SPLICE; experimento mortal final

Con el film SPLICE nació la mujer con cola y aguijón de escorpión, patas de ave y alas retráctiles y ojos muy separados. Para todos aquellos incrédulos que no conciben creerlo, es el producto de la ingeniería genética con sus mutaciones que lo ha logrado y no está lejos en el tiempo futuro,donde los experimentos se orienten hacia la creación humana de androides.No solo existe en la ciencia ficción que adelanta lo que podría ser real ya que planteada la realidad se resuelve con la investigación genética con sus mutaciones del ADN.
Al descontrolar el árbol genealógico evolutivo la sorpresa es la creación de una criatura hermosa androide e evolución humana que traspone la belleza y la inteligencia más allá de las excepcionales habilidades físicas que excede todos los sueños ambiciosos de la creación cientíca para convertirse en una gran pesadilla.
El realizador Vincenzo Natali no huye de sus referencias propuestas y las incluye en su película de una manera clara, sin ocultar su fuente al integrarlas en su obra y abriendo perspectivas emocionales, por las que, al realizar las asociaciones visuales, también se asocian las premisas argumentales y los conflictos que en ellas se plantean, permitiendo superar esas premisas para evolucionar en otra dirección, la que renueva al reescribir el mito del pecado original de Adán y Eva, representados en Clive y Elsa, y en lugar de desafiar a Dios con la manzana crea una especie nueva de la criatura adrógena.

Temeroso de tener una carrera de investigación mundano, Clive y Elsa proponen en secreto llevar a cabo sus propios experimentos, al mezclar ADN humano con el de otros animales, Elsa empuja la cuestión y Clive llama su criatura Dren ("empollón" al revés) que crece y aprende a un ritmo acelerado y el riesgo de ser descubierto Dren aumenta, deciden llevar se a Dren a la granja de la difunta madre de Elsa.
Sin saberlo, las hembras híbridas que habían creado cambian de sexo y hacen una presentación desastrosa al enfrentar a dos híbridos machos, éstos brutalmente se matan unos a otros frente a los accionistas provocando un caos y trás esta reunión, NERD se encuentra en peligro de ir a la quiebra a menos que pueda hacer un descubrimiento rentable.
Mientras tanto, Dren se ha convertido en anfibios y omnívoros con un tóxico aguijón y alas retráctiles. Elsa, que habían formado anteriormente un vínculo maternal con el Dren, cambia de opinión después de exposiciones Dren conducta violenta, matando a un gato de compañía de pesar y luego agredir a Elsa. Se corta el aguijón de los niños y utiliza muestras de tejido de ella para aislar y finalmente sintetizar la proteína que había estado buscando.
Poco después, Clive y Dren tienen relaciones sexuales en el cuál Dren revela que ella ha regenerado su aguijón que fuera cortado por Elsa pero al descubrr el encuentro sexual con Clive tienen una acalorada discusión.
Con la decisión de enfrentar a Dren, regresan a la granja, pero descubren su cuerpo en un depósito de agua, al parecer enfermo y en corto período de tiempo Dren muere y es enterrada en la granja.

Poco tiempo después,su jefe Barlow de la empresa farmacéutica llega con su colega de Clive y su hermano menor Gavin al ser consciente de la existencia Dren, ha confirmado sus sospechas de Barlow que algún tipo de híbrido humano ha sido creado (por el ADN presente en la nueva proteína que sintetiza).
Son atacados por Dren, que no estaba muerta, pero durante una especie de coma mientras su cuerpo sufrió cambios la convirtió en un hombre. Después de matar a Barlow y Gavin, Dren arrastra a Clive en un estanque de congelación. Elsa lo rescata pero está inconsciente, y Dren está listo para atacar, por lo que ella huye, dejando detrás a Clive y Elsa es violada, Clive viene a su rescate pero Dren mata a Clive con su picadura tóxica, que Elsa con una piedra asesta un golpe mortal a Dren.
Elsa se encuentra en la oficina del jefe de la empresa farmacéutica por la cuál recibe una cantidad de dinero a cambio de su silencio por el riesgo personal que ella está experimentando. Elsa se levanta y se revela que está embarazada.

El film mezcla horror con ciencia ficcción donde su director Vincenso Natali, y una pareja de investigadores científicos Elsa (Sarah Polley) y Clive (Adrian Brody) espaecialistas en mutación genética de ADN para rediseñar la creación de híbridos humanos para un laboratorio farmacológico que dispone fondos de investigación, NERD (nucleicos Intercambio de Investigación y Desarrollo), con el objetivo de producir proteínas medicinales de encontrar soluciones de curas médicas a enfermedades terminales y de una nueva especie humana que los empuja a experimentar, a espaldas de sus superiores, con ADN humano dando a luz un nuevo ser androide, Dren (Delphine Chanéac), una atormentada criatura.
Las primeros acordes de la partitura compuesta por Cyrille Aufort evocan, irremediablemente, a cualquiera de las que Howard Shore compusiera para los primeros títulos de la filmografía de David Cronenberg. Momentos como la transformación de la criatura en la que deja atrás su primer caparazón del nacimiento para evolucionar hacia otro tipo de criatura mucho más ágil nos remiten, indiscutiblemente, a “Alien”. Cualquiera de las criaturas sugieren necesidad de cariño, inevitablemente, que fuera el vástago de Henry Spencer en “Eraserhead" y a las texturas físicas de cualquiera de las obras de Chris Cunningham y particularmente a “Mental Wealth”, en la que la cara de la protagonista era muy parecida a la de Dren.
Si bien las críticas pueden ser disímiles y jugar tanto a favor como en contra, lo que no se puede negar es la habilidad de su director Natali para narrar su historia, en la que consigue momentos de empatía por la criatura un tanto extraña que pueda parecernos, o incluso sus primeras fases de crecimiento alejada de la apariencia humana.
Fotografía, diseño de producción, montaje, todos los elementos juegan a favor del film, como así en aspectos de maquillaje o efectos especiales.
Con un final abierto es el espectador quién debe decidir, que permite hacer un nuevo guiño cinematográfico hacia la continuidad de otra segunda película.

"Prometheus"

El equipo de científicos y exploradores a bordo de la nave Prometeo, están en un viaje para encontrar respuestas a algunas de las preguntas más profundas de la vida.
Dos científicos jóvenes y brillantes, Shawy y Holloway, que poseen motivaciones contrastantes, lideran la expedición. Shaw es una creyente, quiere conocer a estos "dioses" para acercarse a sus creencias religiosas más tradicionales, mientras que Holloway está buscando desmitificar ese tipo de nociones espirituales. Ningún de los dos científicos están preparados para los horrores que se encontrarán.

