50 sombras de Grey, a la sumisión

Una vez que la publicidad consigue el run-rum, comienza la fiebre por lo erótico que se va expandiendo por una base millonaria de venta del libro, se puede predecir y dar por descontado que mucha gente quiere ver lo más pronto posible para comentarla antes que nadie, y revelar los momentos eróticos a quiénes todavía no la vieron, es obvio que estamos hablando de 50 sombras de Grey: La pasión entre Anastasia Steele (Dakota Johnson), cuyas intenciones parecen ser morderse el labio y suspirar, es una estudiante avanzada de literatura inglesa todavía virgen, y Christian Grey (Jamie Dornan), un magnate galán de 27 años con un oscuro pasado y un presente dominado por traumas que lo lleva a obsesionarse con las prácticas masoquistas perversas de dominación, es narrada con canciones cuyos títulos resultan obvios ("I Put a Spell On You"; "I'm on Fire") en una banda sonora de Danny Elfman apelando a clichés del género erótico.
Así solo madres e hijas hablan de sexo fuera de la angustiosa y obligada charla educativa de la pubertad y además ayudadas con un muestrario de distintos juegos eróticos de gustos sexuales aparecen ritualizados para los mayores de forma fehaciente.
El maltrato machista adquiere la forma del sofisticadísimo y muy turbador 'bondage', como búsqueda de experiencias nuevas, que tanto gusta ser convertido en el puente snob que une a la adolescencia.

Hay esposas, palos y látigos y acumulación de azotes, flagelaciones y sometimientos entre el amo y la esclava en condición de sometida bajo contrato de acuerdo, que no son suficientes para convencer un erotismo donde no hay amor sino un tenor de setimientos fríos y fantasiosos sólo para ávidas jovénes iniciantes.
El realizador Sam Taylor-Johnson apela a la estética fotográfica de lujo irritante sobre yuppies narrando una historia que resulta involuntaria a lo ético, salvo en la escena de una "cena de negocios" entre los protagonistas en la que discuten los detalles y los alcances del contrato sadomasoquista que están por firmar al sometimiento de designio sexual al lograr un nivel de delirio y absurdo.

Recordemos algunas de las películas eróticas anteriores que fueron hitos allá lejos hace casi 30 años, una película quemó la cabeza de los adolescentes nacidos en los setenta: se llamó 9 semanas y media, dirigida por el hitero Adrian Lyne a los protagonistas Mickey Rourke, Kim Basinger con una canción de Randy Newman interpretada por Joe Cocker.
Otra película erótica más perversa y perturbadora de 1976 fue la japonesa de Nagisa Ôshima que se llamó El imperio de los sentidos (Ai no korîda) mucho más explícita con la famosa escena del huevo.
Ambientada en París una película de director italiano Bernardo Bertolucci con actor estrella estadounidense Marlon Brando y un músico argentino el Gato Barbieri fue el Último tango en París que se la identificó por la manteca.

  

Algunos cinéfilos se acuerdan de Betty Blue, "Emmanuelle", "La carne" de Ferreri, y "Crash" de Cronenberg que hicieron taquilla, pero es imposible no rendirse ante la película de Roman Polanski: "Perversa luna de miel", uno de los grandes títulos de 1992, cargada de juegos de seducción y erotismo sádomasoquista protagonizada por (Emmanuelle Seigner y Hugh Grant) quieren con su marido disfrutar su séptimo aniversario de bodas en un crucero, donde conoce a Mimi y su marido (Peter Coyote) en silla de ruedas, y éste le permite que la seduzca ante la escucha en su presencia, que aquí recordamos algunas escenas:

 

"La teoría del todo", y el precipicio del tiempo

"La teoría del todo" Título original: The theory of everything. Dirección: James Marsh. Género: Biopic, drama, romance. Interpretación: Eddie Redmayne (Stephen Hawking), Felicity Jones (Jane Hawking), Emily Watson (nurse), Charlie Cox, Simon McBurney, David Thewlis. Guión: Anthony McCarten, Producción: Tim Bevan, Eric Fellner, Lisa Bruce y Anthony McCarten. Música: Jóhann Jóhannsson. Fotografía: Benoît Delhomme. Montaje: Jinx Godfrey. Diseño de producción: John Paul Kelly. Vestuario: Steven Noble. Distribuidora: Universal Pictures, duración 123 minutos, Reino Unido 2014. Calif. MB.

