"El extraño caso de Angélica", un amor psico-onírico

Si para quién opina que "la vida significa actividad, y que detenerse es morir" es el caso de Manoel de Oliveira, un director de cine portugués que desde que cumplió 70 años sigue pensando en continuar trabajando sin cesar al tener completado 27 títulos de sus films, además de cortos documentales que representan la mayor parte de su filmografía, entre las que se recuerdan el "Viaje al principio del mundo", La Carta, Porto da minha infancia, "Vuelvo a casa o Belle Toujours" como su posdata recordatoria al film de Luis Buñuel.
Actualmente muy febril en un estudio de Paris está en rodaje "Gebo y la sombra" una adaptación teatral de Raúl Brandao con un elenco que tiene a Jeanne Moreau, Claudia Cardinale, y Michael Londsale, y en preparación tiene "A Igeja do Diabo" inspirada en un cuento de Machado de Assis con Fernanda Montenegro y Lima Duarte.
Así lleno de imaginación y osadía con sus 103 años que los cumplirá en diciembre de 2011, con inusual veteranía de creador de refinado estilo que lo caracteriza por su vitalidad y energía, se resiste a la inmovilidad del bronce que lo perdure, y lo preocupan sus proyectos de nuevas películas, la explotación de las actuales como su última a estrenar; "El extraño caso de Angélica".
Éste film explica su razón de larga ausencia del cine entre los años 30 y los 60 cuándo al no consiguir productores que lo financiaran por causa de la censura, y ser su guión una experiencia de su infancia personal con su prima que la evoca como una jóven, bella y recostada en un canapé azul en el centro de la sala vestida de blanco con cabellos dorados, quedó en el cajón de los letargos.
El director cuenta que llevaba una cámara Leica buscando encontrar un desdoblamiento de la imágen inmóvil que pareciera muerta, comparada a otra foto que correspondiera a estar viva sin que las imágenes se encerrarán entre sí, y que la protagonista al revelarse la foto de una muerta se percibiera como si estuviera viva.
Ésta idea fue concebida en 1946 para escribir el guión en 1952 que durante el periódo de guerra, Hitler tenía matado a millones de judíos y los que conseguían sobrevivír emigraban a Portugal para viajar después a los EE.UU, así fue que su proyecto quedó demorado.
Algo parecido de hoy con las crisis económicas, catástrofes y una perdida de valores morales cambiados. Decía Oliveira"Nunca pensé que en aquella época podía filmar esta historia ya que la cámara no es capaz de captar los sentimientos y los sueños" pero su cine provee de ellos como apuntes en sus documentales en una atmósfera de sueños é irrealidad.
El relato del film es un jóven taciturno fotógrafo judío Isaac (Ricardo Trepa), es convocado por una adinerada (familia Regua) de la zona del Duero para retratar a Angélica, la bella hija (Pilar López de Ayala) que acaba de fallecer al poco tiempo de su matrimonio. En el momento de tomar la foto observa que ésta se mueve y le sonríe, y es en ése momento, que Isaac se obsesiona por ella y cuestiona la realidad de estar viva y a partir de alli, Angélica le atormentará día y noche hasta el agotamiento.
El film pasea un tema atemporal con melancólica meditación de refinado estilo sobre el tiempo, presente y pasado que agregan nostalgias sobre las cosas que van desapareciendo con la muerte, transportan al espectador a través de su hermética historia junto con lo puramente visual de sus paisajes, con sus labradores abriendo surcos para sus vides junto a la ribera del rio Duero con el espíritu del esfuerzo humano para que una osadía de Olivera imagine un desenlace surrealista con la muerte del canario en un hermético ambiente, recordar a Buñuel ó cuando en sus noches la jovén viene a buscarlo en vuelo nupcial ilustrado a la manera de Méliès.
Es destacable mencionar que la subjetividad de la luz en las escenas es mérito de la fotografía de Sabine Lancelin junto a un elenco que acompañaron Leonor Silveira, Adelaide Teixeira, Luis Miguel Cintra, y Ana Maria Magalháes sus preferidos intérpretes de anteriores films, y se completa con edición de Valerie Loiseleux, Diseño de producción de Christian Marti y José Pedro Penha y coproducción de Portugal-España-Francia-Brasil-2010 con duración de 96 minutos.
Cierto hermetismo en la historia puede desorientar al espectador que debería mejor desposeerse de lo profundo y dejarse llevar por la belleza del cuento y sus imágenes, que hacer un análisis de lo real de un amor imposible que solo puede ser apresable por el cine.

"JUAN y EVA", una relación íntima

La historia intimista se desarrolla entre Juan D. Perón y Eva Duarte donde el amor deviene en política cuando se conocen durante la recaudación de fondos de ayuda por el terremoto de San Juan en 1944 (hasta el 17 de octubre de 1945) y que está centrada en el marco de tensiones políticas con los militares en medio de una fiesta con el embajador norteamericano Spruille Braden (Alfredo Casero), que acompaña su general ministerial aliado Eduardo Ávalos (Juán Mirás) y el Cnel. Domingo Mercante (Sergio Boris).
El film insinua la advertencia que le hace Perón a Juan Duarte sobre su actitudes mafiosas y la crónica recuerda que el 9 de abril de 1953 fue hallado el cadáver de Juan Duarte, hermano de Eva Perón y ex secretario privado del presidente Juan Domingo Perón donde la noticia generó toda clase de conjeturas. El cuerpo fue encontrado en su departamento de Callao con un tiro en la cabeza y a su lado había un revólver calibre 38 y una carta dirigida a Perón. Tres días antes, Duarte había renunciado a su cargo, acorralado por rumores sobre sus actividades ilícitas.

El filme de Paula de Luque en el que Julieta Díaz interpreta a Eva Duarte confiesa que fue hermoso hacer ese trabajo: "de una Evita que todavía era Eva Duarte, la chica que quería ser actriz. La idea era mostrar su costado más íntimo, y el menos público por lo cuál me encantó trabajar con la directora esa sensibilidad lo más natural posible y con Osmar Núñez, que hace de Juan Perón, quedamos totalmente encantados y para mí fue un placer laburar con él”. Una mirada más exhaustiva puesta en la figura de Eva quién de a poco demuestra que no teme hablar ante el círculo que rodea a Perón ni deja de enfrentar a otras mujeres que rodean al entonces Coronel, como amantes secretarias.