La misión de éste grupo de intrépidos terrícolas viajan a un remoto planeta para conocer los orígenes de la tierra donde serán puesto a prueba sus límites mentales y conocer misterios que conseguirán conocer su destrucción.
El film promete la nueva tecno de cristales inteligentes transparentes en un escenario extraterreste con mucha acción futurista según la propuesta avanzada de Ridley Scott.

Prometeo tiene muchos puntos de contacto con aquella obra maestra del terror en el espacio, (en la expedición de Alien, el enorme cadáver extraterrestre de la nave del que los tres tripulantes humanos descubren que algo le explotó desde adentro). Es el origen de la humanidad, el descubrimiento de la creación en la que la trama de Prometeo será lo importante en la historia, pero las preguntas que se hacían los replicantes de Philip K. Dick son las mismas que perturban a los antropólogos Elizabeth Shaw (Noomi Rapace) y Charlie Holloway (Logan Marshall-Green), el robot que interpreta el omnipresente Michael Fassbender y el empresario que financia la expedición a millones de años luz, en el espacio exterior crearon la vida humana para luego aniquilarla.
El otro punto en común que tiene Prometeo con Alien es que la protagonista es una mujer –Sigourney Weaver la misma en la saga de cuatro filmes, y la actriz Noomi Rapace, que demuestra mucha valentía. Aquí, el 3D cumple un rol preponderante como el atractivo principal ya que Scott cuidó los aspectos visuales y la fotografía, y Prometeo es un festín para los ojos detrás de los anteojitos 3D que brinda emociones. Prometeo va creando su propia mística a medida de que va progresando su metraje.

"El Artista", tributo al amor

Con la entrega de los premios BAFTA del cine británico a cargo de la Academia Británica de Artes Cinematográficas dieron por ganador con 7 premios al film "El Artista" de francés Michel Hazanavicius como mejor director, a la mejor película y mejor actor.
El film además cuenta con 10 nominaciones al Oscar, al traer una bella y emotiva historia de cine dentro del cine que además invita a reflexionar sobre un momento clave de la historia del séptimo arte, nada menos que la crisis y el cambio de paradigma que significó la llegada del sonido a un mundo dominado hasta ése momento por el silencio.

Cuenta el pastiche tan sabiamente armado, un irresistible encanto, magnífica música y un elenco que es todo un festival de sutilezas con una bella y emotiva historia de la decáda del 30. Muda en blanco y negro, la película del francés Michel Hazavicious está protagonizada por Jean Dujardin y por la argentina Bérenice Bejo, esposa del director, hija del cineasta argentino Miguel Bejo, que nació en Buenos Aires, Bérenice creció y se formó en Francia y está nominada al Oscar a la Mejor Actriz de Reparto por su brillante actuación.
Se trata de una historia de amor y aventuras en tiempos del cine mudo en los que Hollywood todavía era Hollywoodland, y encumbraba a los artistas por su carisma y popularidad de galanes seductores y las mismas heroínas ingenuas, sin más diálogos que los que caben en los intertítulos y los actores tenían el poder de influir en decisiones artísticas por su "fisic du roll" que casi todos dominaban por la gestualidad y la destreza física con algo de Fairbanks, de Valentino y de Gene Kelly en el baile de sus film más memorables, "El ocaso de una estrella, Nace una estrella y Cantando bajo la lluvia".

Así Ocurrió con actores-directores de la época muda de los pioneros tales como Charles Chaplin o Buster Keaton y Agapito, en el cine de 1928, pero el actor George Valentin (interpretado muy bien por Dujardin) pasa al plano de gran estrella, admirado y celebrado por el público y la crítica en Variety.

“El artista” comienza en 1927, cuando Valentin está en la cresta de la ola de su popularidad, aparece en tapas de todas las revistas, es requerido por todos los directores y protagoniza una serie de filmes mudos de espías de un tal Otto Wagman, en clara alusión a los cineastas europeos exiliados que, como Friedrich Murnau o Fritz Lang, aportaron al crecimiento de la industria de cine estadounidense.

Carismático, elegante de bigote fino, simpático, orgulloso, egocéntrico y absolutamente consciente de su éxito, Valentin se cruza accidentalmente con la joven Peppy Miller (Bejo), una bailarina ignota muy talentosa y desinhibida, que gana un protagonismo inusitado al aparecer junto a él en la foto de tapa en Variety, una importante revista demostrando el poder que los medios tenían para determinar el ascenso o la caída de un artista.

En una de las escenas del filme, ellos vuelven a cruzarse en un casting para bailarinas en los estudios Kinograph, donde Valentin es la máxima estrella, él la descubre como una gran actriz cuando ambos juegan y ensayan unos pasos de baile sin verse las caras, siguiendo únicamente el movimiento grácil de sus pies, separados por un lienzo con fondo de nubes de por medio.

Gracias a Valentin, que le abre las puertas del estudio, y le dibuja un lunar sobre su boca y le dice: “Si quieres ser una actriz, necesitas tener algo que las demás no tienen”, ella así irá escalando posiciones y pasará de una extra a convertirse en nueva estrella del cine sonoro, una diva admirada por los espectadores se impulsará hacia la fama.

En 1929, con la llegada del cine sonoro, Valentin se ríe de la novedad y se niega a participar de las películas sonoras porque está convencido de que no hace falta decir con palabras lo que las imágenes dicen por sí mismas.

El actor, ama a su perro más que a su propia esposa (es un animal fiel e inteligente que lo ayuda en las películas y lo salvará también en la vida real, cuando caiga en su desesperación), no consigue ver que está frente al comienzo de una nueva era y muere en su proyecto al invertir todos sus ahorros al escribir, producir, dirigir y protagonizar una película de aventuras muda, que con su pésima taquilla, anuncia su propio triste final.

Hazavicious somete a Valentin a una pesadilla, en la que -haciendo un uso narrativo del sonido- él se sorprende escuchando el ring de un teléfono, el ladrido de su perro o las risas de unas chicas, pero él no puede expresarse, no tiene voz y se queda completamente sólo en el estudio.

En el final de su propia película, Valentin se hunde en arenas movedizas mientras su amada y su perro lo observan sin poder rescatarlo reflejando su propia vida, porque la llegada del sonido lo lleva a perderlo todo, y quedar en la absoluta pobreza e ignominia, quizás por su terquedad o por ser coherente y fiel a no torcer sus sueños.

