"Prometheus"

El equipo de científicos y exploradores a bordo de la nave Prometeo, están en un viaje para encontrar respuestas a algunas de las preguntas más profundas de la vida.
Dos científicos jóvenes y brillantes, Shawy y Holloway, que poseen motivaciones contrastantes, lideran la expedición. Shaw es una creyente, quiere conocer a estos "dioses" para acercarse a sus creencias religiosas más tradicionales, mientras que Holloway está buscando desmitificar ese tipo de nociones espirituales. Ningún de los dos científicos están preparados para los horrores que se encontrarán.

La misión de éste grupo de intrépidos terrícolas viajan a un remoto planeta para conocer los orígenes de la tierra donde serán puesto a prueba sus límites mentales y conocer misterios que conseguirán conocer su destrucción.
El film promete la nueva tecno de cristales inteligentes transparentes en un escenario extraterreste con mucha acción futurista según la propuesta avanzada de Ridley Scott.

Prometeo tiene muchos puntos de contacto con aquella obra maestra del terror en el espacio, (en la expedición de Alien, el enorme cadáver extraterrestre de la nave del que los tres tripulantes humanos descubren que algo le explotó desde adentro). Es el origen de la humanidad, el descubrimiento de la creación en la que la trama de Prometeo será lo importante en la historia, pero las preguntas que se hacían los replicantes de Philip K. Dick son las mismas que perturban a los antropólogos Elizabeth Shaw (Noomi Rapace) y Charlie Holloway (Logan Marshall-Green), el robot que interpreta el omnipresente Michael Fassbender y el empresario que financia la expedición a millones de años luz, en el espacio exterior crearon la vida humana para luego aniquilarla.
El otro punto en común que tiene Prometeo con Alien es que la protagonista es una mujer –Sigourney Weaver la misma en la saga de cuatro filmes, y la actriz Noomi Rapace, que demuestra mucha valentía. Aquí, el 3D cumple un rol preponderante como el atractivo principal ya que Scott cuidó los aspectos visuales y la fotografía, y Prometeo es un festín para los ojos detrás de los anteojitos 3D que brinda emociones. Prometeo va creando su propia mística a medida de que va progresando su metraje.