La Teoría del Todo es una biopic de la vida del físico Stephen Hawking una de las mentes más brillantes de nuestro tiempo donde explora el conocimiento que sentó su teoria del universo en contradicción con la creación del universo por la creencia en Dios, y como telón de fondo acompaña el romance entre Stephen Hawking y su matrimonio con Jane Wilde.
Basada en la novela "Hacia el Infinito" según las memorias de Jane Wilde que fuera su primera esposa, éste melodrama narra de forma íntima desde su boda, y poco después el diagnóstico de la enfermedad motora, haciendo hincapié en el deterioro progresivo de sus facultades neurológicas y físicas de Hawking, que erosionan de forma gradual e irremediable a la pareja. De ésta forma, Jane tiene que tomar fortaleza ante su debilidad para crear empatía por su abnegación y sus deseos de buscar una vida distinta cuándo todo había claudicado, gana protagonismo a medida que aumenta el deterioro físico de Stephen y lucha por sacarlo adelante (la secuencia en la que le enseña a hablar pestañeando, puede que sea lo más emotiva del film) para que él pueda continuar trabajando a pesar de sentirse agotada y dispone la companía de una nurse que motivará sus sentimientos.

La parte más meritoria de la película se sustenta en las interpretaciones de Eddie Redmayne y Felicity Jones, ganó el premio como mejor actriz por su nivel interpretativo, sumado a los mínimos detalles que identifican la realidad de Stephen Hawking en su dolor y lucha interna entre el aguante y la claudicación.
La historia pone énfasis en el amor y el desamor, y deja de profundizar en los logros de toda una vida dedicada a la ciencia y en la superación a sí mismo como hombre cuyo diagnóstico inicial de su enfermedad le tenía asignado dos años de vida, a pesar de ello tuvo que desafiar a su parálisis de esclerosis lateral amiotrófica en una silla de ruedas, desde allí contribuye de forma brillante con sus teorías a nuestro conocimiento del universo frente a Dios.
El film opta a 5 premios Oscar, entre ellos los de mejor película, mejor guión adaptado, mejor actor para Eddie Redmayne -que ya consiguió el Globo de Oro- y si no se lleva el premio máximo de la Academia, difícilmente lo haga en los próximos años, porque su trabajo actoral lo merece.
La película de James Marsh tiene excelencia al centrarse en acercarnos a la vida privada angustiante de Stephen Hawking, teórico y divulgador científico británico que cambió la historia de la ciencia con la tecnología moderna desde su sofisticada silla de ruedas signado por la esperanza.

"Inquebrantable"

"Inquebrantable" (Unbreakable, Estados Unidos/2014) / Dirección: Angelina Jolie / Guión:Joel Coen, Ethan Coen, Richard LaGravenese y William Nicholson, basado en el libro de Laura Hillenbrand / Fotografía: Roger Deakins / Música: Alexandre Desplat / Edición: Tim Squyres y William Goldenberg / Diseño de producción: Jon Hutman / Elenco: Jack O'Connell, Domhnall Gleeson, Miyavi, Garrett Hedlund, Finn Wittrock y Jai Courtney / Distribuidora: UIP / Duración: 137 minutos / Calificación:apta para mayores de 13 años / opinión Buena.

El título lo dice todo y la pelicula lo justifica al contar la vida de Louis Zamperini (Jack O'Connell) un atleta olímpico que tuvo que ser soldado durante la segunda guerra mundial. Junto a otros dos soldados, sobrevivió en una balsa durante 47 días después de un accidente de su avión que tuvieron en batalla cayendo al mar. Mientras flotaban a la deriva con su gomón fueron capturados por la Marina japonesa y enviados a un campo de prisioneros de guerra narra una historia de forma bastante lineal pero de momentos angustiantes con la intención de subrayar el heroísmo y la férrea nobleza "inquebrantable" por el agobio del rigor, y el sadismo de los militares japoneses, y que Angelina Jolie en su segunda incursión detrás de la cámara (la primera fue "In the Land of Blood and Honey") resuelve con dureza y solvencia atrapante.

"Inquebrantable" es la adaptación cinematográfica de la novela “Invencible”, escrita por la periodista Laura Hillendbrand, y que el film recrea la increíble y tortuosa vida de Zamperini, una historia real sobre la resistencia del espíritu humano donde la sed y el hambre nublan al náufrago ese dolor que aqueja la sobrevivencia al torturado de manera extenuante.
El largometraje cuenta con la fotografía de Roger Deakins y la música de Alexandre Desplat, y ofrece también “flashbacks” sobre la infancia de Louis y su llegada a los Olímpicos de Berlín y antes de morir a los 97 años en 2014 participa como revancha de aquellos momentos autobiográficos en Japón de una maratón portando la antorcha olímpica.