El film maneja inter títulos, cierres en iris, música y actuaciones al estilo de la época, Hazavicious logra recrear con justeza el universo del cine mudo y mostrar la revolución técnica que significó la aparición del sonido para el cine, además de describir -a través del drama del protagonista- las profundas transformaciones estéticas y humanas que produjo a partir de 1927, con el estreno sonoro de “El cantor de jazz”, de Alan Crosland.
Cabe destacar y agregar en ésta oportunidad la generosa cosecha de premios entregados en reconocimiento a la mejor mascota cinematográfica del año. En Los Angeles, un terrier de Jack Russell conocido como "Uggie" se llevó el Golden Collar al mejor perro del año por la actuación en la pantalla grande, derrotando nada menos que a Blackie, el imponente doberman de La invención de Hugo Cabret. Ya no hacen falta solo ladridos, sí en cambio, regocijantes movimientos para que el can se robe algunas de las escenas decisivas de la película.
Candidatas al Oscar son sendas películas que giran alrededor de los orígenes del cine, el estadounidense Martin Scorsese, con "La invención de Hugo Cabret", con una tecnología de vanguardia que hoy impone la maquinaria Hollywoodense en (3D) para ambientar en una ficticia París como tributo al inventor del cine entendido como fábrica de sueños mágicos de George Meliés.
El francés Michel Hazanavicius, en "El artista", recurre al blanco y negro como recreación de época y a la reminiscencia de las técnicas y modalidades de rodaje del cine mudo para ambientar un Hollywood en la cuál se vive la transición hacia el gran cambio sonoro y es ésa nostálgica diferencia que hoy asegura el mismo cambio al 3D para ser la ganadora del Oscar en 2012.

"La invención de Hugo Cabret"

El Martin Scorsese creador de "Taxi Driver" y "Buenos muchachos" entre otros memorables films y ahora con "La invención de Hugo Cabret" donde concreta homenajear a Meliés y advertir sobre una obsesión que tiene sobre el tema de la prevención del patrimonio fílmico, con una épica fábula que protagoniza un niño huérfano de 12 años que vive en una estación de tren en Paris de 1931.

Acompaña la parte actoral con Asa Butterfield, Ben Kingsley en las imaginativas cartas junto a Sacha Baron Cohen, Emily Mortimer, Christopher Lee, Jude Law y Ray Winstone.

El tema del film dá pie a Scorsese para incursonar en la tecno 3D para ampliar la profundidad del campo que permitirá mejorar la técnica tridimensional para evitar los anteojos. En tal sentido el film explota recursos con tomas aéreas, la forma narrativa y coreográficas en escenas tecno-innovadoras en viajar al pasado gracias a las fílmicas innovaciones visuales.

El director consigue capturar un realismo a través de un chico como personaje central prodigio de la electrónica que se entretiene en arreglar un desvencijado robot, de la novela de Brian Selznick, y mira a través de la ventana al observar un mundo gigantesco, que hoy nos resulta mas pequeño y más cercano en sus recuerdos.

Con la ayuda de un excelente diseñador italiano Dante Ferretti que reprodujo en los estudios Shepperton de Londres ese mundo inexistente donde ocurre en el epicentro de la estación de tren en Paris.

Indagar en el futuro sobre la tecno Bleu Ray 3D puede ser atrayente para recuperar peliculas viejas para su restauración como "Museo de cera" de 1953 de André de Thot que fuera la primera en 3D, o Kis me Kate el musical del mismo año.

La invención de Hugo Cabret será lanzada en Bleu Ray 3D después de la entrega del Oscar el 26 de febrero.

A pesar de la 11 nominaciones que tiene para llegar "Hugo" a la cuenta regresiva final existe la incógnita de que gane cuando la verdadera atracción existe por "El Artista" de Michel Hazanavicius con la misma cantidad de nominaciones, le otorga una luz de ventaja para el veredicto final a la mejor película después que ésta ganara el premio del Directors Guild of América.

"La Dama de Hierro" del apogeo al acaso señil

Director: Phyllida Lloyd

Reparto: Meryl Streep, Anthony Head, Harry Lloyd, Jim Broadbent, Richard E. Grant, Roger Allam, Olivia Colman, Nicholas Farrell, Susan Brown, Distribución de Distribution Co. UK 2011.

Cumpliendo con el 30° aniversario de la guerra entre ambos paises en medio de una creciente tensión por parte de Inglaterra con el envío de un destroyer militar y un submarino para un bloqueo a la isla, llega el film en el momento político conflictivo menos propicio.

Por sobre la excelente caracterización y actuacion de Maryl Streep el mayor interés que sobresale del film, quedan posteriormente centrados en los 15 minutos que enfocan exclusivamente lo ocurrido en Malvinas en 1982 cuando fueron tomadas por la invasión argentina y cuándo Thatcher siendo primera ministra pronunció una frase famosa; "¡ las islas Falkland pertenecen a Gran Bretania y las quiero devuelta aquí !", y después por ello al atravesar la calle con su auto recibe las quejas; "de viva voz de la gente".
Meryl Streep protagoniza a Margaret Thatcher como una líder resuelta, ejecutora y decidida sin vacilación a hacer la Guerra en Malvinas aún cuando sus asesores de su gabinete de Defensa no estaban convencidos ni aceptaban minimizar la estrategia argentina.

Se muestra un buen material de archivo del teatro de operaciones en el Atlántico Sur con el hundimiento del destructor inglés Sheffield y del cruzero argentino Gral. Belgrano y sobre el conflicto bélico en la isla que pone énfasis en los episodios cruciales.

La visita de 10 Downing Street para las tomas de decisiones con el Gral. Alexander Haig (Matthew Marsh) que fuera el secretario de Estado de Reagan son las condiciones relevantes del tramo que le toca enfrentar y Streep construye un personaje poderoso é irónico, en un discurso sobre la subestimación que siente tratada por Haig, y éste queda incomodado después de servirle una taza de té, al inquirirle: "Con todo respeto, señor, yo ya he dado batalla. Cada día de mi vida. Y muchos hombres me han subestimado. Ellos quieren hacer lo mismo, pero se van a arrepentir".

Sin embargo, el funcionario de Estados Unidos no era el primero en cuestionar la idea de ir a la guerra con la Argentina. Antes de la escena en que Thatcher anuncia el envío de tropas a Malvinas, el film muestra los momentos en que sus asesores buscaban disuadirla, argumentando que Inglaterra no estaba en condiciones de solventar los costos de una guerra.

El guión de Abi Morgan muestra la avidez de Margaret por alcanzar renombre como a Steep motivada por emociones contenidas de tristeza en oposición al momento de exaltación por mantener el poder dice: "Todos vamos al momento de enfrentarnos con decisiones que deberemos tomar y nadie estará excento como así de vangloriarse o arrepentirse por determinadas acciones, inevitable de pensar en ellas cuándo se acerque el final".