De Luque se cubre de esa acusación al mostrar flancos discutibles de los personajes que hacen destacar su humanidad y las duras circunstancias que debieron atravesar para que esa historia de amor termine siendo, para muchos, una de las grandes historias del siglo XX.

SPLICE; un experimento alienígeno mortal

Con el film SPLICE nació la mujer con cola y aguijón de escorpión, patas de ave y alas y ojos muy separados. Para todos aquellos incrédulos que no conciben creerlo, es el producto de la ingeniería genética con sus mutaciones que lo ha logrado y no está lejos en el tiempo futuro, donde los experimentos se orienten hacia la creación humana de androides.

No solo existe en la ciencia ficción que adelanta lo que podría ser real ya que planteada la realidad se resuelve con la investigación genética con sus mutaciones del ADN.

Al descontrolar el árbol genealógico evolutivo la sorpresa es la creación de una criatura hermosa androide de evolución humana que traspone la belleza y la inteligencia más allá de las excepcionales habilidades físicas que excede todos los sueños ambiciosos de la creación científica, para convertirse en una gran pesadilla.
El realizador Vincenzo Natali no huye de sus referencias propuestas y las incluye en su película de una manera clara, sin ocultar su fuente al integrarlas en su obra y abriendo perspectivas emocionales, por las que, al realizar las asociaciones visuales, también se asocian las premisas argumentales y los conflictos que en ellas se plantean, permitiendo superar ésas premisas para evolucionar en otra dirección, la que renueva al reescribir el mito del pecado original de Adán y Eva, representados en Clive y Elsa, y en lugar de desafiar a Dios con la manzana, crea una especie nueva de la criatura adrógena.

Temeroso de tener una carrera de investigación mundana, Clive y Elsa proponen en secreto llevar a cabo sus propios experimentos, al mezclar ADN humano con los de otros animales, Elsa empuja la cuestión y Clive llama a su criatura Dren, ("empollón" al revés) que crece y aprende a un ritmo acelerado con el aumento de riesgo de descubrir a Dren, entonces deciden llevárselo a la granja de la difunta madre de Elsa.
Sin saberlo, las hembras híbridas que habían creado cambian de sexo y hacen una pelea desastrosa al enfrentar a dos híbridos machos, éstos brutalmente se matan unos a otros provocando un caos y trás esta acción se hace una reunión en NERD poniendo en peligro ir a la quiebra a menos que pueda hacerse un descubrimiento más rentable.

Mientras tanto, Dren se ha convertido en seres anfibios y omnívoros con un tóxico aguijón y alas retráctiles. Elsa, que había formado anteriormente un vínculo maternal con Dren, cambia de opinión después de las acciones de Dren por su conducta violenta al matar su gato de compañía y luego agredir a Elsa. Se corta el aguijón y utiliza muestras de tejido de ella para aislarse y finalmente sintetizar la proteína que había estado buscando.

Poco después, Clive y Dren tienen relaciones sexuales en el cuál Dren revela que ella ha regenerado su aguijón que fuera cortado por Elsa, pero ésta al descubrir el encuentro sexual con Clive, tienen una acalorada discusión.
Con la decisión de enfrentar a Dren, regresan a la granja, pero descubren su cuerpo en un depósito de agua, al parecer enferma que al poco tiempo Dren muere y es enterrada en la granja.

Poco tiempo después, su jefe Barlow de la empresa farmacéutica llega con su colega Clive y su hermano menor Gavin al ser consciente de la existencia de Dren, ha confirmado sus sospechas de Barlow que algún tipo de híbrido humano ha sido creado (por el ADN presente en la nueva proteína que sintetiza).

Son atacados por Dren, que no estaba muerta, pero durante una especie de coma mientras su cuerpo sufrió cambios la convirtió en un hombre. Después de matar a Barlow y Gavin, Dren arrastra a Clive en un estanque de congelación. Elsa lo rescata pero está inconsciente, y Dren está listo para atacar, por lo que ella huye, dejando detrás a Clive y Elsa es violada, Clive viene a su rescate pero Dren mata a Clive con su picadura tóxica, y Elsa con una piedra asesta un golpe mortal a Dren.

Elsa queda sola y se encuentra en la oficina del jefe de la empresa farmacéutica NERD por la cuál recibe una cantidad de dinero a cambio de su silencio y por el riesgo personal que ella está experimentando. Elsa toma coraje y revela que está embarazada.

El film mezcla horror con ciencia ficcción donde su director Vincenso Natali, y una pareja de investigadores científicos Elsa (Sarah Polley) y Clive (Adrian Brody) espaecialistas en mutación genética de ADN trabajan para rediseñar la creación de híbridos humanos para un laboratorio farmacológico que ofrece fondos de investigación a NERD (nucleicos Intercambio de Investigación y Desarrollo), con el objetivo de producir proteínas medicinales y encontrar soluciones de curas médicas a enfermedades terminales, de una nueva especie humana que los empuja a experimentar en silencio y a espaldas de sus superiores, con ADN humano dando a luz un nuevo ser androide, Dren (Delphine Chanéac), una atormentada criatura de sensual y extraña belleza.

En los momentos de la transformación de la criatura en la que deja atrás su primer caparazón de nacimiento para evolucionar hacia otro tipo de criatura, mucho más ágil nos remiten pensar indiscutiblemente, en Alien.

Cualquiera de las criaturas sugieren necesidad de cariño, inevitablemente, que fuera el vástago de Henry Spencer en "Eraserhead" y en las texturas físicas de cualquiera de las obras de Chris Cunningham y particularmente a Mental Wealth, en la cuál la cara de la protagonista es muy parecida a la de Dren.
Las primeros acordes de la partitura musical está compuesta por Cyrille Aufort, que evoca irremediablemente, a cualquiera de las que Howard Shore compusiera para los primeros títulos de la filmografía de David Cronenberg.

Fotografía de Tetsuo Nagata, producción Ejecutivo de Guillermo del Toro, montaje de Michele Conroy, hacen que se sincronicen todos los elementos que juegan a favor del film, como así los aspectos del maquillaje y efectos especiales.

Si bien las críticas pueden ser disímiles, pueden jugar tanto a favor como en contra, lo que no se puede negar es la habilidad de su director Natali para narrar su historia, en la que consigue momentos de empatía por la criatura un tanto extraña que pueda parecernos, o incluso sus primeras fases de crecimiento alejada de la símil apariencia humana.

