género detallado y con piloto automático, una película precisa sin que nada se salga de su descripción original.

Langdon aparece en el hospital de Florencia, Italia, con heridas en la cabeza atravesando una amnesia extendida. Allí recibe la asistencia de una joven enfermera llamada Sienna Brooks (Felicity Jones), pero mientras intenta reconstruir el pasado reciente del profesor, una mujer sicaria vestida de policía los ataca para matarlos, así intentan escapar de ésa asesina misteriosa de una organización mafiosa y también de la Organización Mundial de la Salud que lo buscan para rescatarlo de la mafia porqué como profesor conoce el virus por el que luchan obtenerlo en una cápsula que posee.

Los peligros aparecen y se enfrentan a la inminente propagación del virus lanzado por Bertrand Zobist (Ben Foster), un delirante genetista multimillonario obsesionado por la sobrepoblación que quiere destruir para acabar con la mitad de los habitantes del planeta, según la veta apocalíptica ligada en la simbología oculta sobre los círculos infernales en la Divina Comedia, de Dante Alighieri y según el mapa del Infierno, la pintura de Sandro Botticelli.

Pero Langdon en el film conseguirá lucirirse después de una gran persecución descifrando el enigma justificado según un guión pautado con acertijos, los  diversos personajes se darán vuelta desistiendo justificar deducciones y habrá alguna que otra dosis adrenalínica de acción por las calles de Florencia, Venecia o Estambul, pero "Inferno" nunca deja de ser un ejercicio de género policial achatado, sin ironía ni riesgo.  

"El Ciudadano Ilustre"

Es la historia de un escritor argentino que recibe el Premio Nobel de Literatura después de 40 años que se fue de su pueblo a Barcelona, allí triunfó escribiendo sobre su ciudad natal y sus personajes, y en la cúspide de su carrera, el intendente de su pueblo natal lo invita para nombrarlo ciudadano ilustre aceptando ir solo y a su llegada se desencadenan una serie de situaciones imprevistas de su figura y el pueblo. 

"El ciudadano ilustre" es un film mordaz y nada complaciente con el discurso que Daniel Mantovani (Oscar Martinez) tiene que ofrecer ante la Academia y los reyes de Suecia para recibir el premio Nobel de literatura, donde expone varios temas que sobrevuelan al resto del relato, que habla de ésa consagración meritoria como “el ocaso” del artista.

"El ciudadano ilustre" (Argentina-España/2016). Dirección y fotografía: Mariano Cohn y Gastón Duprat. Elenco: Oscar Martínez, Dady Brieva, Andrea Frigerio, Nora Navas, Manuel Vicente, Julián Larquier, Belén Chavanne, Gustavo Garzón, Emma Rivera y Marcelo D’Andrea. Guión: Andrés Duprat. Música: Toni M. Mir. Edición: Jerónimo Carranza. Diseño de producción: María Eugenia Sueiro. Distribuidora: Buena Vista International. Duración: 118 minutos.

Contada en cinco capitulos;

Trás cinco años que Mantovani está radicado en Barcelona, durante ése lapso no ha escrito más que obituarios, presentaciones y prólogos, y en su rutina diaria consiste en pedirle con desdén a su asistenta (Nora Navas) que rechace todas y cada una de las múltiples invitaciones que recibe. Sin embargo, una de las cartas despierta su atención: el intendente de Salas, su pueblo natal al que no ha regresado en los últimos cuarenta años (y que ya es un sexagenario), lo invita a participar en los festejos del lugar y a recibir la medalla de “Ciudadano ilustre”. Trás una negativa inicial, termina accediendo a viajar a su ciudad natal, ubicado a 700 kilómetros de Buenos Aires.

Un tortuoso viaje lleno de imprevistos hasta llegar a Salas, donde su visita será homenajeada paseado en el camión de bomberos como poco menos que el enemigo público número uno, típico de los pagos pueblerinos, conocido como "pueblo chico, infierno grande".
En éste regreso del hijo pródigo poco triunfal se encontrará con un aspirante a escritor (Julián Larquier) que trabaja en la recepción del gris hotel en el que se hospeda, una joven atractiva groupie que no tardará en meterlo en problemas (Belén Chavanne); Antonio (Dady Brieva), su mejor amigo del colegio; y su ex novia Irene (Andrea Frigerio), ahora casada con Antonio.

Aparecen también el intendente del pueblo peronista (Manuel Vicente), el patotero Florencio Romero (Marcelo D’Andrea), que intentará desacreditarlo por todos los medios creándole situaciones vergonzantes. En la inauguración de una escultura artística sobre su persona le creará una sobre crisis existencial sobre el conformismo y el absurdo pueblerino, sobre la libertad del artista, y los peligros de revisionar su pasado, sobre el éxito y los ideales, sobre todo la mediocridad social y la (falsa) sofisticación del arte y su hipocresía.