La directora del film Phyllida Lloyd alude que no puede ser de otra manera en el poder, tanto el triunfo y la derrota estuvieron asociados a la primer ministra del Reino Unido por la arbitrariedad tomada por algunos conceptos errados en su estrategia.

Thatcher es un personaje polémico y discutido, especialmente para los británicos más conservadores ya que es una figura destacada, casi una heroína. Si a eso se le suma un sesgo feminista como la mujer que logró colarse en la cerrada secta machista del poder político británico, éste personaje se complica y trasciende aún más. Thatcher está viva y sufre demencia senil y la película no evita el tema en mostrar su ocaso desmemoriado en su escena final cuando deambula sola en su casa vacía alucinada por quién ya no está.
Si su presente resulta moroso y confuso, el pasado fue impreciso y obvio, uno podría decir que la actuación de Streep es extraordinaria al captar las facciones al personaje tanto de jóven como de anciana gracias al maquillaje, no sólo de sus gestos sino por los momentos que unen las puntas sueltas del relato y su dura realidad.

La dama de hierro celebra a Thatcher de una manera que para muchos puede resultar hasta irritante ya que la película es poco celebratoria de su controvertida figura, lo más importante es que no hay nada más que una excepcional actuación que la sostenga...

La chica del dragón tatuado

El Director David Fincher es admirado por desarrollar thrillers con asesinos seriales y sus variadas perversiones humanas en sórdidos ambientes como Allien 3, Pecados capitales y Zodíaco que hacen parte de su filmografía.

Regresa ahora con "La chica del dragón tatuado" un intrincado thriller frívolo donde pone en jaque las miserias de la sociedad burguesa sueca en una pequeña comunidad cerrada de una isla adosando una estética de cine negro a diferencia de "Los hombres que no amaban a las mujeres" su anterior versión de la misma historia del director Niels Arden Oplev, y en ésta con algunos cambios introducidos por el guionista Steven Zaillan con una mirada más nórdica.

El escritor sueco Stieg Larsson, se centra por un lado en Mikael Blomkvist, el periodista de la revista Millenium, interpretado por (Daniel Craig), quién cometió un error que puso en jaque su prestigiosa carrera. Por otro lado tenemos a Lisbeth Salander (Rooney Mara), una jóven de 23 años, pupila

de conflictos con el estado, heroína feminista, vengadora punk y rebelde al sistema identificada con tatuages y piercing, cuya inteligencia es su mayor virtud en hackear información cibernética.

Mikael Blomkvist que tiene problemas con la justicia y grupos de poder es contratado por un magnate sueco, con el compromiso buscar la información que limpiara su carrera, para investigar la desaparición de su nieta cuarenta años atrás. Ante la imposibilidad de llegar a un resultado satisfactorio se verá presionado y también entrará en escena el personaje arriesgado de Lisbeth para colaborar en la investigación y facilitar la resolución del caso.

La trama del film consigue sumergirse en las descripción de las miserias pasadas y presentes del grupo familiar que ambos protagonistas deben investigar en ése pasado turbulento que no deja de ser un desafío para los sentidos tensando la situación del film.

En éste juego de diferencias la intención de dilatar las jugadas entre los personajes sostiene la atención más expectante para un desenlace diferente en una relación sentimental imposible.

El elenco se completa con los roles de Stellan Skarsgard, Robin Wright, Christoper Plummer y Joely Richardson.

La fotografía pertenece a Jeff Cronenweth, Música de Trent Reznor y Atticus Ross y Diseño de producción de Donald Graham Burt.

CoProducción de EE.UU, Suecia, Alemania y G.B / 2011, Distribuída por SONY con duración de 157 minutos.

J . Edgar , cara y cruz del FBI

El relato del film comienza con los últimos años del personaje frente al FBI, hombre poderoso frente al ocaso de su vida empeñado en contar los hechos para la posteridad para pasar luego su relato a sus años de juventud.
J. Edgar Hoover surgiría para ser el hombre más poderoso de los Estados Unidos como así también se le exploraría su intimidad como parte de su existencia al ser líder de presidentes y tres guerras de por medio, Hoover ( Leonardo Dicaprio) libró batalla contra amenazas gestadas a la sombra de gangsterismo en la década del 30.
Sus métodos eran despiadados y heroicos en las fuerzas de seguridad norteamericana, que provocaban la admiración del mundo, ya que Hoover era un hombre que valoraba enormemente los secretos –en particular los secretos de otros- y no temía utilizar esa información para ejercer la autoridad ante los líderes de la nación.

Así obtiene poder y el miedo da oportunidad, que le obsesionaba utilizar para obtener una influencia sin precedentes y para construir una reputación casi intocable. Era precavido en su vida privada tal como lo era en su vida pública, depositaba su confianza en un pequeño círculo íntimo con su colega m

ás cercano, Clyde Tolson (Armie Hammer) que era su compañía constante y sentimental.
Su secretaria, Helen Gandy, (Noemi Watts) quién conocía las ideas de Hoover, acompañaba de forma privada y permaneció leal hasta el final…y aún más. Sólo la madre de Hoover (Judi Dench), acompañó su inspiración y su consciencia, que lo abandonaría

con su muerte sorpresiva y dañaría profundamente al hijo que siempre buscó su amor y su aprobación.

Como puede observarse en los propios ojos de Hoover, “J. Edgar” explora la vida personal y pública y las relaciones de un hombre que podía distorsionar la verdad con tanta facilidad como la imposición de sus poder que dejaron profundas huella

s en su personalidad.

Dirigido por Clint Eastwood y escrito por Dustin Lance Black consigue entrelazar una historia política con el relato privado que sostuvo durante una vida dedicada a su idea de justicia muchas veces golpeada por el lado oculto del poder. La mirada del director hace inflexión en los rigores de un film biográfico sin acelerar el ritmo ni situaciones con admirable estilo desarrollando en detalle cada arista del personaje.