"Mujeres en Foco", 3° Festi internac. de cine con otra mirada

El 3° Festival de Cine Mujeres en Foco, es un encuentro internacional dedicado a la equidad de género, realizó su apertura oficial con música en vivo del Ensamble Tamborelá con la conducción de Gabriela Rádice y la proyección del cortometraje “Una visita para Elizabeth Teixeira”, que participará en la muestra. Este encuentro se presentará, del 5 al 9 de junio con entrada libre y gratuita, con 40 películas de 20 países, más actividades especiales sobre la problemática de género.
Cynthia Judkowski, una de las realizadoras del festival, explicó que Mujeres en Foco “comenzó hace tres años a partir de la ausencia de un espacio que necesitaba la temática de género con el arte, así que pensamos en un festival de cine internacional por la equidad de género con films de todo el mundo tanto de hombres como mujeres, porque la idea es incluir las diferentes miradas”.
La apertura oficial, fue celebrada en la sede de la Universidad de Palermo, se inició con una percusión de tambores del grupo de mujeres del Ensamble Tamborelá y continuó con la conducción de Gabriela Rádice, quien aseguró que uno de los objetivos principales del festival “es que las mujeres se reconozcan como tal porque la idea es incluir las diferentes miradas”. La apertura oficial, fue celebrada en la sede de la Universidad de Palermo, se inició con una percusión de tambores del grupo de mujeres del Ensamble Tamborelá y continuó con la conducción de Gabriela Rádice, quien aseguró que uno de los objetivos principales del festival “es que las mujeres se reconozcan como sujetos de derechos”. De los films que serán proyectados en las nueve secciones, diez largometrajes y cortometrajes serán evaluados por un jurado compuesto por Alejandra Portela, Carla Conte, Diego Battle, María Valdéz, Mariana Carbajal y Pedro Brieger. Se agregaron las palabras de Valeria Durán, del equipo de organizadoras del festival, quien destacó la realización de Mujeres en Foco en un momento histórico. “En una sociedad que continúa aplaudiendo y reproduciendo estereotipos desde los medios de comunicación, desde la publicidad y la política, celebramos proyectos que luego de largas luchas han llegado a buen puerto como la aprobación de las leyes de identidad de género y matrimonio igualitario, y una discusión cada vez más profunda sobre el derecho al aborto seguro y gratuito”, sentenció. En ese sentido, Durán agregó que desde Mujeres en Foco esperamos aportar a la difusión de espacios de debate público que contribuyan a cuestionar patrones de dominación establecidos para construir una sociedad más justa”. La misión del festival consiste en “estimular la producción y la difusión de material audiovisual comprometido con los derechos de las mujeres, con el objetivo de favorecer la implementación de políticas públicas favorables al cumplimiento de sus derechos”.Por eso, la propuesta no se limita a la proyección de materiales audiovisuales, sino también, al desarrollo de talleres educativos y actividades que estimulen propuestas, proyectos y prácticas sobre la problemática de género.
Para Judkowski, “es un momento más que propicio para el festival porque hay todo un contexto que permite que este tipo de propuestas se puedan generar y multiplicar, y con Cristina como Presidenta es mucho más que interesante poder sostenerlo”.“Nosotras creemos en el arte como espacio de diálogo, de reflexión, por eso el cine como ventana para plantear las problemáticas de género”, agregó Cynthia. Las películas podrán verse entre el martes y el sábado de esta semana en la Alianza Francesa de Buenos Aires y el Centro Cultural Haroldo Conti, y se realizarán proyecciones especiales en el “Comedor Los Pibes” de La Boca y la “Asociación Civil La Unión” de Villa Soldati.

"El Artista", tributo al amor

Con la entrega de los premios BAFTA del cine británico a cargo de la Academia Británica de Artes Cinematográficas dieron por ganador con 7 premios al film "El Artista" de francés Michel Hazanavicius como mejor director, a la mejor película y mejor actor.
El film además cuenta con 10 nominaciones al Oscar, al traer una bella y emotiva historia de cine dentro del cine que además invita a reflexionar sobre un momento clave de la historia del séptimo arte, nada menos que la crisis y el cambio de paradigma que significó la llegada del sonido a un mundo dominado hasta ése momento por el silencio.

Cuenta el pastiche tan sabiamente armado, un irresistible encanto, magnífica música y un elenco que es todo un festival de sutilezas con una bella y emotiva historia de la decáda del 30. Muda en blanco y negro, la película del francés Michel Hazavicious está protagonizada por Jean Dujardin y por la argentina Bérenice Bejo, esposa del director, hija del cineasta argentino Miguel Bejo, que nació en Buenos Aires, Bérenice creció y se formó en Francia y está nominada al Oscar a la Mejor Actriz de Reparto por su brillante actuación.
Se trata de una historia de amor y aventuras en tiempos del cine mudo en los que Hollywood todavía era Hollywoodland, y encumbraba a los artistas por su carisma y popularidad de galanes seductores y las mismas heroínas ingenuas, sin más diálogos que los que caben en los intertítulos y los actores tenían el poder de influir en decisiones artísticas por su "fisic du roll" que casi todos dominaban por la gestualidad y la destreza física con algo de Fairbanks, de Valentino y de Gene Kelly en el baile de sus film más memorables, "El ocaso de una estrella, Nace una estrella y Cantando bajo la lluvia".

Así Ocurrió con actores-directores de la época muda de los pioneros tales como Charles Chaplin o Buster Keaton y Agapito, en el cine de 1928, pero el actor George Valentin (interpretado muy bien por Dujardin) pasa al plano de gran estrella, admirado y celebrado por el público y la crítica en Variety.