"La entrevista" provocó reacción violenta en Corea del Norte

"The Interview" (La  entrevista) se volvió polémica y sigue dando qué hablar después que varias salas estadounidenses anunciaran que exhibirían la película que ha enfadado a la dictadura de Kim Jong Un de Corea del Norte, y ahora es Youtube quién ofrecerá la película por streaming.

La productora Sony Pictures Entertainment y el portal de vídeos propiedad de Google pretenden llegar a un acuerdo para que "The Interview" esté disponible desde el 25 de diciembre, Navidad, para que los fans de la polémica película puedan verla en Youtube pagando una tarifa de alquiler que aún no se conocen el precio. La película es una comedia que gira sobre dos torpes periodistas norteamericanos a los que les encargan el asesinato del líder norcoreano, Kim Jong-Un. El estreno en EE.UU de "The Interview" provocó el 24 de noviembre un gran ciberataque de Corea del Norte contra la productora de la película Sony a sus estudios.

El estreno online de la película coincide con su exhibición en cerca de 200 salas independientes de EEUU, pero algunas grandes salas de cine cancelaron su programaciòn y se han negado a proyectarla como así ninguna cadena de TV por cable o por satélite pretende ofrecerla en vídeo bajo demanda. Sin embargo las que la proyectaron tuvieron a Seth Rogen,co-protagonista de la comedia de bajo presupuesto junto a James Franco, sorprendieron a los espectadores de un teatro en Los Ángeles, al aparecer a las 12:30 de la madrugada de Navidad, justo antes de que inciara su película, para agradecer el apoyo de los fanáticos que hacía mucho habían agotado las entradas. Sony la ofrece en alquiler a través de Google Play en un sitio web de su propiedad y continúa buscando más distribuidores.

"El Cerrajero"

Dirección: Natalia Smirnoff
Producción: Juan Pablo Miller
Guión: Natalia Smirnoff
Camarógrafo: Guillermo Nieto
Reparto: Esteban Lamothe, Erica Rivas, Yosiria Huaripata, Sergio Boris, German de Silva, Arturo Goetz, Maria Oneto.

"El cerrajero" es el segundo largometraje de Natalia Smirnoff despúes de "Rompecabezas", y trabajó como asistente de dirección de Lucrecia Martel en la ("La ciénaga") .
La historia de Sebastián se transforma cuándo trás enterarse del embarazo de su novia comienza a tener extrañas visiones sobre sus clientes. Con la ayuda de una inesperada asistente peruana, comienza a usar ese nuevo talento para su propio beneficio, con la actuación de Esteban Lamothe, y Érica Rivas.
 En 2008 un "extraño humo y olor fuerte repulsivo cubrió unas tres semanas la ciudad de Buenos Aires. Nunca se supo muy bien qué lo produjo". Así arranca El cerrajero y de éste extraño suceso con tintes misteriosos, es el relato para hacer verosímil lo que juega con la irrealidad, y la imaginación de sus personajes.
Sebastián (Esteban Lamothe, Mejor Actor, FICCI 2011) es cerrajero de profesión con alma sensible que dedica sus ratos libres a construir cajas musicales y de pronto recibe la noticia de una paternidad en camino. Ambas cosas, la noticia y el humo, invaden su vida de repente y además no vienen solas, ya que Sebastián comienza a percibir cosas sobre la vida de los clientes que lo llaman para arreglarles las cerraduras de sus casas. Sus visiones vienen acompañadas de frases que no puede callar, y un extraño poder que le incomoda lo mete en continuos problemas psicológicos.
La película aborda la historia de Sebastián (Lamothe), un cerrajero de 33 años que vive solitario y que no cree en los compromisos y que la vida lo toma por sorpresa cuándo Mónica (Rivas), una joven a la que frecuentaba ocasionalmente, le confiesa que está embarazada y no sabe de quién.
A partir de ése momento, él queda atrapado en un torbellino emocional, y comienza a tener visiones sobre la vida de cada cliente al que acude para realizar un trabajo y ésto lo sumerge en un viaje introspectivo que transitará hasta que ella tome una decisión definitiva de sus situación.