El film gana con sus gags cuándo apuesta al humor más directo y popular, y pierde eficacia cuándo se pone “sofisticado” con ése aire de cierto cinismo que es usado como un golpe bajo de Brieva a la sensibilidad del espectador, donde se pasa de la risa a la indignación y a la preocupación.
Desde la autoral y actoral todo juega un rol impecable en una película de alto contenido social y psicológico recomendada doblemente para ver.
El film después de ser ovacionado en Venecia donde Oscar Martínez ganó la Copa Volpi al Mejor Actor. y para la 31°. edición de los Premios Goya celebrado en España, además de festivales de Valladolid, Marrakech, Busán, Montevideo, Varsovia, Río de Janeiro, Haiffa, Thessaloniki, Tokio, Goa y Dubai,
En la semana del estreno argentino fue vista por más de 116 mil personas, manteniéndose con una cantidad similar de espectadores durante las semanas siguientes, llegando a 650 mil espectadores debido a las excelentes críticas de los medios especializados, y sobre todo a la recomendación del público.

Próximamente su estreno en Francia, y por Movie Inspired para su estreno en Italia, a Against Gravity para su estreno en Polonia, a Xenix para su estreno en Suiza, a Blueshare para su estreno en China, a Filmtrade para su estreno en Grecia y a September Films (ex Wild Brunch) para su estreno en Benelux. Además, están a punto de cerrarse las ventas con distribuidoras de Estados Unidos, Inglaterra, Brasil, India, Israel, Alemania, Holanda, Dinamarca, Turquía, Japón y Méjico para su estreno comercial en éstos países.

 

"El hombre que conocía el infinito"

"El hombre que conocía el infinito" Título original; The Man Who Knew Infinity basado en la biografía "A Life of the Genius Ramanujan", de Robert Kanigel.
País; Reino Unido
Productora; Animus Films
Director y Guión; Matt Brown 
Elenco; Dev Patel, Jeremy Irons, Toby Jones, Stephen Fry, Jeremy Northam, Kevin McNally, Enzo Cilenti, Shazad Latif, Devika Bhise, Padraic Delaney, Richard Cunningham, Alexander Cooper, Nicholas Agnew
Estreno el 22/09/2016, duración 112m.

Un historia real sobre una amistad que cambió para siempre la forma en que se estudian las matemáticas. En 1913, Srinivasa Ramanujan un indio jóven de 25 años autodidacta con poca educación y genio de las matemáticas, emprendió un viaje a Trinity College, Cambridge, donde en el transcurso de cinco años desarrolló contribuciones al análisis matemático y forjó un vínculo con su mentor, el brillante y excéntrico profesor, G. H. Hardy,(Jeremy Irons) con quién luchó contra los prejuicios para revelar su genio matemático al mundo. Con la ayuda de Hardy, el trabajo de Ramanujan evoluciona de tal manera que revolucionará las matemáticas y transformará la forma en que los científicos explican el mundo.

La película tiene algunos problemas que el espectador podrá sospechar de antemano: un pintoresquismo indú hermoso, un poco de paternalismo del primer mundo, y bastante didactismo tendiente a la celebridad de las frases, que le quitan empatía y disfrute paisajístico, pero el golpe final es un cierre melodramático propio de un culebrón televisivo.

 

"EL MOLINO y la CRUZ "

EL MOLINO y la CRUZ / EL MOLINO DEL TIEMPO / THE MILL AND THE CROSS (Mlyn I Krzyz ),
Polonia/Suecia, 2011.
Dirección: Lech Majewski Guión: Michael Francis Gibson, Lech Majewski 
Producción: Silesia Film
Fotografía: Lech Majewski, Adam Sikora
Música: Lech Majewski, Józef Skrzek
Elenco: Rutger Hauer, Charlotte Rampling, Michael York, Joanna Litwin.

Pieter Brueghel "el Viejo" fue el patriarca de una familia de pintores flamencos que construyeron una obra pictórica inspirada en las pinturas de El Bosco. Los motivos preferidos de sus lienzos eran imágenes costumbristas, cuyos protagonistas generalmente eran campesinos y gentes de clase pudiente y pobres, reunidos bajo el sufrimiento que dejaba entrever la identificación religiosa e ideológica. La obra elegida primero por Gibson y luego expresada a través del celuloide por Majewski, fue el "Camino al Calvario", en el siglo XVI, una época tumultuosa para los Países Bajos, que sufrían la invasión de las tropas de Felipe II en una época no sólo colonizadora sino también misionera para los campesinos.

Lech Majewski cineasta, artista plástico, compositor de ópera y fotógrafo polaco, llevó su investigación a la pantalla a través de una obra densa y meticulosa, documentando en "El molino y la cruz" la ficción con una serie de escenas vivientes que bién podrían transformarse en los detalles de un gran cuadro de pintura donde convive toda la miseria humana.