“El artista” comienza en 1927, cuando Valentin está en la cresta de la ola de su popularidad, aparece en tapas de todas las revistas, es requerido por todos los directores y protagoniza una serie de filmes mudos de espías de un tal Otto Wagman, en clara alusión a los cineastas europeos exiliados que, como Friedrich Murnau o Fritz Lang, aportaron al crecimiento de la industria de cine estadounidense.

Carismático, elegante de bigote fino, simpático, orgulloso, egocéntrico y absolutamente consciente de su éxito, Valentin se cruza accidentalmente con la joven Peppy Miller (Bejo), una bailarina ignota muy talentosa y desinhibida, que gana un protagonismo inusitado al aparecer junto a él en la foto de tapa en Variety, una importante revista demostrando el poder que los medios tenían para determinar el ascenso o la caída de un artista.

En una de las escenas del filme, ellos vuelven a cruzarse en un casting para bailarinas en los estudios Kinograph, donde Valentin es la máxima estrella, él la descubre como una gran actriz cuando ambos juegan y ensayan unos pasos de baile sin verse las caras, siguiendo únicamente el movimiento grácil de sus pies, separados por un lienzo con fondo de nubes de por medio.

Gracias a Valentin, que le abre las puertas del estudio, y le dibuja un lunar sobre su boca y le dice: “Si quieres ser una actriz, necesitas tener algo que las demás no tienen”, ella así irá escalando posiciones y pasará de una extra a convertirse en nueva estrella del cine sonoro, una diva admirada por los espectadores se impulsará hacia la fama.

En 1929, con la llegada del cine sonoro, Valentin se ríe de la novedad y se niega a participar de las películas sonoras porque está convencido de que no hace falta decir con palabras lo que las imágenes dicen por sí mismas.

El actor, ama a su perro más que a su propia esposa (es un animal fiel e inteligente que lo ayuda en las películas y lo salvará también en la vida real, cuando caiga en su desesperación), no consigue ver que está frente al comienzo de una nueva era y muere en su proyecto al invertir todos sus ahorros al escribir, producir, dirigir y protagonizar una película de aventuras muda, que con su pésima taquilla, anuncia su propio triste final.

Hazavicious somete a Valentin a una pesadilla, en la que -haciendo un uso narrativo del sonido- él se sorprende escuchando el ring de un teléfono, el ladrido de su perro o las risas de unas chicas, pero él no puede expresarse, no tiene voz y se queda completamente sólo en el estudio.

En el final de su propia película, Valentin se hunde en arenas movedizas mientras su amada y su perro lo observan sin poder rescatarlo reflejando su propia vida, porque la llegada del sonido lo lleva a perderlo todo, y quedar en la absoluta pobreza e ignominia, quizás por su terquedad o por ser coherente y fiel a no torcer sus sueños.

El film maneja inter títulos, cierres en iris, música y actuaciones al estilo de la época, Hazavicious logra recrear con justeza el universo del cine mudo y mostrar la revolución técnica que significó la aparición del sonido para el cine, además de describir -a través del drama del protagonista- las profundas transformaciones estéticas y humanas que produjo a partir de 1927, con el estreno sonoro de “El cantor de jazz”, de Alan Crosland.
Cabe destacar y agregar en ésta oportunidad la generosa cosecha de premios entregados en reconocimiento a la mejor mascota cinematográfica del año. En Los Angeles, un terrier de Jack Russell conocido como "Uggie" se llevó el Golden Collar al mejor perro del año por la actuación en la pantalla grande, derrotando nada menos que a Blackie, el imponente doberman de La invención de Hugo Cabret. Ya no hacen falta solo ladridos, sí en cambio, regocijantes movimientos para que el can se robe algunas de las escenas decisivas de la película.
Candidatas al Oscar son sendas películas que giran alrededor de los orígenes del cine, el estadounidense Martin Scorsese, con "La invención de Hugo Cabret", con una tecnología de vanguardia que hoy impone la maquinaria Hollywoodense en (3D) para ambientar en una ficticia París como tributo al inventor del cine entendido como fábrica de sueños mágicos de George Meliés.
El francés Michel Hazanavicius, en "El artista", recurre al blanco y negro como recreación de época y a la reminiscencia de las técnicas y modalidades de rodaje del cine mudo para ambientar un Hollywood en la cuál se vive la transición hacia el gran cambio sonoro y es ésa nostálgica diferencia que hoy asegura el mismo cambio al 3D para ser la ganadora del Oscar en 2012.