"Es un hombre que al acercarse a su íntimidad puede resignificarse a empezar otro camino y de entenderse internamente, llegando a una crisis más profunda como si fuera un Ave Fénix", y una evolución interna difícil de hacer, y a mí me gusta pensar qué es lo que te habilita a lograr ésa metamorfosis, es éso lo que transita el personaje como un rompecabeza. Uno puede estar ciego con respecto a lo que le pasa y tener una increíble claridad con lo que le sucede a los demás. Entonces, utilicé ésta idea como metáfora. Sebastián no puede ver lo que realmente quiere, pero sí puede ver con bastante lucidez lo que le pasa a sus clientes, explica Smirnoff.
Calif. No perder el tiempo.

 

La 14ª edición del Festival de Cine Alemán en Buenos Aires

German Films ha realizado una selección de lo más destacado de la producción alemana, un total de 18 películas y 14 cortometrajes que integran un muestrario de las diferentes estéticas cinematográficas para todos los públicos.

En su edición 14° el Festival se enorgullece en contar con la tradicional sala de Village Cines Recoleta y agregar una nueva sede que es el Arte Multiplex Belgrano transformándo en un clásico y esperado evento cultural de la ciudad.
Los films se exhiben en pre-estreno en Argentina y dentro de la selección programada se destaca el último film de la directora Doris Dörrie “Todo incluido”./ “Exit Marrakech”, de Caroline Link obtuvo un Oscar por su film ”En ningún lugar de áfrica”.
De Xavier Koller ganador del Oscar con “Viaje a la esperanza”, y presentaremos también “Los hermanos negros”, un film para disfrutar toda la familia. Proyectaremos además “Entre Mundos”, de la directora Feo Aladag, quién presentó “La extraña” en el 10º Festival de Cine Alemán y participó en la competencia internacional del festival de Berlín.
La historia alemana, tema habitual del cine germano, no podía estar ausente en la muestra, por un lado se verá Otra Heimat – Crónica de una visión - (Die andere Heimat - Chronik einer Sehnsucht) del veterano realizador Edgar Reitz, especie de precuela de la célebre serie Heimat, originalmente concebida para la televisión y que tiene lugar en el siglo diecinueve. Wolfskinde transcurre inmediatamente después del fin de la Segunda Guerra Mundial con niños alemanes, aludidos en el título, en territorio de Lituania y la presencia de soldados rusos y guerrilleros ucranianos.
En la sección documental del festival se presentará "Art War", de Marco Wilms, y en la sección de cortometrajes NEXT GENERATION Short Tiger 2014.
Para el cierre del Festival de Cine Alemán, el Goethe-Institut convoca con un título destacado del cine mudo alemán. el clásico de la cinematografía mundial: “El gabinete del Dr. Caligari” (1927), de Robert Wiene, con acompañamiento musical en vivo a cargo de Marcelo Katz y Mudos por el Celuloide.

"Que extraño llamarse Federico"... recordando al maestro

(Che strano chiamarsi Federico, Italia/2013). Dirección: Ettore Scola. Con Tommaso Lazotti (fellini jóven), Maurizio De Santis (fellini mayor), Giacomo Lazotti (scola niño), Giulio Forges Davanzati (scola), Ernesto D'Argenio (Mastroiani -Marmeli Barbara), Emiliano De Martino (Maccari), Fabio Morici (G.Mosca), Carlo Luca De Ruggieri (Alvaro da Torre), Antonella Attili (Prostituta) Vittorio Viviani (narrador). Producción: Eugenia Ricceri. Guión: Ettore Scola, Paola Scola y Silvia Scola. Fotografía: Luciano Tovoli. Música: Andrea Guerra.Vestuario: Massimo Cantini Parrini. Edición: Raimondo Crociani. Dirección de arte: Cristina Di Paolo Antonio. Diseño de producción: Luciano Ricceri. Productoras: PayperMoon Italia, Cinecittá Luce y Studios, Rai Cinema, Cubovisión, Telecom Italia. Distribuidora: Zeta Films. Duración: 96 minutos.

En octubre se cumplieron los 20 años de la muerte del creador de "Los inútiles" y "Amancord" y es estrenado "Qué extraño llamarse Federico" una biopic como el reflujo de la vida misma y una mirada de su mundo interior, más una imágen recreativa de lo que fue y lo que pensaba para ser un cineasta magistral, así como decía "si la vida es una fiesta, vivámosla juntos como tal", deja una nostalgia extraña con la sensación de dedicado tributo con momentos muy emotivos.