Frente a la escena se encuentra un grupo de hombres, mujeres y niños campesinos que presencian, como si fuera cotidiano, al Salvador el camino hacia el Gólgota como un Cristo flamenco, azotado por soldados españoles vestidos de rojo y con un estandarte donde flamea un águila bicéfala.
En un entorno despojado, austero, donde la madera y las telas son los materiales nobles que visten y cobijan a éstos seres en continuo movimiento, cumpliendo rutinas ancestrales, donde vemos a los niños jugar, a las parejas jóvenes despertarse amorosas por la mañana, a las mujeres limpiar obcesivamente el umbral de la puerta, a los animales convivir con los humanos, a los soldados perseguir a los herejes, a los pobladores ofrecer sus productos en el mercado… y también la promiscuidad pueblerina.
En lo alto de la roca, en un lugar casi inaccesible pero bien visible está ubicado el molino que todo lo ve, es como el ojo de Dios de los cuadros de El Bosco. El molinero y su mujer asisten escuchar al incansable ritmo del mecanismo artesanal que permite la molienda de la harina, principal ingrediente del pan con el que el hombre se alimenta y le dá la vida. Las interminables escalinatas que sube el molinero, paso a paso, sin prisas, lo llevan hasta las aspas, desde donde observa ambos lados de la existencia: de la bondad y la maldad ubicado en lo alto desde donde se domina el panorama de la región.

Un árbol frondoso se recorta contra un cielo azul, es la representación de la luz, de la vida; a la derecha, bajo un cielo encapotado, un mástil soporta una rueda donde ha sido inmovilizado un hereje para que los cuervos terminen con su vida, es la representación de la oscuridad y la muerte.
Majewski ha creado una obra pictórica a través de su personaje principal con la belleza de la composición estética muy meticulosa, que logra entre el escenario, el vestuario, los personajes y la iluminación, permite hacernos sentir que estamos ante una pequeña maravilla del cuadro de Brueghel.

La historia de Cristo aparece como cotidiana cargando la cruz a latigazos sin que llame la atención de la gente que lo rodea, y es la secuencia que más conecta con la obra pictórica y nos habla de la crueldad e intolerancia de las fuerzas del poder que todo lo doblega.
Para el Rey lo oculto debe ser palpable, ésa era la estrategia para mostrar la quintaesencia del sufrimiento. El que sufre está solo, abandonado, olvidado, nadie se preocupa por él. Los demás tienen que vivir su vida y aprovecharla al máximo, cueste lo que cueste.
El film comenzó a gestarse en 2004 cuándo se reunieron por primera vez Gibson y Majeweski,y cuatro años tardó la preproducción para obtener las locaciones,la utilería y el vestuario si tenemos en cuenta que un obsesionado Majewski insistía en conseguir los colores que las telas tienen en la pintura de Brueghel.
Lech Majewski va más allá de la contemplación en su film "El molino y la cruz" para recrear su génesis, y lo hace mediante la desconstrucción apartándose de la vacuidad.
Peter Greenaway tanto como Majewski son artífices junto a Rutger Hauer por la obra de Brueghel, deteniéndose en buscar cada detalle que relativiza con una lectura histórica bastante dura sobre la opresión del protestantismo y Flandes a manos del catolicismo absolutista en España una mirada de espejos mudos buñuelianos, donde la vida en un cuadro pinta con trazo grueso, la imagen del cine.
Ver la versión completa en español del film.

"La Lección", ... de moral quebrada

Dirección y guión; Kristina Grozeva y Petar Valchanov
Fotografía; Krum Rodriguez
Elenco; Margita Gosheva, Ivan Burnev, Ivanka Bratoeva, Ivan Savov, Deya Todorova, Stefan Denolyubov
Productora; Abraxas Film Género Drama Duración 107 min.
Título original - Urok -, País; Bulgaria 2014
Estreno 6/10/2016

En Belogradchik un pequeño pueblo búlgaro, Nadezhda una joven maestra, trata de descubrir al alumno que roba en su clase, de manera que pueda enseñarle una lección acerca de lo que está bien y lo que está mal. Pero cuándo se endeuda con prestamistas, ¿puede ella saber cuál es el camino correcto? ¿Qué hace que una persona decente pueda convertirse en delincuente?

"La lección" (Urok), sigue a una maestra de inglés Nadeshda (Margita Gosheva) donde uno de sus alumnos ha robado dinero para el almuerzo a una compañera en clase y ella intenta descubrir al ladrón con la intención de mostrarle la diferencia entre el bien y el mal. Durante éste proceso, se vé inmersa sin saberlo cuándo le acaban de notificar del embargo de su casa para salir a subasta en el transcurso de dos días, si no paga la deuda pendiente a tiempo. Su marido es un desocupado e inútil que ayuda poco al sostenimiento familiar.
La lucha interna en la que se debate entre la ética, la moral y la justicia, nos conduce sin miramientos hacia un mundo pesimista. La historia, por ése extraño caso de imprevición la impregna e impulsa con toda valentía acometer con sus giros que le irán sucediendo, acabar complicándola y dejar más comprometida su situación, y al espectador con algunos toques de humor mordaz en lugar de distender, acentuará más la tensión del film en clima de ascenso.