84° edición del OSCAR, las nominaciones del cine en 2012

El anuncio de las favoritas para ganar la estatuilla del Oscar que entrega la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood quedaron fuera de carrera el corto animado argentino "Luminaris", de Juan José Zaramella, y la cinta danesa "Superclásico", rodada en Buenos Aires y protagonizada por Sebastián Estevanez junto a Bullhead (Bélgica), de Michael R. Roskam; Footnote (Israel), de Joseph Cedar; In darkness (Polonia), de Agnieszka Holland, Monsieur Lazhar (Canadá), de Philippe Falardeau; y Una separación (Irán), de Asghar Farhadi. y el 26 de febrero será la ceremonia de entrega en el teatro Kodak de Los Angeles.
La actriz franco-argentina Berenice Bejó hija del realizador Miguel Bejó que desarrolló su carrera artística en Francia y es poco conocida en argentina, es la única esperanza a los premios Oscar al quedar nominada como Mejor Actriz Secundaria por su papel en el filme "The Artist", que obtuvo otras 9 nominaciones.
Bejó casada con Michel Hazanavicius, director de "The Artist", posee una ascendente carrera dentro de la industria cinematográfica francesa, que la llevó a participar en cerca de 15 largometrajes y tener peersonajes en el "Crepúsculo rojo", del realizador argentino Edgardo Cozarinsky; en "24 heures de al vie d` un femme", de Laurent Bouhnik; "La maison" de Manuel Pirier; y "Proie" de Antoine Blossier, entre otras.
En "The Artist" (El Artista) un film en blanco y negro que se estrena en argentina 16 de febrero, después de su premiere mundial en mayo pasado en Cannes, donde el protagonista, Jean Dujardin, obtuvo el premio como Mejor Actor, por su parte Bejó interpreta a Peppy Miller, una extra cinematográfica que se enamora del galán del cine mudo francés, que describe las desventuras de un galán del cine que ve desbarrancar su carrera cuándo aparecen la películas habladas, es una niña huérfana que vive en las paredes de la estación central de trenes del París de 1930 siente su decepción.

Éste film solo fue superado en cantidad de nominaciones por "Hugo", la experiencia en 3D de Martin Scorsese, que obtuvo 11 nominaciones pero resta en actuación.
Así "The Artist" se convirtió en la sensación de ésta 84° edición de los Oscar, al quedar nominada en 10 categorías, entre ellas a mejor película, director, actor principal, fotografía, guión original, arte y vestuario.
La intérprete Bejó franco-argentina compite en la sección a Mejor Actriz Secundaria junto a Jessica Chastain y Octavia Spencer (ambas en "Historias cruzadas"), Melissa McCarthy ("Damas en guerra") y Janet McTeer ("Albert Nobbs").
Le siguen las peliculas "Moneyball" con seis nominaciones, "Los descendientes", drama de Alex Payne candidata en cinco categorías, é "Historias cruzadas" con cuatro, como favoritas a los Oscar.
También en una privilegiada lista figuran "Medianoche en París", de Woody Allen, candidata a tres estatuillas (película, dirección, guión) y la ganadora del último Festival de Cannes, "El árbol de la vida", de Terence Malick, que compite en dirección y fotografía.
En el rubro Mejor Película, las nominadas son "El artista", "Hugo", "Los descendientes", "Tan fuerte y tan cerca", "Historias cruzadas", "Medianoche en París", "Moneyball", "El árbol de la vida" y "Caballo de guerra"".
Entre los actores principales están Brad Pitt ("Moneyball), Gary Oldam ("El topo"), Jean Dujardin ("The Artist"), George Clooney ("Los descendientes") y Demian Bichir ("A Better Life")
Y como actrices Glenn Close ("Albert Nobbs"), Viola Davis ("Historias cruzadas"), Rooney Mara ("La chica del dragón tatuado"), Meryll Steep ("La Dama de Hierro") y Michelle Williams ("My Week With Marilyn").
En la lista al mejor director figuran Martin Scorsese, Michel Hazanavicius, Terrence Malick, Woody Allen y Alexander Payne.

"Historias Cruzadas"

Dirección y guión adaptado de la novela de Kayhryn Stockett por Tate Taylor.

Elenco; Viola Davis, Emma Stone, Bryce Dallas Howard, Octavia Spencer, Jessica Chastain.

Fotografía: Stephen Goldblatt.

Edición: Huges Winborne.

Música: Thomas Newman.

Distribución: Buena Vista EE.UU. 2011

Duración: 146 minutos

En "Historias Cruzadas" un film de Tatte Taylor los roles protagónicos son todas mujeres con distintos temperamentos que vá desde la hipocresía, el odio, y la rebeldía, son las causas que se manejan entre criadas negras y blancas plantea la injusticia y desigualdad de actitudes femeninas y feministas se revela con la presión en una madre preocupada por su hija que encuentre novio.

La historia se desarrolla en el año 1963 en Mississippi cuando comienza la lucha por derecos civiles que encabeza Martin Luter King y la jóven Skeeter Phelan (Emma Stone) retorna a su casa luego de graduarse de periodista y recuerda el lugar donde creció decide buscar una historia que recoja el testimonio y que pinte su aldea que destaque su profesión y alejada de la intención de casarse y tener hijos, y deposita su mirada en una mujer negra que se

ocupan de la casa en la crianza de niños blancos en casa de alta sociedad en Jackson que no les tienen permitido usar los baños de sus amas.

Con esa premisa las criadas Aybeelen Clark y Minny Jackson sufren el racismo flagrante de sus amas y negado sus derechos civiles de la población afroamericana y Skeete observa que desean conquistar como una fuerza reveladora.

En su concepto la criada enseñaba a los hijos "me dedico a cuidar bebés de familias blancas, además cocino y limpio la casa y a lo largo de mi vida he criado a 17 niños y sécomo conseguir que se duerman y dejen de llorar, y se sientan en el inodoro antes que sus madres se levanten de su cama". Asi comienza la novela de Kathryn Stockett "Criadas y Señoras" (The Help) donde toma el relato su historia Albileen Clark (Viola Davis) una empleada doméstica de Jackson en Mississippi donde su pesada carga la distingue la desigualdad de criadas afro a la cuál someten su empleadores blancos aristocráticos donde se cuenta los detalles cotidianos de la interacción entre el grupo de mujeres en un ámbito estricto con reglas inhumanas.

Albyleen frente a ésta situación con los niños blancos que cría se plantean ríspidas situaciones frente a las madres jóvenes que defienden la segregación racial y para equilibrar ésta situación Minny una mujer de carácter se niega

a seguir maltratada y opta por desplegar con humor y desparpajo las situacones críticas, que también se pone de su lado Celia Foote (Jessica Chastain), una mujer despreciada por la sociedad que aspira insertarse al círculo social no es bien vista por ser amiga de de la mucama y ser un poco aireada como una Marylin doméstica simbólica por su parecido sexy e inocente y que no sabe cocinar pero que simpatiza bien con las domésticas.

Hilly una mujer altanera (Octavia Spencer) y ambiciosa así como imperativa no sabe de cocina pero es una glotona por las tortas que hace Minny cansada del maltrato toma su venganza haciendo una torta escatológica que termina comiendo Hilly con glotona devoción.