A los 83 años, Ettore Scola concretó éste homenaje a Federico en el que se combinan elementos ficcionales y documentales y el resultado es un patchwork, como collage fílmico que probablemente convenza y hasta emocione a los fanáticos acérrimos tanto de quién homenajea como del que es homenajeado.
Así el comienzo como su final la escena es la misma, Fellini sentado de espaldas en una supuesta playa mirando hacia el horizonte de un decorado marítimo, en una perspectiva que parece mirar hacia lo desconocido o inalcanzable pero como buscando ésas direcciones inesperadas sobre el mundo en que se manejaba y conseguir convertirse en la personalidad más creativa de la Roma sesentista.

Narrada en tercera persona la película es una evocación iniciada con Fellini en sus últimos años de vida de espalda mirando al mar mientras recita en español un poema "De otro modo" de Federico García Lorca que termina aduciendo con la frase "que raro que me llame Federico", que luego de la toma del ocaso la historia pasa en ByN, y el narrador inicia el relato con la llegada de Fellini a Roma como dibujante en la revista satírica Marco Aurelio donde después conoce a Scola como compañero y su admirador.

En ése viaje nostálgico conforma de pensar las fantasías y audacias de Fellini que tenía desde el trabajo periodístico en la revista satírica Marco Aurelio de mayor éxito en 1939. Scola entró tiempo después en la redacción y ambos compartieron sus trabajos de ingeniosos caricaturistas donde el film muestra sus distintos ángulos de sus retratos de como reacionaban junto a los que los rodeaban en ésa tarea gráfica. Poco a poco el film nos muestra que la imaginación de Fellini no tenía límites y era capaz de subvertir las cosas hasta el exceso y la exageración.
Su vida estuvo allegada siempre a los estudios Cinecittá que los solía frecuentar hasta para ver otros directores filmando y que también fuera la capilla ardiente con su féretro en el año 1993, estuviera representado de una manera que pareciera que Fellini trata de vengarse del tiempo que pasó inexorable sobre su vida, con lo cuál Scola quiso huir de las tristezas presentando un Fellini divertido é irónico, inquieto y seguro de su propio talento interpretado en su juventud por Tommaso Lazotti.

El film  compuesto de fragmentos en cuáles alternan escenas de sus películas más importantes y reconstruye situaciones con imágenes de archivo de la RAI Teche y del Instituto Luce con escenas de sus salidas nocturnas con su amigo, donde invita a subir a su auto a una prostituta que narra su triste historia de su vida o se encuentra para charlar con un pintor de tiza callejero que hace retratos santos, convencido que la certeza real elimina la inspiración al interpretar el mundo desbordado, provocativo é irónico.

El film revive una antología nostálgica que semblantea la amistad y la creatividad en su escencia misma que implicó al cine para ambos, y que recuerda como se puede extrañar un amigo de "La dolce vita" (1960) con un álbum de imágenes reunidas con la intención siempre de su vida alegre, que también lo acompañó Scola con sus films como "La Vida Fácil" (1962) y "Un día muy especial" (1977). Además quién fuera considerado como su alter ego Marcello Mastroiani está presente en la famosa escena de la Fontana de Trevi con Anita Ekberg en la "Dolce Vita", son premonitoras de las situaciones vividas.
Es así que Scola siempre vió sus peliculas con admiración y ternura y lo recuerda como amigo como un Pinocho grande, que nunca llegó a ser niño de buen comportamiento.

Ésta visión íntima y episodios que vivieron juntos se muestran a travéz de raconttos en el tiempo marcados por los cambios de color y ByN con la fotografía de Luciano Tovoli a lo largo de 94 minutos con sus variadas anécdotas que ambos hacían por la noche para combatir el insomnio fueron el motivo de inspiración, como la prostituta que se evoca en "Las noches de Cabiria" (1957). 

El guión de "que extraño es llamarse Federico" fue escrito por Scola en Trevico natal (1931), en colaboración con sus hijas Paola y Silvia (2010) donde intentan acercar los primeros encuentros entre ambos directores para entender sus similitudes desde donde ambos también compartieron su pasión por dibujo humorístico y de viñetas y su afición por el gato Fénix.

Tanto Fellini como Scola compartieron la amistad con los guionistas Age Scarpelli y Ruggero Maccari, con el actor Alberto Sordi y su privilegiado Marcello Mastroianni que trabajó para ambos y que se distinguió en la escena de la Dolce Vita en la Fontana de Trevi como la película que sorprendió al mundo cinematográfico, y mucho tiempo después al anunciar su regreso rindiéndole un sensible homenaje a su gran amigo.