"La lección" es un cuento moral de un hecho real, que toma dimensión con tensos momentos que se están viviendo globalmente, y que obliga a posicionarse y tomar su lugar de Nade, ésa mujer simple de apariencia y personalidad tranquila, pero de gran "coraje" a enfrentar sus acuciantes deudas, le hacen dudar dónde está el límite de lo que es correcto.
Las situaciones que se generan con sus desavenencias conducen a ésta mujer por otro camino, provocando una incertidumbre y una vulnerabilidad en la personalidad de Nade que nos hace empatizar su drama con situación de ella.
La excelente fotografía con sus primeros planos y con una paleta de semitonos apagados subraya la monotonía de la vida diaria que lleva el sombrío ejemplo de como un problema puede convertirse en una gigantesca bola de nieve, que arrolla y destroza todo, y como una persona es capaz de hacer todo lo imposible por su familia en circunstancias que le son ajenas. Una encrucijada que nadie desea encontrarse, pero asusta la delgada línea que siempre separa el bien y el mal.
Un film impecable que atrapa la atención con una historia que atrae y emociona hasta el final, y dará lugar a la polémica al será recordada por ésa lección social que asemeja a tantos y de la sobria dirección que engrandece a la protagonista, no ser olvidada.
El film recibió en varios festivales internacionales premios como en Tesalónica, Sofía, Luxemburgo, Tokio, Varsovia y San Sebastián, donde la película búlgara “La lección”, bien recibida en una loable codirección imprime un aire denso que deja lugar analizar la reflexión más allá del bien y el mal.

"FASSBINDER"

Género: Documental - Dirección y Guión: Annekatrin Hendel, Dirección de fotografía: Martin Farkas, Montaje: Jörg Hauschild, Música: Flake, Productor: Annekatrin Hendel, Juliane Maria Lorenz, Coproducción: Rainer Werner Fassbinder Foundation (RWFF), Producción: IT WORKS Medien.
Relatos de: Margit Carstensen, Irm Hermann, Juliane Lorenz, Hanna Schygulla, Harry Baer, Günter Rohrbach, Volker Schlöndorff .
Año de producción: 2015 Duración: 94 min, Formato: DCP Versión original: Alemán Subtitulado en: Castellano, Subvencionado por: FFF Bayern, Medienboard Berlin-Brandenburg, Film-.

Éste año Rainer Werner #Fassbinder, el representante más importante del nuevo Cine Alemán y director de postguerra más exitoso, habría cumplido los 70 años.
Rainer Werner Fassbinder atrapó como ningún otro cineasta el sentir de los años setenta y el nacimiento de la nueva Alemania, ha hecho siempre especialmente difícil el análisis de su carrera, por no hablar de las congénitas dificultades de acceso a su trabajo a lo largo de las décadas.
"FASSBINDER" cuenta con las voces no sólo de los amigos y colegas suyos sino también sobre sí mismo en escenas autobiográficas de sus películas, entrevistas raras y pasajes de su obra literaria precoz.

En éste documental de Annekatrin Hendel se revela el alma de Fassbinder mediante el retrato del personaje, con sus luces y sus sombras proponiendo al espectador un viaje de profundidad en sus demonios y anhelos como ser humano.
La película basada en entrevistas filmadas al cineasta con material de archivo y fragmentos de sus películas, pero la intervención fundamental es la de los amigos y colaboradores del cineasta que frecuentaron a lo largo de su vida.

Grandes nombres que trabajaron en el cine alemán como Hanna Schygulla, Irm Hermann, Margit Carstensen, Harry Bear, Volker Schlöndorff y Juliane María Lorenz, exponen sus personales puntos de vista, recorriendo los momentos más decisivos en la vida del cineasta alemán; desde sus trabajos recientes, los destrozados por la crítica, hasta sus éxitos internacionales; sus relaciones sexuales, su personalidad tiránica en los rodajes y sus adicciones autodestructivas.