En todo ésto el aporte del dierector Tate viene de la infancia de tener una amistad con autora Stockett de la novela y que fuera criado por madre soltera y se entusiasmo al leer el libro de Stocket en un encuentro en N.Y, se entusiasmó para adaptarlo al cine. Su idea básica fue poner a foco a las mujeres negras que crian a los niños blancos que inclusive criaron a ellos dos.

Taylor en su jóven tarea de director está orgulloso de su trabajo cinematográfico y con las actuaciones de su elenco con las actrices que deseaba más allá de sus nombres y trayectorias.

La novela fue un bets-seller en EE.UU que recaudó U$S170 millones y está nominada para el Oscar en 2012 después de ganar "el Globo de Oro" como mejor película y mejor actriz por Viola Davis, mejor actriz de reparto para Octavia Spencer y Jessica Chastain.

"El extraño caso de Angélica", un amor psico-onírico

Si para quién opina que "la vida significa actividad, y que detenerse es morir" es el caso de Manoel de Oliveira, un director de cine portugués que desde que cumplió 70 años sigue pensando en continuar trabajando sin cesar al tener completado 27 títulos de sus films, además de cortos documentales que representan la mayor parte de su filmografía, entre las que se recuerdan el "Viaje al principio del mundo", La Carta, Porto da minha infancia, "Vuelvo a casa o Belle Toujours" como su posdata recordatoria al film de Luis Buñuel.
Actualmente muy febril en un estudio de Paris está en rodaje "Gebo y la sombra" una adaptación teatral de Raúl Brandao con un elenco que tiene a Jeanne Moreau, Claudia Cardinale, y Michael Londsale, y en preparación tiene "A Igeja do Diabo" inspirada en un cuento de Machado de Assis con Fernanda Montenegro y Lima Duarte.
Así lleno de imaginación y osadía con sus 103 años que los cumplirá en diciembre de 2011, con inusual veteranía de creador de refinado estilo que lo caracteriza por su vitalidad y energía, se resiste a la inmovilidad del bronce que lo perdure, y lo preocupan sus proyectos de nuevas películas, la explotación de las actuales como su última a estrenar; "El extraño caso de Angélica".
Éste film explica su razón de larga ausencia del cine entre los años 30 y los 60 cuándo al no consiguir productores que lo financiaran por causa de la censura, y ser su guión una experiencia de su infancia personal con su prima que la evoca como una jóven, bella y recostada en un canapé azul en el centro de la sala vestida de blanco con cabellos dorados, quedó en el cajón de los letargos.
El director cuenta que llevaba una cámara Leica buscando encontrar un desdoblamiento de la imágen inmóvil que pareciera muerta, comparada a otra foto que correspondiera a estar viva sin que las imágenes se encerrarán entre sí, y que la protagonista al revelarse la foto de una muerta se percibiera como si estuviera viva.
Ésta idea fue concebida en 1946 para escribir el guión en 1952 que durante el periódo de guerra, Hitler tenía matado a millones de judíos y los que conseguían sobrevivír emigraban a Portugal para viajar después a los EE.UU, así fue que su proyecto quedó demorado.
Algo parecido de hoy con las crisis económicas, catástrofes y una perdida de valores morales cambiados. Decía Oliveira"Nunca pensé que en aquella época podía filmar esta historia ya que la cámara no es capaz de captar los sentimientos y los sueños" pero su cine provee de ellos como apuntes en sus documentales en una atmósfera de sueños é irrealidad.
El relato del film es un jóven taciturno fotógrafo judío Isaac (Ricardo Trepa), es convocado por una adinerada (familia Regua) de la zona del Duero para retratar a Angélica, la bella hija (Pilar López de Ayala) que acaba de fallecer al poco tiempo de su matrimonio. En el momento de tomar la foto observa que ésta se mueve y le sonríe, y es en ése momento, que Isaac se obsesiona por ella y cuestiona la realidad de estar viva y a partir de alli, Angélica le atormentará día y noche hasta el agotamiento.
El film pasea un tema atemporal con melancólica meditación de refinado estilo sobre el tiempo, presente y pasado que agregan nostalgias sobre las cosas que van desapareciendo con la muerte, transportan al espectador a través de su hermética historia junto con lo puramente visual de sus paisajes, con sus labradores abriendo surcos para sus vides junto a la ribera del rio Duero con el espíritu del esfuerzo humano para que una osadía de Olivera imagine un desenlace surrealista con la muerte del canario en un hermético ambiente, recordar a Buñuel ó cuando en sus noches la jovén viene a buscarlo en vuelo nupcial ilustrado a la manera de Méliès.
Es destacable mencionar que la subjetividad de la luz en las escenas es mérito de la fotografía de Sabine Lancelin junto a un elenco que acompañaron Leonor Silveira, Adelaide Teixeira, Luis Miguel Cintra, y Ana Maria Magalháes sus preferidos intérpretes de anteriores films, y se completa con edición de Valerie Loiseleux, Diseño de producción de Christian Marti y José Pedro Penha y coproducción de Portugal-España-Francia-Brasil-2010 con duración de 96 minutos.
Cierto hermetismo en la historia puede desorientar al espectador que debería mejor desposeerse de lo profundo y dejarse llevar por la belleza del cuento y sus imágenes, que hacer un análisis de lo real de un amor imposible que solo puede ser apresable por el cine.

"JUAN y EVA", una relación íntima

La historia intimista se desarrolla entre Juan D. Perón y Eva Duarte donde el amor deviene en política cuando se conocen durante la recaudación de fondos de ayuda por el terremoto de San Juan en 1944 (hasta el 17 de octubre de 1945) y que está centrada en el marco de tensiones políticas con los militares en medio de una fiesta con el embajador norteamericano Spruille Braden (Alfredo Casero), que acompaña su general ministerial aliado Eduardo Ávalos (Juán Mirás) y el Cnel. Domingo Mercante (Sergio Boris).
El film insinua la advertencia que le hace Perón a Juan Duarte sobre su actitudes mafiosas y la crónica recuerda que el 9 de abril de 1953 fue hallado el cadáver de Juan Duarte, hermano de Eva Perón y ex secretario privado del presidente Juan Domingo Perón donde la noticia generó toda clase de conjeturas. El cuerpo fue encontrado en su departamento de Callao con un tiro en la cabeza y a su lado había un revólver calibre 38 y una carta dirigida a Perón. Tres días antes, Duarte había renunciado a su cargo, acorralado por rumores sobre sus actividades ilícitas.