Con un final abierto es el espectador quién debe decidir su aceptación o rechazo a una nueva temática como propuesta futura, que permita hacer un nuevo guiño cinematográfico hacia la continuidad de otra segunda película ahondando en temas similares.
Video de los detalles de producción de la realización del film.

La historia de amor final mezclada en un thriller de ciencia ficción subhumana hace refleccionar sobre cierta cuestión ética, que la transmutación genética puede hacer posible en un mundo futuro desmitificando a Dios, al permitir desarrollar la investigación con parámetros imprevisibles pero que el film no ahonda en el tema, pero plantea ideas narradas con buen ritmo y expectante tensión.

Comer a ciegas; una experiencia puramente sensorial

El restaurante pionero de la experiencia en servir una cena a oscuras de categoría con varios platos de maridaje fue el Blindekuh, en Zurich, al que siguieron otros entusiastas bistró`s en ciudades como Berlín, Viena, Londres y París.

En nuestra vida cotidiana una cena de categoría es acompañada a media luz con velas, pero en el "Teatro ciego", nada hay de eso, sólo rige una advertencia “Apaguen sus celulares, caminen despacio o griten ¡¡auxilio, socorro, mamá!!” cuándo dice uno de los integrantes del elenco antes de entrar en la sala, para distender el ambiente que la oscuridad hace inquietante para quiénes estamos acostumbrados a ver con luz.

En Buenos Aires el Centro Argentino del Teatro Ciego ubicado en el Abasto ofrece una propuesta gourmet a oscuras donde todo se toca suavemente aguzando el sentido con matices sensoriales, que experimentará el espectador cuando perciba las melodías que inunden el ambiente tocadas en piano por un ciego, Carlos Cabrera para introducirnos en el espectáculo llamado "A ciegas con luz" que acompañan Graciela Pereyra en clarinete y Martín Bondone en saxo.

En el lobby del teatro para ingresar a la sala se indican las directivas con voces amenas y confiables que tengamos calma para recibir la oscuridad, entramos con las manos en el hombro del delantero en fila india, guiado por un mozo lazarillo hasta reubicarnos en las sillas de las mesas donde al sentarnos encotramos un plato rectangular, servido con una copa redonda (a modo de reloj) para la bebida a elección y una panera para acompañar a degustar lo preparado por el chef Javier Aldape, que diseñó un menú de cinco pasos para comerse con los dedos de izquierda a derecha, todo identificado por suave tacto de mano con servilleta de por medio donde cada bocado al paladar es una intriga para ir descubriendo algún sabor olvidado. Los primeros 5 minutos a oscuras se viven con ansiedad de sensación claustrofóbica, que una vez superada, la distención nos provocan los sonidos que nos introducen imaginar la retrospectiva de viejos tiempos que reconoceremos sensorialmente con aroma a café en una experiencia diferente con el juego de los sentidos, que se mantiene durante una hora y media que dura el espectáculo musical. Después de algunos minutos de risas contenidas y poca conversación con algún grito para significar que aún se está ahí, el agujero negro intenso se llena con la voz diáfana de la cantante Luz Yacianci que va circunvalando la sala dimensionando su canto con un variado repertorio hasta nuestro tiempo, con "Balada para un loco" y "Cambalache" donde todos los comensales lo hacen suyo a coro, con sugestivo aroma a rosas y en otros momentos en el ambiente se huelen, a lavanda y jazmines ya con más animada alegría entre los invisibles comensales.

En la oscuridad los momentos del comer se ralentan, el cuerpo se relaja y los sabores se intensifican para reconocer cada bocado y poder apreciarlo más tiempo, así las parejas se descontraen en una conversación a tientas que sobrevive con la sensación como un acto ritual borgiano al dimensionar cada uno las ventajas de ser vidente.
La experiencia tiene una conclusión, agudizar al máximo los sentidos por una noche como así para otras ocasiones, "es como usar cambiando las medias del otro" y que una cita a ciegas serviría para cambiar ampliando la manera de pensar a la hora de comer más a menudo en nuestra vida cotidiana, donde cada uno le pondrá su toque surrealista como quiera y guste.

Reapertura del Museo del Cine "Pablo Duclós Hicken" en nueva sede

La Dirección General de Museos, dependiente del Ministerio de Cultura, anuncia el 1 de agosto se realizará la primera reapertura del Museo del Cine Pablo Ducrós Hicken, la segunda etapa el 1º de octubre en coincidencia con su creación en 1971 y la tercera en 2012, en su sede definitiva de Caffarena 49 en el tradicional barrio de la Boca, en un histórico edificio que fuera el anexo a la antigua usina de la Compañía Italo Argentina, construida en 1916 según el diseño del arquitecto italiano Juan Chiogna.

El Museo tendrá salas de exposición permanente y temporaria, un centro de documentación, con biblioteca, videoteca y hemeroteca; talleres de conservación y de montaje de exposiciones. El Museo contará también con un departamento de museología, curaduría e investigaciones, un centro de catalogación, una isla de edición, un laboratorio de preservación digital y un área de producción audiovisual.

Su patrimonio está constituido por más de 60 mil latas de material fílmico argentino desde la época muda hasta los noticieros de "Sucesos Argentinos", documentales argentinos y extranjeros, también 3 mil afiches originales del cine nacional, 370 bocetos de escenografía y 400 piezas de vestuario, registros y y reproducción de imágenes y objetos personales de artistas famosos.

Tendrá además un sector dedicado a la TV y el video y los medios digitales de internet y videojuegos en las salas de permanente exposición. Contará con salas de biblioteca, videoteca y hemeroteca, afiches, artefactos de cámaras y proyectores, vestuario y utilería.

Un centro de catalogación de guiones ,documentos,publicaciones antiguas y montaje de exposiciones con una isla de edición y laboratorio y producción audiovisual.

Conserva además una copia de Metrópolis de Fritz Lang en la que se restauraron escenas del original de 1927 en Alemania que fuera encontrada en el museo en 2008.

En la última edición de 19 al 23 de mayo en arteBA la Dirección General de Museos estuvo presente con un stand institucional referido a la reapertura del Museo del Cine donde se proyectaron en continuado dos piezas audiovisuales especialmente montadas en base al patrimonio del Museo del Cine el Tríptico Cine Expandido, una performance de cine experimental de Claudio Caldini a tres proyectores de Súper 8, con uno de los referentes argentinos de los movimientos de vanguardia.

http://www.museos.buenosaires.gov.ar/museodelcine/intro.html

"Carlos", el terrorista más buscado...