El 4 REICH en el Luna Parc en 1938

Era el 10 de abril de 1938 en el Luna Parc se realizaba la demostración más grande que llevó a cabo el III Reich de la Alemania Nazi fuera de Europa en pro del nazismo que muestran a unos 15.000 argentinos nazis festejando el "Anschluss", es decir la anexión de Austria por parte del régimen de Hitler. Ese mismo día, el líder nacionalsocialista ganaba con el 99% un plebiscito sobre su permanencia en el poder y la embajada alemana en Buenos Aires quiso festejarlo.
Mientras que algunos diarios hablaban con preocupación de las "las pretensiones alemanas de extraterritorialidad", otros destacaban las "convicciones profundas" de Hitler y sus esfuerzos por establecer "la igualdad social" en Alemania, intentos que "se asemejan a un ideal democrático". ..
El fervor de miles de argentinos por las "promesas" del nazismo y su "cautivante" líder no se debía a la falta de información sobre lo que realmente sucedía en Alemania. 
En 1936 la prensa argentina ya informaba que Hitler buscaba "aniquilar, con los métodos más abominables a la laboriosa e inteligente población israelita".
Pese a todo según los registros históricos, Alemania estuvo a punto de ampliar sus conquistas en América con la Argentina como un poderoso aliado: 70.000 argentinos eran afiliados al Partido Nacional Socialista alemán, muchos de los cuáles en aquél 10 de abril vivaron a Hitler ("Heil Hitler!") en pleno centro de Buenos Aires.

Según la crónica del diario La Prensa aquél domingo 10 de abril de 1938 las columnas se encaminaban al estadio Luna Park que comenzaron a llegar pasadas las 9 de la mañana. “Era un público numeroso y entusiasta”. 
Las delegaciones austríacas y alemanas arribaron también portando sus banderas e indumentarias nazis.
“Muchos miembros de las entidades nazis, quiénes vestían camisas pardas y llevaban brazaletes con la cruz esvástica, tuvieron a su cargo la ubicación del público realizada en un orden casi militar”, relató entonces La Prensa y Erich Otto Meynen arengó a la concurrencia alli reunida al grito que respondía "¡Heil Führer!" saludando con el tradicional saludo nazi con brazo en alto. 
El presidente Roberto Marcelino Ortiz creó una comisión especial que investigaría las actividades “ilícitas” de organizaciones extranjeras, que consistían en el adoctrinamiento de niños en escuelas de nuestro país, entre otras cosas. Además decretó la disolución del multitudinario Partido Nacionalsocialista Alemán de la Argentina y decidió la expulsión de dos espías de la Gestapo.
Pero el "affaire" entre Argentina y el nazismo sin embargo no concluyó con la caída de Hitler. Se sabe que finalizado el conflicto y durante el primer gobierno de Perón, Argentina y varios países americanos se lanzaron a una encarnizada carrera por atraer a los más célebres cerebros alemanes, en lo más diversos campos de las ciencias o la ingeniería.
Al mismo tiempo, según el historiador Felipe Pigna, "entre 1945 y 1950 arribaron al país criminales de guerra nazis (…). Según las fuentes, se habla de 6.000 a 8.000 refugiados" entre los que estaban el criminal croata Dinko Satic, el médico Joseph Mengele, y el jerarca Eric Priebke y seria el mismo Priebke quien admitiría, en el juicio en Roma, que “en 1945 el gobierno nacional [argentino] negoció con Alemania la entrega de documentación que permitió el ingreso de nazis al país. Se distribuyeron unos 2.000 pasaportes y 8.000 cédulas en blanco… y con ésta modalidad ingresaron en la Argentina unos 2.000 nazis.
En tanto Adolf Eichmann, el ideólogo de la "solución final" para el "problema judío" ingresó a la Argentina con un pasaporte italiano falso a nombre de Riccardo Klement en 1950 y se radicó en el barrio bonaerense de San Fernando llegando a trabajar en la planta local de la automotriz Mercedes Benz.
La reflexión y conclusión es categórica: al revisar las páginas del Diario El Mundo y La Prensa de la Argentina nazi se comprende porqué ésta nación a principios del siglo XX alcanzó el puesto número ocho de las más desarrolladas del mundo. Una saga intermitente de golpes de Estado y dictaduras cívico-militares -con la previsible reacción de guerrillas- y miles de ciudadanos desaparecidos llevan la señal distintiva de aquel totalitarismo mesiánico en los años sucesivos.

fuente Perfil

"Hitler, ha vuelto" del Festicine alemán

Hitler ha vuelto, - Er ist wieder da -
Dirección; David Wnendt
Guión; David Wnendt y Mizzi Meyer
Fotografía; Hanno Lentz
Música; Enis Rotthoff
Montaje, Andreas Wodraschke
Produción; Christoph Muller, Lars Dittrich, Oliver Berben.
Productora; Mythos Film, Constantin Film Produktion
Elenco; Oliver Masucci, Fabian Busch, Christoph Maria Herbst, Katja Riemann, Franziska Wulf.
German Federal Film Board, 2015, duración 110m.