"La invención de Hugo Cabret"

El Martin Scorsese creador de "Taxi Driver" y "Buenos muchachos" entre otros memorables films y ahora con "La invención de Hugo Cabret" donde concreta homenajear a Meliés y advertir sobre una obsesión que tiene sobre el tema de la prevención del patrimonio fílmico, con una épica fábula que protagoniza un niño huérfano de 12 años que vive en una estación de tren en Paris de 1931.

Acompaña la parte actoral con Asa Butterfield, Ben Kingsley en las imaginativas cartas junto a Sacha Baron Cohen, Emily Mortimer, Christopher Lee, Jude Law y Ray Winstone.

El tema del film dá pie a Scorsese para incursonar en la tecno 3D para ampliar la profundidad del campo que permitirá mejorar la técnica tridimensional para evitar los anteojos. En tal sentido el film explota recursos con tomas aéreas, la forma narrativa y coreográficas en escenas tecno-innovadoras en viajar al pasado gracias a las fílmicas innovaciones visuales.

El director consigue capturar un realismo a través de un chico como personaje central prodigio de la electrónica que se entretiene en arreglar un desvencijado robot, de la novela de Brian Selznick, y mira a través de la ventana al observar un mundo gigantesco, que hoy nos resulta mas pequeño y más cercano en sus recuerdos.

Con la ayuda de un excelente diseñador italiano Dante Ferretti que reprodujo en los estudios Shepperton de Londres ese mundo inexistente donde ocurre en el epicentro de la estación de tren en Paris.

Indagar en el futuro sobre la tecno Bleu Ray 3D puede ser atrayente para recuperar peliculas viejas para su restauración como "Museo de cera" de 1953 de André de Thot que fuera la primera en 3D, o Kis me Kate el musical del mismo año.

La invención de Hugo Cabret será lanzada en Bleu Ray 3D después de la entrega del Oscar el 26 de febrero.

A pesar de la 11 nominaciones que tiene para llegar "Hugo" a la cuenta regresiva final existe la incógnita de que gane cuando la verdadera atracción existe por "El Artista" de Michel Hazanavicius con la misma cantidad de nominaciones, le otorga una luz de ventaja para el veredicto final a la mejor película después que ésta ganara el premio del Directors Guild of América.

"La Dama de Hierro" del apogeo al acaso señil

Director: Phyllida Lloyd

Reparto: Meryl Streep, Anthony Head, Harry Lloyd, Jim Broadbent, Richard E. Grant, Roger Allam, Olivia Colman, Nicholas Farrell, Susan Brown, Distribución de Distribution Co. UK 2011.

Cumpliendo con el 30° aniversario de la guerra entre ambos paises en medio de una creciente tensión por parte de Inglaterra con el envío de un destroyer militar y un submarino para un bloqueo a la isla, llega el film en el momento político conflictivo menos propicio.

Por sobre la excelente caracterización y actuacion de Maryl Streep el mayor interés que sobresale del film, quedan posteriormente centrados en los 15 minutos que enfocan exclusivamente lo ocurrido en Malvinas en 1982 cuando fueron tomadas por la invasión argentina y cuándo Thatcher siendo primera ministra pronunció una frase famosa; "¡ las islas Falkland pertenecen a Gran Bretania y las quiero devuelta aquí !", y después por ello al atravesar la calle con su auto recibe las quejas; "de viva voz de la gente".
Meryl Streep protagoniza a Margaret Thatcher como una líder resuelta, ejecutora y decidida sin vacilación a hacer la Guerra en Malvinas aún cuando sus asesores de su gabinete de Defensa no estaban convencidos ni aceptaban minimizar la estrategia argentina.