El filme de Paula de Luque en el que Julieta Díaz interpreta a Eva Duarte confiesa que fue hermoso hacer ese trabajo: "de una Evita que todavía era Eva Duarte, la chica que quería ser actriz. La idea era mostrar su costado más íntimo, y el menos público por lo cuál me encantó trabajar con la directora esa sensibilidad lo más natural posible y con Osmar Núñez, que hace de Juan Perón, quedamos totalmente encantados y para mí fue un placer laburar con él”. Una mirada más exhaustiva puesta en la figura de Eva quién de a poco demuestra que no teme hablar ante el círculo que rodea a Perón ni deja de enfrentar a otras mujeres que rodean al entonces Coronel, como amantes secretarias.

De Luque se cubre de esa acusación al mostrar flancos discutibles de los personajes que hacen destacar su humanidad y las duras circunstancias que debieron atravesar para que esa historia de amor termine siendo, para muchos, una de las grandes historias del siglo XX.

SPLICE; un experimento alienígeno mortal

Con el film SPLICE nació la mujer con cola y aguijón de escorpión, patas de ave y alas y ojos muy separados. Para todos aquellos incrédulos que no conciben creerlo, es el producto de la ingeniería genética con sus mutaciones que lo ha logrado y no está lejos en el tiempo futuro, donde los experimentos se orienten hacia la creación humana de androides.

No solo existe en la ciencia ficción que adelanta lo que podría ser real ya que planteada la realidad se resuelve con la investigación genética con sus mutaciones del ADN.

Al descontrolar el árbol genealógico evolutivo la sorpresa es la creación de una criatura hermosa androide de evolución humana que traspone la belleza y la inteligencia más allá de las excepcionales habilidades físicas que excede todos los sueños ambiciosos de la creación científica, para convertirse en una gran pesadilla.
El realizador Vincenzo Natali no huye de sus referencias propuestas y las incluye en su película de una manera clara, sin ocultar su fuente al integrarlas en su obra y abriendo perspectivas emocionales, por las que, al realizar las asociaciones visuales, también se asocian las premisas argumentales y los conflictos que en ellas se plantean, permitiendo superar ésas premisas para evolucionar en otra dirección, la que renueva al reescribir el mito del pecado original de Adán y Eva, representados en Clive y Elsa, y en lugar de desafiar a Dios con la manzana, crea una especie nueva de la criatura adrógena.

Temeroso de tener una carrera de investigación mundana, Clive y Elsa proponen en secreto llevar a cabo sus propios experimentos, al mezclar ADN humano con los de otros animales, Elsa empuja la cuestión y Clive llama a su criatura Dren, ("empollón" al revés) que crece y aprende a un ritmo acelerado con el aumento de riesgo de descubrir a Dren, entonces deciden llevárselo a la granja de la difunta madre de Elsa.
Sin saberlo, las hembras híbridas que habían creado cambian de sexo y hacen una pelea desastrosa al enfrentar a dos híbridos machos, éstos brutalmente se matan unos a otros provocando un caos y trás esta acción se hace una reunión en NERD poniendo en peligro ir a la quiebra a menos que pueda hacerse un descubrimiento más rentable.

Mientras tanto, Dren se ha convertido en seres anfibios y omnívoros con un tóxico aguijón y alas retráctiles. Elsa, que había formado anteriormente un vínculo maternal con Dren, cambia de opinión después de las acciones de Dren por su conducta violenta al matar su gato de compañía y luego agredir a Elsa. Se corta el aguijón y utiliza muestras de tejido de ella para aislarse y finalmente sintetizar la proteína que había estado buscando.

Poco después, Clive y Dren tienen relaciones sexuales en el cuál Dren revela que ella ha regenerado su aguijón que fuera cortado por Elsa, pero ésta al descubrir el encuentro sexual con Clive, tienen una acalorada discusión.
Con la decisión de enfrentar a Dren, regresan a la granja, pero descubren su cuerpo en un depósito de agua, al parecer enferma que al poco tiempo Dren muere y es enterrada en la granja.

Poco tiempo después, su jefe Barlow de la empresa farmacéutica llega con su colega Clive y su hermano menor Gavin al ser consciente de la existencia de Dren, ha confirmado sus sospechas de Barlow que algún tipo de híbrido humano ha sido creado (por el ADN presente en la nueva proteína que sintetiza).

Son atacados por Dren, que no estaba muerta, pero durante una especie de coma mientras su cuerpo sufrió cambios la convirtió en un hombre. Después de matar a Barlow y Gavin, Dren arrastra a Clive en un estanque de congelación. Elsa lo rescata pero está inconsciente, y Dren está listo para atacar, por lo que ella huye, dejando detrás a Clive y Elsa es violada, Clive viene a su rescate pero Dren mata a Clive con su picadura tóxica, y Elsa con una piedra asesta un golpe mortal a Dren.

Elsa queda sola y se encuentra en la oficina del jefe de la empresa farmacéutica NERD por la cuál recibe una cantidad de dinero a cambio de su silencio y por el riesgo personal que ella está experimentando. Elsa toma coraje y revela que está embarazada.

El film mezcla horror con ciencia ficcción donde su director Vincenso Natali, y una pareja de investigadores científicos Elsa (Sarah Polley) y Clive (Adrian Brody) espaecialistas en mutación genética de ADN trabajan para rediseñar la creación de híbridos humanos para un laboratorio farmacológico que ofrece fondos de investigación a NERD (nucleicos Intercambio de Investigación y Desarrollo), con el objetivo de producir proteínas medicinales y encontrar soluciones de curas médicas a enfermedades terminales, de una nueva especie humana que los empuja a experimentar en silencio y a espaldas de sus superiores, con ADN humano dando a luz un nuevo ser androide, Dren (Delphine Chanéac), una atormentada criatura de sensual y extraña belleza.

En los momentos de la transformación de la criatura en la que deja atrás su primer caparazón de nacimiento para evolucionar hacia otro tipo de criatura, mucho más ágil nos remiten pensar indiscutiblemente, en Alien.

Cualquiera de las criaturas sugieren necesidad de cariño, inevitablemente, que fuera el vástago de Henry Spencer en "Eraserhead" y en las texturas físicas de cualquiera de las obras de Chris Cunningham y particularmente a Mental Wealth, en la cuál la cara de la protagonista es muy parecida a la de Dren.
Las primeros acordes de la partitura musical está compuesta por Cyrille Aufort, que evoca irremediablemente, a cualquiera de las que Howard Shore compusiera para los primeros títulos de la filmografía de David Cronenberg.

Fotografía de Tetsuo Nagata, producción Ejecutivo de Guillermo del Toro, montaje de Michele Conroy, hacen que se sincronicen todos los elementos que juegan a favor del film, como así los aspectos del maquillaje y efectos especiales.