A los 80 años de  la supuesta paz y armonía europea de la liberación del fasismo, Hitler regresa despertando en Berlin en 2014 y pasea por las calles y en la Puerta de Brandrurgo. Las pasiones xenófobas y pasiones patrióticas que podría encontrase en la sociedad contemporánea podrian ser el caldo de cultivo de un pasado que no existe en el siglo XXI, salvo para aquellos que quieren sacarse una selfi de un imitador solo desde la perspectiva nazi.
Sería suponer que la semilla nazi volvería a florecer y se convertiría en en inspiración para los partidos más adictos, o una lanza de provocación extremista para resurgir la estrella iconoclasta de un show mediático en un programa TV donde un comediante alocado por su neurosis se volvería irónico para hablar como si fuera el mismo Hitler sin saber que era él.
¿Las secuela de ésa semilla hoy germinada daría el mismo fruto en un continente europeo que hoy vive atemorizado por la violencia, la ola de refugiados y el empobrecimiento de una sociedad fructífera ante la crisis económica y pérdida de los valores tradicionales del orgullo germano?.
No hay duda que su persona al volverse mediática se viraliza en la sociedad con todas las sutilezas políticas que tiene éste film con su humor negro, no alcanzará para demonizar el presente ideológico ni la fantasía para revivir un pasado que no podrá volver a repetirse.
Pero no es por supuesto, la primera vez que él es objeto de risas; películas como "El Gran Dictador", de Charlie Chaplin, y "Los productores", de Mel Brooks son apenas dos de las varias que lo satirizaron. En los años 60 la crítica no sólo fue contra el Führer sino contra la generación que votó por él, se hizo más dura, y el espacio para la comedia se estrechó. Esto nos dá una sensación de escalofriante desasosiego al ver que cada ves más consigue poder en su condición de comediante.

Para el autor, al rehusarse a presentar a Hitler como un demonio, en su novela de Timur Vermes fuerza al lector a considerar porqué tantos alemanes lo ayudaron, y a preguntarse si ellos hoy habrían hecho lo mismo.

El lugar está repleto de turistas con sus teléfonos y palos para autofotos o aquellos que apenas lo ven, pierden su interés por el histórico monumento y se van como moscas a la miel a fotografiarse con el tristemente célebre personaje.
La visión contrasta con las imágenes recientes de alemanes recibiendo a refugiados con los brazos abiertos en la estación central de Múnich y otros lugares del país, lo que resalta el feroz debate en el que está imbuido el país para definir, si la llegada en masa de éstos extranjeros es una oportunidad o una amenaza en la sociedad futura.

Hitler ejerce una atracción perdurable para todos los alemanes. El público alemán que aparece en el film acompaña a Hitler como alguien que domina permanentemente la escena y en lo autoreferencial ilustra a una sociedad  que se deja engañar por su carisma y elocuencia, dispuesta aceptar las terribles ideologías pero que a su vez se escandaliza por las banalidades.


Versión de la peñicula completa en castellano en éste link;
http://www.repelis.tv/11330/pelicula/er-ist-wieder-da.html

                             "FUKUSHIMA, MON AMOUR"

"Fukushima, mon amour" (Grüße aus Fukushima)
Dirección y Guión; Doris Dörrie
Música; Ulrike Haage
Montaje; Frank Muller
Fotografía; Hanno Lentz
Elenco; Rosalie Thomass, Kaori Momoi, Moshe Cohen, Nami Kamata, Aya Irizuki, Thomas Lettow
Productores; Harald Kugler, Molly von Furstenberg.
Productora; OlgaFilm.
Coproducción; Constantin FilmProduktion 2016, Duración 105m.

Una joven alemana Marie  quiere huir de su propia vida sentimental y entabla una relación amistosa con una mujer mayor japonesa durante un tour de la región de Fukushima en Japón luego del marremoto de 2011 como consecuencia del desastre nuclear.

Forma parte de Clowns4Help, una asociación benéfica de baile  Butoh y la mímica del clown, surge el puente de comunicación entre la cultura y sus costumbres de la Marie forma parte en una companía de payasos dónde quiere devolver la esperanza y felicidad a los sobrevivientes. Allí descubrirá que solo queda una persona, Satomi, una anciana que se resiste a abandonar su hogar. Pero Marie decidirá quedarse con la última geisha de Fukushima, una mujer con la que tiene muchas diferencias, pero también muchas cosas similares, pués ambas están atrapadas por el pasado común.