Se muestra un buen material de archivo del teatro de operaciones en el Atlántico Sur con el hundimiento del destructor inglés Sheffield y del cruzero argentino Gral. Belgrano y sobre el conflicto bélico en la isla que pone énfasis en los episodios cruciales.

La visita de 10 Downing Street para las tomas de decisiones con el Gral. Alexander Haig (Matthew Marsh) que fuera el secretario de Estado de Reagan son las condiciones relevantes del tramo que le toca enfrentar y Streep construye un personaje poderoso é irónico, en un discurso sobre la subestimación que siente tratada por Haig, y éste queda incomodado después de servirle una taza de té, al inquirirle: "Con todo respeto, señor, yo ya he dado batalla. Cada día de mi vida. Y muchos hombres me han subestimado. Ellos quieren hacer lo mismo, pero se van a arrepentir".

Sin embargo, el funcionario de Estados Unidos no era el primero en cuestionar la idea de ir a la guerra con la Argentina. Antes de la escena en que Thatcher anuncia el envío de tropas a Malvinas, el film muestra los momentos en que sus asesores buscaban disuadirla, argumentando que Inglaterra no estaba en condiciones de solventar los costos de una guerra.

El guión de Abi Morgan muestra la avidez de Margaret por alcanzar renombre como a Steep motivada por emociones contenidas de tristeza en oposición al momento de exaltación por mantener el poder dice: "Todos vamos al momento de enfrentarnos con decisiones que deberemos tomar y nadie estará excento como así de vangloriarse o arrepentirse por determinadas acciones, inevitable de pensar en ellas cuándo se acerque el final".

La directora del film Phyllida Lloyd alude que no puede ser de otra manera en el poder, tanto el triunfo y la derrota estuvieron asociados a la primer ministra del Reino Unido por la arbitrariedad tomada por algunos conceptos errados en su estrategia.

Thatcher es un personaje polémico y discutido, especialmente para los británicos más conservadores ya que es una figura destacada, casi una heroína. Si a eso se le suma un sesgo feminista como la mujer que logró colarse en la cerrada secta machista del poder político británico, éste personaje se complica y trasciende aún más. Thatcher está viva y sufre demencia senil y la película no evita el tema en mostrar su ocaso desmemoriado en su escena final cuando deambula sola en su casa vacía alucinada por quién ya no está.
Si su presente resulta moroso y confuso, el pasado fue impreciso y obvio, uno podría decir que la actuación de Streep es extraordinaria al captar las facciones al personaje tanto de jóven como de anciana gracias al maquillaje, no sólo de sus gestos sino por los momentos que unen las puntas sueltas del relato y su dura realidad.

La dama de hierro celebra a Thatcher de una manera que para muchos puede resultar hasta irritante ya que la película es poco celebratoria de su controvertida figura, lo más importante es que no hay nada más que una excepcional actuación que la sostenga...

La chica del dragón tatuado

El Director David Fincher es admirado por desarrollar thrillers con asesinos seriales y sus variadas perversiones humanas en sórdidos ambientes como Allien 3, Pecados capitales y Zodíaco que hacen parte de su filmografía.

Regresa ahora con "La chica del dragón tatuado" un intrincado thriller frívolo donde pone en jaque las miserias de la sociedad burguesa sueca en una pequeña comunidad cerrada de una isla adosando una estética de cine negro a diferencia de "Los hombres que no amaban a las mujeres" su anterior versión de la misma historia del director Niels Arden Oplev, y en ésta con algunos cambios introducidos por el guionista Steven Zaillan con una mirada más nórdica.