"Carlos" de Olivier Assayas.
Guión: Olivier Assayas, Dan Franck y Daniel Leconte.

Fotografía: Yorick Le Saux.

Montaje: Luc Barnier y Marion Monnier.

Producción: Films en Stock y Egoli Tossell Film.

Coproducción Francoalemana 2010,color 35mm, duración 2h45

Elenco: Edgar Ramirez, Alexander Scheer, Nora Von Waldstatten, Ahmad Kaabour, Cristoph Bach y Rodney El-Haddad.

La historia de "Carlos" es de Ilich Ramírez Sánchez conocido también por su apodo de "El Chacal", un terrorista venezolano moderno con ideas revolucionarias que fue buscado durante dos décadas entre 1974 en Londres al asesinar a un hombre de negocios británico y que en 1994 fue arrestado en Kartum después de complicarse con la política internacional bajo varios seudónimos.

Mantuvo su figura central del terrorismo entre 1970/80 en el activismo palestino contratado como mercenario al servicio secreto del Medio Oriente donde formó su organización con apoyo de la URRS hasta finalizar la Guerra Fría.

Fué un personaje violento y contradictorio manipulador y manipulado desde su orígen cuando se conectaba con la organización francesa Septiembre Negro donde idealizó su propia locura revolucionaria y al final cuándo fuera relegado en el Sudán para ser protegido por la dictadura islámica termina siendo entregado a las autoridades francesas que lo buscaba por tres asesinatos y ser condenado en 1990 a cadena perpetua por sus actos terroristas. 

El film es una investigación documental histórica periodística  coguionada por su director Olivier Assayas con Daniel Leconte y Dan Franck, donde la actuación de Edgar Ramirez (Carlos) dramatiza un trabajo lleno de matices en las diferentes composiciónes de actitudes que tiene que sobrellevar en su vida en permanente acoso y persecución al estar involucrado en una serie de actividades desesperadas, en particular, un ataque del Ejército Rojo Japonés en la embajada francesa en La Haya. También hablaba de la revolución idolatrando al Che con sus amigas, frecuentaba restaurantes elegantes como un vástago de la burguesía venezolana. La película es buena en la locución artificial de la retórica radical, pero Sánchez siempre parece ser el héroe o villano como el mito revolucionario que quiso representar con su imponencia física-erótica y que el director aprovecha y no lo condena ni tampoco lo glorifica pero lo resalta cinematógraficamente en su película con una mirada alucinada y cautivante de su generación del 70 inspirada por su idealismo de la época con sus múltiples derivaciones que tenía la izquierda vinculada al terrorismo internacional en donde quedaron perdidos sus genuinos valores y los bien intencionados sueños de cambio.

"Piratas del Caribe 4"; navegando las aguas misteriosas

Después de la trilogía (La maldición del Perla Negra en 2003, El Cofre de la Muerte en 2006 y "En el fin del mundo" 2007) la saga de Piratas del Caribe creada por el productor Jerry Bruckheimer en 2003, en la cuarta versión "Navegando en aguas misteriosas" trae nuevamente el regreso del capitán Jack Sparrow encarnado por Johnny Deep como su propio show fílmico, y su entorno acompaña preparado para entretener al espectador sumado al personaje como el villano Barbanegra (Ian McShane) y Barbossa (Geoffrey Rush) de la convencional historia, el pirata que surca los mares acompañado con una bella y misteriosa Angélica (Penélope Cruz) que hace de las suyas con poco lucimiento, primero enredarse entre ellos para luego enfrentar los guardias reales buscando la fuente de la juventud. 

La trama explora la rivalidad naval entre Inglaterra y España; esa leyenda que persiguió hasta su muerte el conquistador Juan Ponce de León; de aquella distinción de conquista entre piratas y corsarios con patente autorizada por el rey.
En una mezcla de personajes históricos con ficticios, con una adecuada reconstrucción de la época cobran vida espectacular en 3D sin dejar que el espectador se distraiga con la presencia de sirenas, zombies y los poderes sobrenaturales de los golpes de la espada por doquier del "temible" Barbanegra.
En ésta oportunidad el director Rob Marshall siguió la línea de su antecesor, Gore Verbinski al permitir el lucimiento de los actores: Geoffrey Rush y Kevin McNally que acompañan a Depp de las anteriores películas y que aquí gestos y muecas del Capitán pueden llegar a la saturación con los muchos tics (saltitos al caminar o revoleo de ojos repetidos como caricatura) que pueden producir cierta fascinación sumada a la presencia de Penélope Cruz, Ian McShane, Richard Griffiths y Stephen Graham junto a Sam Caflin y Astrid Berges- Frisbey, con las divertidas apariciones de Keith Richards, como el papá de Jack Sparrow, y Judi Dench en un cameo. 

La nota de la belleza la destacan las sirenas, con la modelo internacional Gemma Ward y la argentina Jorgelina Airaldi durante la llegada a la isla donde encuentra su ritmo narrativo.

El film no mejora hasta la mitad por la torpeza de su director Marshall en las escenas de acción con primeros planos donde el espectador pierde la noción de lo que está pasando al parecer tener más el impacto que comprender lo que pasa, sea con un guión que perfila el mismo equipo de guionistas, lo que explica el fenómeno de sus fieles seguidores en este género al pretender no dejar que el espectador se mueva clavado en su butaca hasta el final donde se agregó una escena de 40 segundos que daría el anticipo a la quinta saga.

Se entiende que la próxima saga deberá torcer el rumbo del barco con un golpe de timón necesario de los piratas para no quedar rondando en el mismo círculo en su próxima versión.

Woody Allen en "Que la cosa funcione"

Dirección y guión; Woody Allen

Fotografía; Harris Savides

Edición; Alisa Lepselter

Diseño de producción; Ellen Christiansen

Elenco; Larry David, Evan Rachel Wood, Patricia Clarkson, Henry Cavill, Ed Begley Jr, Conleth Hill y Michael McKean.

EE.UU 2009, Duración 92 minutos.

Después de estrenar en Cannes su último film Midnight in Paris rodado en la Ciudad Luz con figuras locales importantes (Marion Cotillard, Léa Seydoux y Carla Bruni), donde propone un vuelco en su filmografía con una historia nostálgica revisionista que surge de un viejo amor por el cine francés y su ciudad al conseguir salir de su entorno neoyorkino.