Es el último film de la cineasta alemana Doris Dörrie y se ambienta en Fukushima, donde la joven alemana Marie mientras huye de su propio cataclismo sentimentai decide conocer los desvastadores efectos de la triple catástrofe de Fukushima. para intentar alegrar la vida de los afectados sobrevivientes que sufrió la ciudad en 2011.
Los jóvenes han abandonado el lugar y solo queda la gente mayor que se resiste abandonar sus hogares desvastados y Satomi la última geisha de Fukushima quiere reconstruir. A través de la historia de éstas dos mujeres de personalidades y cultura antagónicas, Dörrie construye un fuerte relato fílmico en blanco y negro sobre el pasado y la memoria, y habla ya no sólo de la pérdida ("¿qué harías si todo lo que tienes dejara de existir?") sino también de los problemas derivados del uso de la energía nuclear.
La película podría completar un díptico en torno a los encuentros y las diferencias culturales que la cineasta comenzó con "Cerezos en flor" en 2008; ahora se centra en la relación que desarrollan Marie y Satomi con sus traumáticos pasados, marcados por el vacío sentimental y la culpa. Cada una encuentra, con la ayuda de la otra, la solución a su problema: dónde no se pueden obviar los fantasmas del pasado.
El film encuentra un equilibrio entre el drama y la comedia gracias a las actuaciones de Rosalie Thomass y Kaori Momoi, cuyos personajes poseídos de la verdad hace imposible no conectarse emocionalmente con ellos.
A pesar del corte humanista de la historia, Dörrie no renuncia a la experimentación formal y narrativa en "Fukushima, mon amour", para profundizar la psicología humana en la que destaca el blanco y negro con un sentido dramático con que la directora pretende homenajear a grandes directores como Akira Kurosawa o Yasujiro Ozu, y la hibridación entre ficción y realidad que impera, sobre todo, en la prodigiosa primera media hora del film, dónde se incluye una sombría y brutal representación de los auténticos refugiados de Fukushima. Además la introspección psicológica que tiene el filme sobre su dúo protagónico permite la recreación de representar ésos fantasmas que persiguen a Marie y Satomi.

                                     "Las Tres Luces"

Hitchcock cita Las tres luces (Der müde Tod) como una de las películas que más le impresionaron en su juventud y para Buñuel fue el detonante para dedicarse al séptimo arte. Le abrió los ojos, según él, a la expresividad poética del cine. Ya solo por ésto merece la pena descubrir ésta obra maestra que no se encuentra entre las más conocidas de Fritz Lang, pero que contiene el germen del estilo Expresionista y los hallazgos que más tarde desarrollaría en "Metrópolis", "Los nibelungos", "M, el vampiro de Düsseldorf" o "El doctor Mabuse".
La excelente noticia es que se ha remasterizado en pantalla grande y con una copia restaurada digitalmente,
Es una pareja de enamorados que llega a un pueblo donde conocen a un  hombre misterioso y que el novio desaparece con él y la novia lo busca con desespero, hasta que descubre que éste hombre es la muerte. A ella le importa que se lo devuelva y para ello es conducida a una sala velatoria con velas que simboliza la luz de la vida de las personas que terminan con el apagado de la vela y si ella evita que se estinga una de ellas le devolverá a su ser amado.
Tres episodios que ocurren en lugares diferentes y época en Bagdad, la Italia del renacimiento y la China Imperial definirá su destino de fracaso amoroso, pero la muerte le volverá a dar una oportunidad.
Ésta película muda es un clásico de Fritz Lang y considerada un privilegio del cine.

                                 "MI VIDA a los SESENTA"

"Mi vida a los sesenta",(Miss Sixty)    

Dirección; Sigrid Hoerner
Guión; Jane Ainscough
Fotografía; Matthias Fleischer
Montaje; Mona Brauer
Música; Max Knoth
Productores; Corinna Eich, Helge Sasse y Sigrid Hoerner.
Producción; Bavaria Pictures, Moneypenny Filmproduktion, Senador Filmproduktion.
Elenco; Iris Berben, Edgar Selge, Carmen Maja Antoni, Bjorn von der Wellen, Jordis Richter.
German Federal Film Board, Año 2014, duración 98m.

La bióloga Luise y el galerista Frans están en sus radiantes 60 años, pero ella vive con su madre frente a la TV y el tiene una relación sentimental con una veiteañera becaria.
Pero su vida tiene un giro el día en que le llega la jubilación anticipada en contra de su voluntad. Debido a la gran cantidad de tiempo libre que tiene, toma una decisión que cambiará su vida: quiere quedarse embarazada y tener un bebé.

La nueva misión que le impone a Frans es decidir reiniciar su carrera profesional encontrando una estrella en el arte contemporáneo. Obsesionado por la eterna juventud, sufre una lesión accidental en la columna vertebral a causa del sexo salvaje que mantiene con su joven asistente. 
Louise conoce a Frans trás un encontronazo en el parque y se ve obligada a acompañarle al hospital de urgencias y a partir de allí sus caminos tomarán una forma inesperada.
Con éstos ingredientes la directora Sigrid Hoerner construye una comedia chispeante e ingeniosa ya que el humor propone desafiar las leyes  naturales como lo haría una inseminación artificial en la vejez.
Con encanto y elegancia se responde así al tabú social empeñado en arrebatar el factor de la belleza en la tercera edad.

16° Festival de Cine Alemán 2016

En su 16° Edición del Festival del Cine Alemán desde el 15 al 21 de septiembre, trae una selección para su exhibición de varios film premiados y otros mencionados en Cannes que aportan un panorama con una amplia variedad temática actual del cine alemán.