El escritor sueco Stieg Larsson, se centra por un lado en Mikael Blomkvist, el periodista de la revista Millenium, interpretado por (Daniel Craig), quién cometió un error que puso en jaque su prestigiosa carrera. Por otro lado tenemos a Lisbeth Salander (Rooney Mara), una jóven de 23 años, pupila

de conflictos con el estado, heroína feminista, vengadora punk y rebelde al sistema identificada con tatuages y piercing, cuya inteligencia es su mayor virtud en hackear información cibernética.

Mikael Blomkvist que tiene problemas con la justicia y grupos de poder es contratado por un magnate sueco, con el compromiso buscar la información que limpiara su carrera, para investigar la desaparición de su nieta cuarenta años atrás. Ante la imposibilidad de llegar a un resultado satisfactorio se verá presionado y también entrará en escena el personaje arriesgado de Lisbeth para colaborar en la investigación y facilitar la resolución del caso.

La trama del film consigue sumergirse en las descripción de las miserias pasadas y presentes del grupo familiar que ambos protagonistas deben investigar en ése pasado turbulento que no deja de ser un desafío para los sentidos tensando la situación del film.

En éste juego de diferencias la intención de dilatar las jugadas entre los personajes sostiene la atención más expectante para un desenlace diferente en una relación sentimental imposible.

El elenco se completa con los roles de Stellan Skarsgard, Robin Wright, Christoper Plummer y Joely Richardson.

La fotografía pertenece a Jeff Cronenweth, Música de Trent Reznor y Atticus Ross y Diseño de producción de Donald Graham Burt.

CoProducción de EE.UU, Suecia, Alemania y G.B / 2011, Distribuída por SONY con duración de 157 minutos.

J . Edgar , cara y cruz del FBI

El relato del film comienza con los últimos años del personaje frente al FBI, hombre poderoso frente al ocaso de su vida empeñado en contar los hechos para la posteridad para pasar luego su relato a sus años de juventud.
J. Edgar Hoover surgiría para ser el hombre más poderoso de los Estados Unidos como así también se le exploraría su intimidad como parte de su existencia al ser líder de presidentes y tres guerras de por medio, Hoover ( Leonardo Dicaprio) libró batalla contra amenazas gestadas a la sombra de gangsterismo en la década del 30.
Sus métodos eran despiadados y heroicos en las fuerzas de seguridad norteamericana, que provocaban la admiración del mundo, ya que Hoover era un hombre que valoraba enormemente los secretos –en particular los secretos de otros- y no temía utilizar esa información para ejercer la autoridad ante los líderes de la nación.

Así obtiene poder y el miedo da oportunidad, que le obsesionaba utilizar para obtener una influencia sin precedentes y para construir una reputación casi intocable. Era precavido en su vida privada tal como lo era en su vida pública, depositaba su confianza en un pequeño círculo íntimo con su colega m

ás cercano, Clyde Tolson (Armie Hammer) que era su compañía constante y sentimental.
Su secretaria, Helen Gandy, (Noemi Watts) quién conocía las ideas de Hoover, acompañaba de forma privada y permaneció leal hasta el final…y aún más. Sólo la madre de Hoover (Judi Dench), acompañó su inspiración y su consciencia, que lo abandonaría

con su muerte sorpresiva y dañaría profundamente al hijo que siempre buscó su amor y su aprobación.

Como puede observarse en los propios ojos de Hoover, “J. Edgar” explora la vida personal y pública y las relaciones de un hombre que podía distorsionar la verdad con tanta facilidad como la imposición de sus poder que dejaron profundas huella

s en su personalidad.

Dirigido por Clint Eastwood y escrito por Dustin Lance Black consigue entrelazar una historia política con el relato privado que sostuvo durante una vida dedicada a su idea de justicia muchas veces golpeada por el lado oculto del poder. La mirada del director hace inflexión en los rigores de un film biográfico sin acelerar el ritmo ni situaciones con admirable estilo desarrollando en detalle cada arista del personaje.