Pero en la filmografía de Woody Allen abundan los amores entre hombres maduros y jovencitas que lo retrotraen a sus obsesiones de Manhattan con su humor y con frescura en una nueva mirada de indagación fílmica en "Que la cosa funcione" (Whatever works), donde en tono armonioso y con un soplo de optimismo en la vida azarosa, cualquier amor puede definirse en felicidad siempre que lo que se entrega vuelva a recibirse así como que la cosa funcione.

Así el guión de Allen que fue escrito en la década del setenta para el actor comediante Zero Mostel que no consiguió hacerlo por fallecer en 1977 y ahora el papel de Boris Yellnicoff, un físico gruñon que nada le viene bien por obsesivo y pedante se gana la vida enseñando ajedrez a maltratados alumnos.

La elección de Larry David en su personaje de Boris es correcta por su minuciosa composición al representar el alter ego de Allen, por la convicción o rechazo que el personaje produzca en una reunión de amigos, donde le habla al espectador en primer plano como el único que vé el cuadro entero del film, al protagonista devenir de genio frustrado en su matrimonio con algún intento de suicidio, pero un día la vuelta de la vida lo enfrenta de forma fortuita a una chica llegada de Missisippi (Evan Rachel Wood) ingenua y algo ignorante, pero muy encantadora y viváz, le solicita estar un tiempo en su casa hasta conseguir trabajo. Contrario a lo que pueda suponerse el hombre se niega porque es un solitario empedernido pero acepta al fin cuando se convierte en su profesor, lo cuál ella aprovecha incorporar todas sus enseñanzas que se van transformando poco a poco en afecto, ya que su sabiduría le provoca admiración. 

Al poco tiempo todo se vuelve reiterativo pero con escenas graciosas de la protagonista (Evan) al consiguir apoderase de la acción cuándo irrumpen imprevistamente en la casa sus padres divorciados al visitarla (Patricia Clarkson y Edy Begley Jr.) impulsan una compulsa para desemascararse entre sí asumiendo sus verdaderas pesonalidades, y adoptar algunos inesperados cambios en la pareja con tacto y humor donde el resto del elenco se contagia como tantas otras veces lo consigue su director al darse el gusto de premiar sus personajes manejados por el designio del azar. 

Charles Chaplin a su 122º Aniversario del su nacimiento

Charles Spencer Chaplin nació el 16 de abril de 1889 en East Street, en la ciudad de Walworth, Londres.   
Actor, director, guionista y músico Chaplin fue el primero en encarnar, en la historia de la cinematografía, la figura del autor total, responsable hasta de la producción y distribución de sus propias películas.

Hijo de artistas de music-hall, y su madre era conocida como Lily Harley, se separaron cuando tenía 3 años y su madre trabajará de costurera para mantener sus hijos Charles y Sydney en Barlow Street. Charles debutó en el teatro a los cinco años y a los 20 ingresó en la compañía de pantomimas de Fred Karno donde aprendió el oficio y una de las premisas básicas: el fracaso como regla dominante de una comedia humana pasada por el sedazo de lo burlesco y lo trágico. 
En su opinión solía decir que; «Había llegado a esa edad difícil y poco atractiva de la adolescencia. Era un soñador y un inconsciente, rabiando contra la vida y amándola. Una mente en ciernes que, sin embargo, tenía súbitos brotes de madurez. El teatro significaba para mí solamente una manera de ganarme la vida». 
En 1913, tras una segunda gira americana, Chaplin decide quedarse allí y probar suerte en un medio nuevo: el cine donde incluía la mimica con gestos en sus películas mudas y sumar en sus filmes actores como Edna Purviance, Eric Campbell, Leo Blanco y Bud Jamison, muchos de los cuáles cumplían labores de villanos.

En sus primeras actuaciones a las órdenes del legendario productor Mack Sennett lo contrata para los estudios Keystone por 150 dólares semanales para interpretar a tipos algo sádicos y posteriormente consigue diseñar su personaje con su atuendo clásico para realizar varios cortometrajes y después del decimoprimero comienza a realizar los propios films. 

Solía decir al respecto de la creatividad que «Ser todo intelecto sin nada de sensibilidad puede ser la característica del criminal consumado. Ser todo sensibilidad sin nada de intelecto es el ejemplo del idiota inofensivo. Cuando intelecto y sensibilidad están equilibrados tenemos al actor superlativo.»
En 1916 la Mutual Film Corporation le ofreció 670.000 dólares, oferta que aceptó en la cuál rodó otras 14 películas, entre ellas con su personaje Charlot, músico ambulante, Charlot prestamista, The Fireman, Easy Street y The Floorwalker y que Charlot da pié para la película Mabel al volante, con Mabel Normand como estrella femenina, y al año siguiente un distribuidor francés le bautizará definitivamente como Charlot.   
La película El gran dictador (1940) contiene una sorpresa sarcástica al hacer una apología al régimen nazi con su discuso enjuiciante, el film es prohibido por los nazis en Alemania porque su personaje ahí se llamó Adenoid Hynkel y fue inspirado en el dictador alemán Adolf Hitler, que había nacido cuatro días después que Chaplin.

Ver escena del globo terráqueo  pulsando el link: http://youtu.be/3ufGTd1Hpfg
Charles Spencer Chaplin actor, director, guionista y músico Chaplin fue el primero en encarnar, en la historia de la cinematografía, la figura del autor total, responsable hasta de la producción y distribución de sus propias películas.
En 1913, tras una segunda gira americana, Chaplin decide quedarse allí y probar suerte en un medio nuevo: el cine donde incluía la mímica con gestos en sus películas mudas y al sumar en sus filmes actores como Edna Purviance, Eric Campbell, Leo Blanco y Bud Jamison, muchos de los cuáles cumplían labores de villanos. 
Una películas que más cautivó por su humildad fue "El Emigrante" con Edna Purviance de 1917:

En 1916 la Mutual Film Corporation le ofreció 670.000 dólares, oferta que aceptó y rodó otras 14 películas, entre ellas con su personaje Charlot, músico ambulante, Charlot prestamista, The Fireman, Easy Street y The Floorwalker y que luego Charlot dá pié para la película Mabel al volante, con Mabel Normand como estrella femenina y al año siguiente un distribuidor francés le bautizará definitivamente el nombre de Charlot.   
Con la compañía First National realiza 8 películas en 18 meses por 1.075.000 USD respectivamente para dirigir el filme Vida de perro, de 1918, que al respecto comentó: «Mi primera película para la First National tenía un elemento satírico en su argumento. Establecía un paralelo entre la vida de un perro y la de un vagabundo» para luego conseguir tener sus propios estudios que le permitió trabajar con mayor tranquilidad y centrarse en la calidad de sus producciones.  
Se casa en 1918 con Mildred Harris donde tuvo emociones muy encontradas para separase a los dos años y continuar trabajando en dos películas para ser cofundador de United Artists en sociedad con Mary Pickford, Douglas Fairbanks y David Griffith, quiénes decidieron financiar el proyecto de la companía, al igual que otros directores de otras productoras, al fusionarse mantener un mayor control de la industria cinematográfica y Chaplin  presidió dicha compañía hasta la década de 1950.
El Pibe de 1921 junto a Jackie Coogan, fue el filme más importante de su carrera y su argumento intercalaba la importancia del amor entre las personas con una enjuiciada crítica social y sólo en 1921, los espectadores de todo el mundo dejarían en las taquillas 21 millones de dólares para poder ver las películas cortas de Chaplin que fueron: Vida de perro y Armas al hombro ambas de 1918, y El pibe (1921) fue como algunas de las más éxitosas.

Después vendrán La quimera del oro(1925), El circo (1928) y Luces de la ciudad (1931) donde un pobre vagabundo conoce y se enamora de una florista ciega (Virginia Cherrill) que tiene un puesto en la calle. Al tiempo evita el suicidio de un millonario borracho (Harry Myers) quién hace amistad por tenerle salvado, pero la florista descubre que van a embargar su casa si no reúne dinero suficiente, y Charlot en una competición de boxeo consegue mil dólares de su amigo millonario, quien se los regala generosamente aprovechando que está ebrio, pero una vez sobrio niega connocerlo a Charlot y lo acusa de robo, pero éste antes le entrega el dinero a la florista y luego la policía lo busca para encarcelarlo. Al salir de la prisión se encuentra con la florista que ahora tiene una tienda y vive con la esperanza de encontrar un supuesto millonario. 

Cada vez más comprometido socialmente, Chaplin se despide de su disfraz del hombrecito con sombrero bombin y bastón y en la antológica Tiempos modernos (1936) ya no es un vagabundo sino un obrero que se enloquece con su trabajo en una fábrica.
En la película "Tiempos Modernos" se reconstruyen las condiciones desesperadas del empleo mecanizado que la clase obrera tuvo que soportar en la época de crisis de la Gran depresión, con una visión sarcástica de la eficiencia de la industrialización y la producción seriada. En la película intervienen Paulette Goddard, Henry Bergman, Stanley Sandford y Chester Conklin, donde se muestran escenas futuristas influenciadas por el film Metrópolis de Fritz Lang.

"Tiempos modernos" además es la transición entre el cine mudo y el sonoro, donde da paso a la música con cantantes y voces provenientes de radios y la sonorización de la actividad de las máquinas y sobre el final del film puede escucharse la voz de Charles Chaplin, que canta una versión de la canción de Léo Daniderff, "Je cherche après Titine", conocida como "Charabia", cuyos sonidos tratan de asemejarse a una mezcla de francés e italiano, con algo reconocible en inglés.

Después de Monsieur Verdoux, Candilejas, es la última película que produjo Chaplin en Estados Unidos, considerada por su sensibilidad y originalidad, su mejor película, después de la dramática situación, que lo llevó a exilarse y vivir como refugiado en Europa, ello lo motivó a realizar la película con marcados tintes autobiográfico, mucho simbolismo, y un guión bien redactado con una magistral partitura original, "Candilejas" se destaca por su trama entre comedia y drama  a lo largo de todo el film.
Su historia cuenta a un veterano cómico llamado Calvero (Charles Chaplin), en plena decadencia y alcohólico, acoge en su casa a una joven atormentada a la que salva cuando ésta se va a suicidar, intoxicada con gas. Tras el accidente la muchacha sufre un trastorno psicológico que la hace creer estar paralítica. El cómico intentará que la joven Thereza (Claire Bloom) vuelva a caminar y recupere su afición por la danza.
Entre sus célebres refranes solía recalcar «El hombre es un "animal" con instintos primarios de supervivencia. En consecuencia, su ingenio se ha desarrollado primero, y su alma después. Por lo tanto, el progreso de la ciencia va muy por delante de la conducta ética del hombre.»


Entre mayo y julio de 1956, en Inglaterra dirigió la filmación de "Un rey en Nueva York" y fue nombrado miembro de la British Film Academy de Londres. En ésta película, produjo, diseñó 

los guiones, actuó y dirigió y en 1958 cuándo comenzó a escribir su autobiografía  la Cinemateca de Bruselas pidió a 150 historiadores de todo el mundo una lista de los mejores filmes de la historia del cine por lo cuál Chaplin fue el más votado por "La Quimera del oro".

La salud del anciano actor comenzó a declinar desde la década de 1960, cuando finalizó la filmación de su última película "Una condesa de Hong Kong " y posteriormente se le diagnosticó una demencia senil, una enfermedad degenerativa que le causó diversas complicaciones visuales, motoras y de comunicación; también padecía asma. 

En sus últimos años, solía pasear con su esposa por las calles de Vevey (Suiza) en silla de ruedas y con un bastón sobre su mano, a los 88 años» presenció un espectáculo circense, como su anteúltima aparición pública.
La foto muestra a Charles Chaplin sobre una silla de ruedas, junto a su esposa, en 1965. 

Falleció en Navidad el día que más odiaba porque le recordaba su pobreza el 25 de diciembre de 1977 a los 88 años en su residencia Manoir de Ban, mientras dormía, a las 4 h (hora de Suiza).    