Si bien las críticas pueden ser disímiles, pueden jugar tanto a favor como en contra, lo que no se puede negar es la habilidad de su director Natali para narrar su historia, en la que consigue momentos de empatía por la criatura un tanto extraña que pueda parecernos, o incluso sus primeras fases de crecimiento alejada de la símil apariencia humana.

Con un final abierto es el espectador quién debe decidir su aceptación o rechazo a una nueva temática como propuesta futura, que permita hacer un nuevo guiño cinematográfico hacia la continuidad de otra segunda película ahondando en temas similares.
Video de los detalles de producción de la realización del film.

La historia de amor final mezclada en un thriller de ciencia ficción subhumana hace refleccionar sobre cierta cuestión ética, que la transmutación genética puede hacer posible en un mundo futuro desmitificando a Dios, al permitir desarrollar la investigación con parámetros imprevisibles pero que el film no ahonda en el tema, pero plantea ideas narradas con buen ritmo y expectante tensión.

"Carlos", el terrorista más buscado...

"Carlos" de Olivier Assayas.
Guión: Olivier Assayas, Dan Franck y Daniel Leconte.

Fotografía: Yorick Le Saux.

Montaje: Luc Barnier y Marion Monnier.

Producción: Films en Stock y Egoli Tossell Film.

Coproducción Francoalemana 2010,color 35mm, duración 2h45

Elenco: Edgar Ramirez, Alexander Scheer, Nora Von Waldstatten, Ahmad Kaabour, Cristoph Bach y Rodney El-Haddad.

La historia de "Carlos" es de Ilich Ramírez Sánchez conocido también por su apodo de "El Chacal", un terrorista venezolano moderno con ideas revolucionarias que fue buscado durante dos décadas entre 1974 en Londres al asesinar a un hombre de negocios británico y que en 1994 fue arrestado en Kartum después de complicarse con la política internacional bajo varios seudónimos.

Mantuvo su figura central del terrorismo entre 1970/80 en el activismo palestino contratado como mercenario al servicio secreto del Medio Oriente donde formó su organización con apoyo de la URRS hasta finalizar la Guerra Fría.

Fué un personaje violento y contradictorio manipulador y manipulado desde su orígen cuando se conectaba con la organización francesa Septiembre Negro donde idealizó su propia locura revolucionaria y al final cuándo fuera relegado en el Sudán para ser protegido por la dictadura islámica termina siendo entregado a las autoridades francesas que lo buscaba por tres asesinatos y ser condenado en 1990 a cadena perpetua por sus actos terroristas. 

El film es una investigación documental histórica periodística  coguionada por su director Olivier Assayas con Daniel Leconte y Dan Franck, donde la actuación de Edgar Ramirez (Carlos) dramatiza un trabajo lleno de matices en las diferentes composiciónes de actitudes que tiene que sobrellevar en su vida en permanente acoso y persecución al estar involucrado en una serie de actividades desesperadas, en particular, un ataque del Ejército Rojo Japonés en la embajada francesa en La Haya. También hablaba de la revolución idolatrando al Che con sus amigas, frecuentaba restaurantes elegantes como un vástago de la burguesía venezolana. La película es buena en la locución artificial de la retórica radical, pero Sánchez siempre parece ser el héroe o villano como el mito revolucionario que quiso representar con su imponencia física-erótica y que el director aprovecha y no lo condena ni tampoco lo glorifica pero lo resalta cinematógraficamente en su película con una mirada alucinada y cautivante de su generación del 70 inspirada por su idealismo de la época con sus múltiples derivaciones que tenía la izquierda vinculada al terrorismo internacional en donde quedaron perdidos sus genuinos valores y los bien intencionados sueños de cambio.

"Piratas del Caribe 4"; navegando las aguas misteriosas

Después de la trilogía (La maldición del Perla Negra en 2003, El Cofre de la Muerte en 2006 y "En el fin del mundo" 2007) la saga de Piratas del Caribe creada por el productor Jerry Bruckheimer en 2003, en la cuarta versión "Navegando en aguas misteriosas" trae nuevamente el regreso del capitán Jack Sparrow encarnado por Johnny Deep como su propio show fílmico, y su entorno acompaña preparado para entretener al espectador sumado al personaje como el villano Barbanegra (Ian McShane) y Barbossa (Geoffrey Rush) de la convencional historia, el pirata que surca los mares acompañado con una bella y misteriosa Angélica (Penélope Cruz) que hace de las suyas con poco lucimiento, primero enredarse entre ellos para luego enfrentar los guardias reales buscando la fuente de la juventud. 

La trama explora la rivalidad naval entre Inglaterra y España; esa leyenda que persiguió hasta su muerte el conquistador Juan Ponce de León; de aquella distinción de conquista entre piratas y corsarios con patente autorizada por el rey.
En una mezcla de personajes históricos con ficticios, con una adecuada reconstrucción de la época cobran vida espectacular en 3D sin dejar que el espectador se distraiga con la presencia de sirenas, zombies y los poderes sobrenaturales de los golpes de la espada por doquier del "temible" Barbanegra.
En ésta oportunidad el director Rob Marshall siguió la línea de su antecesor, Gore Verbinski al permitir el lucimiento de los actores: Geoffrey Rush y Kevin McNally que acompañan a Depp de las anteriores películas y que aquí gestos y muecas del Capitán pueden llegar a la saturación con los muchos tics (saltitos al caminar o revoleo de ojos repetidos como caricatura) que pueden producir cierta fascinación sumada a la presencia de Penélope Cruz, Ian McShane, Richard Griffiths y Stephen Graham junto a Sam Caflin y Astrid Berges- Frisbey, con las divertidas apariciones de Keith Richards, como el papá de Jack Sparrow, y Judi Dench en un cameo. 

La nota de la belleza la destacan las sirenas, con la modelo internacional Gemma Ward y la argentina Jorgelina Airaldi durante la llegada a la isla donde encuentra su ritmo narrativo.

El film no mejora hasta la mitad por la torpeza de su director Marshall en las escenas de acción con primeros planos donde el espectador pierde la noción de lo que está pasando al parecer tener más el impacto que comprender lo que pasa, sea con un guión que perfila el mismo equipo de guionistas, lo que explica el fenómeno de sus fieles seguidores en este género al pretender no dejar que el espectador se mueva clavado en su butaca hasta el final donde se agregó una escena de 40 segundos que daría el anticipo a la quinta saga.

Se entiende que la próxima saga deberá torcer el rumbo del barco con un golpe de timón necesario de los piratas para no quedar rondando en el mismo círculo en su próxima versión.