Yo y Kaminski -Ich und Kaminski -
Elenco: Daniel Brühl, Jesper Christensen, Amira Casar, Denis Lavant, Jördis Triebel y Geraldine Chaplin.
Dirección: Wolfgang Becker
Guión; Thomas Wendrich, Wolfgang Becker
Dirección de fotografía; Jürgen Jürges Montaje; Peter R. Adam
Música; Lorenz Dangel
Productores; Uwe Schott, Wolfgang Becker
Producción X Filme Creative Pool, 2015, duración 120m

Las vanguardias y los hitos culturales del arte tienen grandes maestros como íconos que pasaron de Henri Matisse a Picasso en el modernismo hasta otros que no fueron famosos y quedaron como la figura olvidada.
En el caso de Manuel Kaminski (Jesper Christensen) un anciano pintor propone una mirada a la trastienda del arte en una reinvención de Matisse y cuya obra interesa a Picasso donde se relata su vida como pintor ciego y a su vez un intruso ficticio del arte creado por la adaptación de una novela alemana del escritor Daniel Kehlmann.

El actor Daniel Brulh que lo revive en el personaje y encarna como un ambicioso Sebastian Zollner, un periodista sin escrúpulos que lo ayudará a encontrar ese amor lejano que no olvidó, con el objetivo de usurpar su fama con la biografía del artista, al querer ingresar en sus círculos, al pretender tener la certeza de poder rescatarlo del olvido y trascender a la primicia cultural de nuestro tiempo. En realidad Kaminski no es ciego pero disimula pasar como tal cuándo pintó sus obras y disimulará lo necesario para conseguirlo ganándose la confianza para no desenmascarar su impostura al vivir anclado en su pasado por un amor de su juventud.

Por sobre todo el artista construye una improbable amistad con el periodista que se vuelve más íntima que no deja de ser un personaje grotesco con los consejos atravesados con frases elocuentes sobre su ancianidad, cuándo dice "no tenemos nada, pero hemos de despojarnos de todo" adquiere un sentido profundo muy convincente sobre su vida, respecto a su ocasidad y la crítica sobre el snobismo del mundo del arte y la banalidad que otorga la fama.
Becker que tambien adaptó el guión de la novela realizó un prolijo trabajo con sus actores como así también en la recopilación de obras de arte que documentó su film que según su declaración fue ardua y dificultosa en su selección que llevó mucho tiempo.

Dos tipos peligrosos

 "Dos tipos peligrosos" (The Nice Guys); Dirección: Shane Black. Elenco: Ryan Gosling, Russell Crowe, Matt Bomer, Kim Basinger, Angourie Rice y Margaret Qualley. Guión: Shane Black y Anthony Bagarozzi. Fotografía: Philippe Rousselot. Edición: Joel Negron. Diseño de producción: Richard Bridgland. Distribuidora: Diamond Films. Duración: 116 minutos. Estados Unidos/2016)

Shane Black especialista en acción filmó éste buen policial, también coescrito por él: Dos tipos peligrosos es una comedia como un thriller noir con una dupla actoral que transcurre en 1977, en la ciudad de Los Angeles, con personajes con barba rala y pelo largo, y con el surgimiento de la industria del porno, donde una joven contrata a Jackson Healy (Russell Crowe), un matón freelance que trabaja en el cuidado de jovencitas y vive cazando depravados que visitan la casa de Holland March (Ryan Gosling), un detective privado, torpe, simpático, y bebedor padre soltero de una inteligente adolescente (Angourie Rice), se encuentra investigando la sospechosa muerte de una estrella porno (Murielle Telio) cuándo recibe la visita de Healy. 
La desaparición de Amelia Kuttner (Margaret Qualley) unirán fuerzas en la investigación que tropezarán con una historia compleja, llena de variables enredos y personajes: desde activistas perniciosos hasta una poderosa funcionaria del Departamento de Justicia, Judith Kuttner (Kim Basinger) que busca su propósito, pasando por el rubro de películas pornos que esconde negocios mafiosos con tres automotrices involucradas.
El dúo actoral dan brillo a personajes que tienen la dinámica con escenas graciosas que marca el guión de Black a dos hombres inadaptados, diferentes en su filosofía de vida, deciden apartarse eso que los hace opuestos para protagonizar ésta comedia.
Otros trabajos de Shane Black es Arma mortal (1987), el El último Boy Scout (1991) y El último gran héroe (1993) que pone a prueba hacer funcionar una dupla de acción.

Gosling como comediante explora bien su trabajo en la escena del baño donde se vuelven a cruzar con el personaje de Crowe luego de su primer encuentro de humor bien logrado con la interacción entre ambos y el aporte físico de Gosling que puso un toque plus.
Angourie Rice, una adorable actriz australiana de 16 años realizó un correcto trabajo interpretando la hija del Holland March de Gosling y resultó una sorpresa.
Un film con demasiada acción peleas, golpes y caídas que solo entretiene pasar las 2 hs de duración y no más.