51º Festival Internacional de cine de Cartagena

GANADORES DEL 51°FICCI

El 3 de marzo 2011 se clausuró el 51° Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias con la proyección de la película Chico y rita de Fernando Trueba y la entrega de las India Catalina. El palmarés fue el siguiente:

Fueron las ganadoras del Festival en la Competencia oficial ficción

- Mejor película: Post mortem de Pablo Larraín (Chile)

- Premio Especial a Mejor director: Daniel Vega y Diego Vega por Octubre (Perú)
- Premio Especial a Mejor guión: Natalia Smirnoff por Rompecabezas (Argentina)

- Premio Especial a Mejor actriz: Claudia Celedón por Gatos viejos (Chile / Estados Unidos)

- Premio Especial a Mejor actor: Gabino Rodríguez por Asalto al cine (México)

Premio de la Crítica Internacional - Fipresci
- Mejor película: La vida útil de Federico Veiroj (Uruguay)
Colombia al 100%
- Mejor Película: La sociedad del semáforo de Rubén Mendoza
- Premio Especial: Apaporis, en busca del río de Antonio Dorado
- Premio Especial: Todos tus muertos de Carlos Moreno

Competencia oficial documental
- Mejor Película Documental: Pequeñas voces de Jairo Carrillo y Oscar Andrade (Colombia)
- Premio Especial: Macarena Aguiló, directora de El edificio de los chilenos (Chile)
- Premio Especial: Jesús Romero personaje del documental Agnus Dei, Cordero de Dios (México)
- Premio Movie City Colombia al 100%: García de Jose Luis Rugeles
Competencia oficial cortometraje
- Mejor Película: Esto es un revólver de Pablo González (Colombia)
- Premio Especial: Los días del verano son más largos de Aina Calleja (México)
- Premio Especial a Mejor dirección: Marialy Rivas por Blokes (Chile)
Corto en construcción
- Proyecto ganador: Las flores de Marcela Gómez Montoya
Premios Nuevos creadores
- Mejor Video Documental: Reciclando recuerdos de Catalina Vásquez Salazar (Universidad de Antioquia)
- Mejor Video de Animación: Introspección de Andrés Felipe Barajas (Pontificia Universidad Javeriana)
- Mejor Video Ficción: Permiso para soñar de Claudia Iguarán Manjarrés (Universidad del Magdalena)
Video Arte: Sin título de Rened Varona Burbano y Causa- Efecto de Nicolás Buenaventura.

GANADORES DE ENCUENTROS CARTAGENA EN EL FICCI

La organización de Encuentros Cartagena del FICCI dio a conocer los ganadores del Taller de Pitch Documental y del Encuentro Internacional de Productores.

- Taller de pitch documental:

El Premio DocsBarcelona, consistente en una acreditación para asistir como observador al Pitching Forum en la edición de 2012 del festival, el ganador fue el proyecto Monte adentro presentado por Flor de Producciones. En el Premio DocAndino 2011 que otorga dos cupos para asistir al Taller de Pitch y reescritura documental DocAndino, los ganadores fueron Requiem NN presentado por LuloFilms y La gran aventura presentado por YoReinaré Producciones.

- Encuentro Internacional de Productores:

El ganador obtiene una acreditación para asistir al Producers network del Festival de Cine de Cannes y el proyecto ganador fue Río seco presentado por La Patota Films.

cine@mincultura.gov.co

"El discurso del Rey" por la coronación

El discurso del rey (The king's speech, gran bretaña-australia-ee.uu./2010) . Dirección : Tom Hooper. Guión : David Seidler. Fotografía : Danny Cohen. Edición : Tarig Anwar. Música : Alexandre Desplat. Elenco: Colin Firth, Geoffrey Rush, Helena Bonham Carter, Guy Pearce, Jennifer Ehle, Derek Jacobi, Timothy Spall, Claire Bloom, Eve Best, Michael Gambon. Distribuidora : Diamond Films. Duración : 117 minutos. Calificación : apta para todo público
De la tartamudez de quién se convertiría en el rey Jorge VI de Inglaterra, el gran público sabía poco y nada hasta el encumbramiento de El discurso del rey, la película que aparece como máxima candidata a llevarse el Oscar como premio más importante de Hollywood al rescatar el tema que lo convirtió en una gran historia, y de paso disparó infinidad de debates históricos en todo el Reino Unido sobre lo que realmente ocurrió en un momento decisivo del siglo XX.
En verdad, quedó grabado en la memoria histórica una frase del monarca en la intimidad después de la ceremonia de coronación: "No podemos desilusionar dos veces a Inglaterra en la misma generación".  
Se refería al inesperado compromiso que debió enfrentar trás la abdicación de su hermano mayor David, que once meses después de ser ungido como Eduardo VIII dejó la corona para conservar el amor de una mujer plebeya, norteamericana y divorciada dos veces, Wallis Simpson, con la que terminó casándose.
Jorge VI, el hombre que sería rey, sufría de tartamudez, todo un problema en las vísperas de una guerra. Y quién logró remediar ese tormento fue un extravagante terapeuta de origen australiano llamado Lionel Logue, a cuyos servicios recurrió de una manera igualmente heterodoxa la esposa del futuro soberano, más tarde conocida por todos como la Reina Madre.
La nacionalidad australiana del logopeda no es menor ya que el director británico Tom Hooper, que ya había mostrado talento para la narración detallista de época, y la dirección de actores en la miniserie John Adams, es hijo de una australiana. Con éste modestísimo punto de partida, Hooper pasó a convertirse en el artífice de su película con estrella propia y que anuncia su estreno antes del Oscar, por la reciente cantidad de premios otorgada por las asociaciones de productores, directores y actores de Estados Unidos que suma 12 nominaciones y ya se insinúa como la preferida del Oscar 2011.
Lo que Hooper más temía era caer en los clichés de enfermedades complicadas y curas milagrosas siempre propuestas como salvación, pero "Lo más importante en ésta película es la necesidad de creer en la capacidad del héroe en uno mismo y de no equivocarse en el momento decisivo", comentó hace un tiempo a la prensa británica.
Con ésas precauciones, más un cuidadoso trabajo de preparación con el sello de la BBC y la elección de un elenco de celebrados actores, El discurso del rey comenzó un camino silencioso que se inició hacia la competencia del Oscar, muy por detrás de la favorita original Red social, a la que hoy parece quedar relegada en el cálculo de probabilidades

Colin Firth (que un año atrás también estuvo nominado por Todo un hombre ) como actor protagónico, y Geoffrey Rush lucen momentos de emoción que la historia contagia a los espectadores con su rigurosa relación inglesa entre el soberano (Bertie para la familia) y Lionel, el logopeda australiano cuya ayuda le será indispensable, pero también le revelará el significado de la palabra amistad, y que la habilidad del director del film han sabido rescatar con dosis de humor, tensión, drama, emoción y hasta la clásica flema británica ó el debate que provocaría haber omitido ciertas conductas filonazis por parte de Eduardo VIII y dudas en torno del verdadero papel que cumplió Winston Churchill.
El despliegue del talento fluye por lo que propone un buen elenco y hace difícil sustraerse a su encanto. Quizá los trabajos de Colin Firth, Geoffrey Rush, Helena Bonham Carter, Derek Jacobi, Guy Pearce y el resto opere con tanta seducción sobre el espectador que éste termine hallando en el film algunas cualidades más de las que verdaderamente tiene, y verlo sea una experiencia necesariamente deliciosa.
 Discusiones que crecen mientras "El discurso del rey" parece encaminarse cautelosamente, de aquí al domingo 27 de febrero, a vivir otra clase de coronación, al estilo Hollywood como ganadora del Oscar.

"127 horas", de alta tensión por sobrevivir

La obsesión es filmar el impulso vital del realismo extremo que lleva a las personas a tomar decisiones drásticas con el propósito de dejar atrás la adversidad que le toca enfrentar.
En el film "127 horas" es una experiencia angustiante y tensa para el espectador, el protagonista James Franco que será uno de los maestros de ceremonia en la entrega de los Oscar Award 2011 a lo largo de 4 horas de fiesta en el Teatro Kodak, tendrá como escenario real la película que lo cuenta como un experimentado montañista personificando a Aron Ralston al quedar atrapado en abril del 2003 entre paredes rocosas en montañas del estado de Utah, un inóspito lugar que se caracteriza por formaciones de cañones montañosos.

El director británico Danny Boyle que se consagró hace poco más de 3 años por su trabajo en Slumdog Millonaeire (Quieres ser millonario..?), reconoció en su momento el sorprendente triunfo de su film cuándo mostró la miseria de los barrios paupérrimos de Bombay frente al galmour que ofrece Hollywood.
Ya nadie duda que, de los primeros escarceos hacia el Oscar que tenía 127 horas para ganar, ahora los expertos en pronósticos incluyen a éste film con posibilidades nulas de aspirar al trofeo, a pesar de tener el soporte del músico indio A.R.Rahman de su exitoso film anterior y ahora nominado por la excepcional música para 127 horas, y que también se alcanza a recordar otros films similares en el tema como "Naúfragos" con Tom Hanks en la experiencia de un moderno Robinson Crusoe viviendo en una isla, ó de "Enterrado" la más reciente experiencia de un personaje encerrado en un ataúd bajo tierra intenta escapar del interior.

Raldson acostumbrado a hacer recorridos en montain bike en soledad alcanza ribetes de gran dramatismo ante la imposibilidad de solicitar ayuda al quedar atrapado e inmovilizado por una enorme piedra entre el filo de las paredes rocosas, donde tuvo que permanecer 5 dias alimentándose de su propia orina, hasta conseguir liberarse con un alto costo de automutilación.
Boyle no busca el efectismo del momento extremo ni la crónica de un hombre solitario aislado que busca reencontrase a sí mismo, o mostrar la soledad del paisaje recorrido en bicicleta, sino una historia de alguien que trata de conectarse con el mundo, sus amigos y familia sea fructifera pero ésta termina como una trágica consecuencia de la vida.

La vuelta del western olvidado

Temple de acero (True grit, Estados Unidos/2010) . Dirección y edición : Joel y Ethan Coen. Guión: Joel y Ethan Coen, sobre la novela de Charles Portis. Fotografía :Roger Deakins. Música : Carter Burwell. Diseño de producción : Jess Gonchor. Elenco : Jeff Bridges, Matt Damon, Josh Brolin, Hailee Steinfeld, Barry Pepper. Distribuidora : UIP. Duración : 110 minutos. Calificacion : apta para mayores de 13 años.
"Temple de acero", es el clásico título del cine del Viejo Oeste, como remake en los comienzos de los años 90 con Danza con lobos y Los imperdonables, una vez más alimenta al Oscar como un interrogante de Hollywood para su premiación.
El nuevo film de los hermanos Coen, que estrena UIP entusiasma por llevar recaudado más de 100 millones de dólares desde Los imperdonables y también desde lo artístico, gracias a las 10 nominaciones al Oscar, cifra sólo superada por El discurso del rey con 12 nominaciones.
El entusiasmo por la vuelta del género cinematográfico como el mito clásico de Hollywood en los EE.UU  aparece identificado cada vez que alguna reconocida figura procura rescatarlo. Así fue con Clint Eastwood, con Kevin Costner (la excelente Pacto de justicia siguió a Danza con lobos ); Ed Harris y Viggo Mortensen ( Appaloosa ); Russell Crowe y Christian Bale  (3.10 a Yuma, en su otra remake), y Brad Pitt ( El asesinato de Jesse James ).
Ahora es con la nueva Temple de acero, un film original de 1969, que le permitió nada menos a John Wayne (la máxima figura e image del western) obtener por única vez el máximo galardón de Hollywood por su personificación de Rooster Cogburn, un viejo afecto a la bebida, escéptico y desengañado marshall, tuerto, que acepta el ofrecimiento de una adolescente para adentrarse en territorio indio y cazar al fugitivo que asesinó a su padre. Wayne hizo de Cogburn por segunda vez en El alguacil del diablo (1975), su penúltimo film.
Los hermanos Coen de su film dijeron que no guardaban intención alguna de recrear un western clásico donde se corre en desenfrenado galope a los tiros persiguiendo los buenos a los malos sino que su interés de ellos consistía en la revisión de la novela que lo inspiró, escrita por Charles Portis en 1968, sobre todo a partir del lugar que ocupaba la chica de 14 años (Hailee Steinfeld, también nominada al Oscar), de rigurosa formación presbiteriana con diálogos permanentes entre sus personajes que son duelos verbales, pero con decisión resuelta a tomar las armas y vengar a su padre.
En manos de los Coen, ella aparece como protagonista ideal de otra de las clásicas reflexiones sobre el bien y el mal de los realizadores en "Sin lugar para los débiles" .
Es posible que Steinfeld todavía podría obtener el premio como mejor actriz de reparto y que el extraordinario fotógrafo Roger Deakins lograría aquí su primer Oscar en nueve nominaciones.
Pero los comentarios de Hollywood alrededor de Temple de acero exceden al Oscar y retoman la recurrente idea del rescate del western pero lejos del clima tenso de "A la hora Señalada".
Hay expectativas sobre el próximo estreno de "Cowboys vs. Aliens", con Harrison Ford y Daniel Craig mezclando una historia del pasado del Oeste y el futuro de la ciencia ficción. También está por la recuperación de un olvidado guión de Sam Peckinpack al interesarse en Hollywood sobre el retorno del género y por interrogarse sobre el destino del western, sin respuestas futuras.